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El rey de la fiesta: tomar la identidad del otro para ser, por fin, tú mismo

Para el cineasta Salomon Askenazi, una lucha de opuestos se libra al interior de nuestra existencia. La personalidad ideal que buscamos tener se esconde ahí, donde una parte animal y otra espiritual confluyen. Con su nueva película, El rey de la fiesta, propone la historia de Héctor, un hombre sumido en una crisis existencial, que toma la posibilidad de presentarse como Rafael, su extravagante y juguetón hermano gemelo, luego de que este desaparece tras un accidente. Desde una identidad ajena que le permite explorar, emprenderá un camino donde una realidad dislocada y el performance de una dualidad que batalla consigo misma le darán esa síntesis en la que se encuentre a sí mismo, desde el otro.
El filme se ha presentado en diversos festivales: ganó el Premio Cabrito de Plata a Mejor Largo Mexicano de Ficción en el 17° Festival Internacional de Cine de Monterrey y el premio Círculo Precolombino de Bronce del 38º Festival de Cine de Bogotá. También formó parte de los estrenos mexicanos en el 19 Festival Internacional de Cine de Morelia.
En entrevista, el realizador nos cuenta sus influencias, qué elementos le resultaron necesarios para el estilo visual de la película, nos platica sobre su trabajo sobre el guion y la satisfacción del deseo como motor de sus historias.

Has comentado que la historia se construyó tomando elementos de tu vida: estabas teniendo a tu segundo hijo al momento de escribirla y Rafael inspira su imagen en un tío tuyo. ¿De qué manera crees que impactan las experiencias personales en el trabajo de un realizador?
Siento que, sin planearlo, me ha pasado que me inspiro en temas de gente conocida. Dos veces tú [su película anterior], por ejemplo, estaba basada en mi esposa y su prima, en la relación muy personal que hay entre ambas. Es como una mecha que prende la idea y de ahí digo “esto está interesante” y me sigo. El tema del gemelo, por ejemplo, no viene de ningún lado en concreto, tomé ideas de películas como Enemy o Dead Ringers.
Al final, cada uno tiene algo que decir. Hay que encontrar qué es lo que tenemos de único en nuestra vida, en la mente y la experiencia, para tomar algo auténtico y no copiar. Al mismo tiempo, es una mezcla de tu entorno y del momento en que estés pasando en tu vida. Yo empecé con el tema de mi segundo hijo, llegó un punto en el que me sentía en una vida familiar y que no podía seguir haciendo cine. Tres años después ya era otra persona, ya no tenía ese dilema. En su lugar, estaba metido en filosofía o espiritualidad. Hay que escuchar qué es lo que se está moviendo internamente para plasmarlo.
En mi lectura, encontramos en tus películas personajes que desean. ¿Consideras que el deseo es la principal motivación de tus historias?
Sí, yo creo que esta película habla mucho del deseo, es un tema que tengo muy claro. No sé si sea así para el espectador, pero hay una idea que me parece atractiva y es que Héctor tiene tanto deseo de cambiar, de vivir de otra forma, que él causó todo lo que pasó en la película, su mente y su deseo terminaron materializando la situación. Pienso que creas en cierto modo tu realidad y el deseo es una llave para abrir muchas cosas.
Tu película es una catarsis atípica: usas un planteamiento ya visto, de dos personajes opuestos, pero haces que Héctor busque liberación desde el otro, desde que se convierte en alguien más. Pareciera una celebración del pretender. ¿Cuál consideras que es la función del simulacro a la hora de buscar el significado o reafirmarse?
Pienso que es la forma de llegar a convertirte en tu ser ideal, actuando como él, aunque sea un poco forzado al principio y eso va a hacer que seas esa persona. Si me imagino a otro yo, voy a empezar a actuar como él y eso va a hacer que llegue a serlo. Héctor está muy atorado y su forma de cambiar es viviendo la versión ideal del que quisiera ser; se le presenta la oportunidad de hacerlo en libertad, sin consecuencias, porque a final de cuentas como que está jugando, nadie sabe que no es él.

También está la idea del doble. ¿Qué es lo que más te llama la atención del doble?
Siento que significa esta lucha que todos tenemos entre un alma animal y una espiritual. Héctor y Rafael son extremos y Héctor debe llegar a un balance. No es como que Rafael sea perfecto, ambos tienen cosas que están bien y mal. Es como mover el switch, dejar de ser quien cree que es y abrir su consciencia, con la oportunidad de sentir que no lo están juzgando. Como creen que no es Héctor, siente que puede decir lo que quiera, abre un candado mental que lo libera.
Existe en tu película un cierto tono de fantasía. El guion lo trabajaste con Karen Chacek, escritora que ha incursionado en este género, ¿me podrías contar algo de su participación?
Karen llegó a aterrizar la película. Por dos años tuve una versión donde no había gemelo, era tal cual un doble. La película tenía lo suyo, pero era confusa, precisaba mucha explicación. Empecé la producción con otro guion, pero me di cuenta que no lo tenía claro y decidimos cancelarla al segundo día. Después de un año se filmó otra vez. Le hablé a Karen porque necesitaba una voz externa que me ayudara, ella tiene más estructura que yo y confíe en que me diera una perspectiva de alguien mayor; me ayudó a balancear la extrañeza y la fantasía con algo más digerible, sin perderlas.
Visualmente has dicho que buscabas una expresión abstracta en lo emocional. Hay juegos de espejos, reflejos en el agua, simetrías que se rompen. ¿Qué elementos te resultaron imprescindibles, necesarios o funcionales para ejecutar esa abstracción en lo concreto?
Fue necesaria mucha planeación. Generalmente dejo mucho espacio indefinido para el montaje y la producción, pero aquí hubo más trabajo de scouting y preparación con Nur Rubio, la fotógrafa; hicimos un shooting muy detallado.
Otra cosa es que teníamos clara la propuesta. Si queríamos expresar dualidad necesitábamos espejos, reflejos. Para la confusión, planos de cabeza o reflejos hacia abajo en el agua; casas abandonadas también… nos funcionó encontrar locaciones que tenían todo. La casa, por ejemplo, es un personaje más, era la casa de la infancia de Daniel Adissi, músico y actor de la película, había una carga emocional fuerte que conectó con elementos del guion. Todo se juntó, saber qué queríamos, buenos encuadres y buenas locaciones.

Lo sonoro tiene un acento muy importante en tus películas, ¿cómo consideras que impacta en lograr una ambientación, en proponer un mood para la película y los personajes?
Desde el guion estoy pensando en qué canción y qué sonido van a estar. Las canciones más conocidas, como la de Father John Misty, las tenía apuntadas desde ahí. Estoy muy abierto a que la gente colabore y proponga, así que tengo este equipo musical con Daniel [Adissi], que es músico, y Jacobo Betech, supervisor musical. Los tres buscamos canciones para armar el soundtrack. Me han dicho que soy muy videoclipero, pero me gusta mucho hacer esos montajes, experimentar en la edición y jugar con los efectos y los sonidos en la mezcla. Hay un trabajo muy cuidado de post producción en ese apartado.
Para cerrar, ¿ cómo te gustaría que se le caracterizara a tu película?
Me gustaría que la gente la sintiera divertida, intensa y singular. Y también que sea algo que deje pensando, creo que tiene varios detalles que pueden interpretarse de diversas maneras.
El rey de la fiesta se estrenó el pasado 20 de enero en salas nacionales.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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