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La angustia de crecer: La historia y el significado de “Stressed Out” de Twenty One Pilots
El debate sobre la generación millennial es polémico por todos lados… El autor Jason Dorsey define para la BBC a las personas englobadas dentro del concepto como aquellos “quienes tienen un mayor nivel educativo, pero muchos se sienten frustrados porque no pudieron alcanzar sus altas expectativas laborales debido a la crisis económica“.
Por ahí, algunos más describen les describen bajo la etiqueta de la ansiedad, de la facilidad para caer en deudas, de la complicación para establecer un patrimonio propio y encima de todo, dice Dorsey, esta generación se fragmenta entre ‘millennials viejos’ -aquellos que tienen 40 años y de alguna manera están educados a la antigua- y los ‘millennials jóvenes’, que son los que han crecido respaldados por el boom tecnológico de las redes sociales.
Independientemente de ello, todos y todas (o la gran mayoría) tienen básicamente el mismo problema. Y si tuviéramos que conceptualizar ese problema a través de la música, bueno, podríamos decir que “Stressed Out” de Twenty One Pilots sería uno de los himnos generacionales que mejor aterrizan la idea. Ahora te estarás preguntando por qué, así que te contaremos la historia detrás de la canción para entender qué onda con ello.
Twenty One Pilots en el video de “Stressed Out”. Foto: Captura de YouTube.
‘Blurryface’ el álbum y el personaje que definió a Twenty One Pilots
Hay muchas lecturas que se pueden hacer sobre “Stressed Out” y sobre lo que habla la canción de Twenty One Pilots. Su melodía eficazmente nostálgica y la lírica es capaz de despertar en el oyente cualquier cantidad de recuerdos de los días en que lo que menos nos pasaba por la mente era preocuparnos por la turbulencia de la vida adulta.
El coro del tema lo dice todo: Wish we could turn back time/To the good old days/When our momma sang us to sleep/But now we’re stressed out (“desearía que pudiéramos regresar el tiempo a los buenos días cuando mamá nos cantaba para dormir… pero ahora estamos estresados”). Inmediatamente, esta se convirtió en el track definitivo del disco Blurryface y en una de las más escuchadas del periodo 2015-2016.
Pero había un elemento de dicho álbum y en dicha canción que nos daba una idea todavía más certera de lo que significaba el disco y el tema en sí.
Tyler Joseph caracterizado como “Blurryface” en un show. Foto: Getty.
Como recordarán, en el video vemos a Tyler Joseph, compositor principal de Twenty One Pilots, encarnando al personaje conocido como Blurryface que le da nombre al disco. La historia es sencilla en el clip: él va a pasar el rato a la casa de su amigo Josh y realmente no hacen mucho más allá de tomarse un juguito en una banqueta, practicar un apretón de manos secreto y pasear en bicicleta por el vecindario. Una representación sencilla pero fiel de la niñez estadounidense que hemos visto en un sinfín de videos musicales, películas y series de TV.
Esos son definitivamente los ‘good old days’ de los que habla la canción. Pero las imágenes del video contrastan con la letra de la tema, que no es rebuscada y al contrario, es bastante directa en lo que busca expresar respecto a la angustia de crecer. “Me dijeron que cuando me hiciese mayor todos mis miedos se harían pequeños, pero ahora soy inseguro…“; “entre créditos estudiantiles por pagar y casas en los árboles, todos escogeríamos lo segundo”, canta Tyler en diferentes versos mientras Blurryface, en el clip, hace lo suyo.
¿Quién es entonces este personaje que tiene las manos y el cuello cubiertos de tinta y que protagoniza tanto el video como el concepto del álbum? En palabras del propio Joseph recogidas de una entrevista para MTV, es “un tipo que representa todas las cosas de las que yo como individuo -pero también de quienes están a mi alrededor- me siento inseguro… Es muy dramático, lo sé, pero me ayuda a adentrarme en ese personaje“, mencionaba Tyler en ese momento.
También puedes leer: ¿LO SABÍAN? ESTA ES LA HISTORIA DETRÁS DEL NOMBRE DE TWENTY ONE PILOTS
La inspiración detrás de “Stressed Out”: ¿Un himno millennial?
Es fácil identificar “Stressed Out” de Twenty One Pilots como una especie de himno millennial sobre la angustia que provoca crecer y adentrarse poco a poco en las complicaciones de la vida adulta. Para el momento de su lanzamiento, tanto Tyler Joseph como Josh Dun tenían 27 años y era como si un par de prodigiosos compositores entendieran lo que varios de sus oyentes estaban pasando en esta transición generacional.
Además, la canción fue todo un hito para la generación que comenzaba a popularizar Spotify. Extrañamente, el sencillo se convirtió en la primera pista de rock (así lo definió la industria musical a pesar de sus tintes cercanos al hip-hop) que sobrepasó el billón de reproducciones en dicha plataforma. Es justo decir que gracias a ello y a su desempeñó en listas y premiaciones, esta es una de las canciones clásicas de la década del 2010.
Debido al contexto que ya hemos mencionado en párrafos anteriores, la crítica no dudó en mencionarla como un himno millennial. ¿Estaba Twenty One Pilots de acuerdo con esa etiqueta? Para nada. En una entrevista con Billboard en 2016, Tyler Joseph rechazó rotundamente esa idea mencionando que no hablaba tanto como una cuestión generacional y que incluso su padre se identificaba con la canción.
Por otro lado, en esa misma charla con Billboard mencionó que “Stressed Out” es más bien una canción de añoranza y casi casi una carta donde recuerda una etapa de su juventud junto a uno de sus hermanos menores. “No estaba pensando en nada de eso. Estaba pensando en mi hermano, nuestra relación ahora y nuestra relación cuando estábamos creciendo. Fue mi único amigo durante gran parte de mi vida”.
Foto de Tyler Joseph tocando para su familia. Imagen: Instagram (@tylerjoseph).
El legado de la canción
La canción dejó un montón de simbolismos importantes como el ya mencionado apretón de manos secretos que se ve en el video, el cual de hecho se originó entre Tyler y Josh cuando andaban en alguna gira. Y ese, es solo uno de los aspectos importantes sobre la infancia añorada en “Stressed Out” y la eventual transición a la edad adulta.
Como sea, la canción rompió todas las listas en las que se incluyó, catapultó a Twenty One Pilots al estrellato masivo y los coronó con un premio Grammy que recibieron subiendo al escenario sin pantalones. Sin embargo, aunque el compositor principal de la banda lo niegue, su canción cuajó como un himno para una generación que, como dijimos, vive estresada por su contexto y lo que le ha tocado enfrentar. Ya cabrá en cada mente hacer su propia lectura, para bien o para mal, de lo que define a estas personas.
Y bueno, si somos justos, aunque la música también es el resultado de lo que se vive alrededor, no podemos delimitarla a una cuestión generacional. Por ello es que la obra de tantos artistas musicales ha perdurado con el tiempo, estén o no entre nosotros.
Twenty One Pilots recibiendo el Grammy por “Stressed Out”. Foto: Getty.
Chequen a continuación la entrevista que tuvimos hace poco con Tyler Joseph por el lanzamiento de Scaled & Icy, el nuevo disco de Twenty One Pilots.
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El 26 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Miles Dewey Davis III, el trompetista estadounidense que transformó el jazz y que redefinió la manera en que la música moderna entiende la innovación. A un siglo de su llegada al mundo, su figura permanece como una de las más influyentes del siglo XX: un artista incapaz de repetirse, obsesionado con anticipar el futuro sonoro incluso cuando eso significaba incomodar a su propio público.
Trompetista, compositor y líder de banda, Davis convirtió cada etapa de su carrera en un punto de inflexión para el jazz. Desde el bebop hasta la fusión eléctrica, su trayectoria -que abarcó cinco décadas- puede leerse como una historia paralela del desarrollo del género durante la segunda mitad del siglo pasado.
Un oído formado entre tradición y cambio
Miles Davis nació en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, aunque creció en East St. Louis dentro de una familia afroamericana de clase media acomodada.
Su entorno familiar estuvo marcado por la música desde temprana edad: su madre tocaba el violín y su hermana interpretaba piezas clásicas al piano, mientras que el gospel, el blues y el jazz entraban en su vida a través de la radio, la iglesia y los viajes familiares.
A los diez años recibió su primera trompeta, regalo que definiría su destino. Bajo la guía del trompetista Elwood Buchanan, comenzó a desarrollar un estilo poco convencional, alejado del virtuosismo explosivo dominante en la época. Buchanan insistía en evitar el vibrato excesivo, una enseñanza que terminaría moldeando el sonido íntimo y contenido que caracterizaría a Davis durante toda su carrera.
El propio músico recordaría años después la influencia decisiva de su mentor Clark Terry. “La influencia principal que recibí debe haber sido Clark Terry… íbamos a una jam y el lugar se llenaba en diez minutos. Venía a mi casa, pedía permiso a mi padre y me llevaba a tocar desde las seis de la tarde hasta las seis de la mañana”.
Aquellas sesiones marcaron su formación práctica mucho más que cualquier aula.
Nueva York y el nacimiento del jazz moderno
En 1944, con apenas 18 años, Davis se mudó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Sin embargo, su verdadera educación ocurrió fuera de las clases, en los clubes nocturnos de la Calle 52, donde el bebop estaba revolucionando el lenguaje musical.
Allí conoció a figuras clave como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes lo integraron a la nueva corriente musical. Davis describió aquel encuentro decisivo con humor y asombro. “Ni siquiera reconocí a Dizzy cuando me preguntó si tenía carnet del sindicato. Yo solo quería escucharlo tocar, pero terminé subiendo al escenario”.
La experiencia confirmó que su aprendizaje debía darse dentro del movimiento creativo que estaba transformando el jazz.
De “Birth of the Cool” al cambio constante.
A finales de los años cuarenta, Davis reunió un noneto con una instrumentación inusual que incluía trompa y tuba. Aunque las grabaciones iniciales pasaron desapercibidas, posteriormente serían publicadas como “Birth of the Cool” (1957), obra fundamental que dio nombre al cool jazz y abrió una nueva sensibilidad sonora menos frenética que el bebop.
Davis continuó cambiando de rumbo. Tras el cool jazz llegó el hard bop, donde recuperó la energía del rhythm and blues; después, el jazz modal, basado en escalas más que en progresiones armónicas tradicionales. Este periodo produjo obras esenciales como “Milestones” (1958) y el legendario “Kind of Blue” (1959), considerado uno de los discos más influyentes de la historia.
Piezas como “So What”, “All Blues”, “Blue in Green”, “Solar” y “Four” muestran la amplitud estética de su obra y explican por qué su música sigue siendo objeto de estudio.
El riesgo eléctrico y la incomprensión
A finales de los años sesenta, fascinado por el rock, el funk y el soul, Davis volvió a romper expectativas al incorporar instrumentos eléctricos y ritmos más agresivos. Álbumes como “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) marcaron el nacimiento del jazz fusión.
La decisión provocó rechazo entre sectores puristas del jazz, que consideraron su electrificación una traición. Sin embargo, el tiempo consolidó esas grabaciones como una expansión definitiva del género.
Su capacidad para adelantarse a las tendencias fue constante: mientras muchos músicos perdían impulso creativo con los años, Davis seguía reinventándose.
Retiro, regreso y apertura al hip-hop
En 1975 se retiró temporalmente debido a problemas de salud y adicciones. Durante cinco años permaneció alejado de la vida pública, hasta regresar en 1980 con una nueva etapa creativa marcada por la exploración tecnológica y sonora.
Incluso en sus últimos años se mantuvo atento a nuevas corrientes musicales. Su álbum final, “Doo-Bop” (1991), incorporó elementos del hip-hop, anticipando el diálogo entre jazz y cultura urbana que se volvería común décadas después.
No es casual que artistas como The Roots, Mobb Deep, Notorious B.I.G., Outkast o Queen Latifah hayan sampleado su música, confirmando su influencia más allá del jazz.
El legado de una mente adelantada
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, a los 65 años, tras complicaciones derivadas de enfermedades respiratorias, un accidente cerebrovascular y neumonía. Su último disco fue publicado de manera póstuma, cerrando una carrera marcada por la búsqueda constante.
Dueño de un sonido irrepetible
El sonido de la trompeta de Davis -frecuentemente interpretada con sordina Harmon- se distinguía por su lirismo, frases breves y una intensidad introspectiva que contrastaba con el virtuosismo dominante. Su estilo demostraba que la emoción podía surgir tanto del silencio como de la nota.
A lo largo de su trayectoria, convivió creativamente con gigantes del género, entre ellos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, formando parte del reducido grupo de artistas que redefinieron el rumbo del jazz y lo dotaron de una expresividad que rompió moldes.
El líder que construía sonidos colectivos
Parte del mito de Miles Davis reside en su habilidad para reunir músicos excepcionales y convertirlos en catalizadores de nuevas ideas. Aunque la autoría de algunas composiciones ha sido discutida -como el caso de “Blue in Green”, frecuentemente asociado al pianista Bill Evans- el resultado final siempre llevaba su sello artístico.
Más que imponer, Davis dirigía mediante la escucha y la intuición, nutriéndose de la creatividad colectiva para construir un sonido propio.
Cinco discos para entender su carrera
“Birth of the Cool” (1957)
El álbum que dio nombre al cool jazz. Davis rompió con la velocidad frenética del bebop y apostó por arreglos más sofisticados, atmósferas contenidas y un sonido elegante que cambiaría el rumbo del jazz moderno.
“Milestones” (1958)
Disco puente hacia el jazz modal. Aquí comenzó a abandonar las progresiones armónicas complejas para explorar estructuras más abiertas basadas en escalas, anticipando su obra maestra del año siguiente.
“Kind of Blue” (1959)
Considerado el disco de jazz más influyente de todos los tiempos. Con John Coltrane, Bill Evans y Cannonball Adderley, Davis creó una obra accesible, introspectiva y revolucionaria. Incluye clásicos como “So What” y “All Blues”.
“Sketches of Spain” (1960)
Su etapa más experimental y orquestal junto al arreglista Gil Evans. Fusionó jazz, música clásica y sonidos españoles en una obra atmosférica y cinematográfica encabezada por una reinterpretación del “Concierto de Aranjuez”.
“Bitches Brew” (1970)
El disco que detonó el jazz fusión. Davis incorporó instrumentos eléctricos, rock, funk y largas improvisaciones colectivas. Fue polémico en su momento, pero redefinió el jazz contemporáneo e influyó en generaciones posteriores.
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Zapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
La música tomó las calles de Zapopan y convirtió el centro del municipio en una celebración colectiva. Desde temprana hora del sábado, miles de personas comenzaron a reunirse entre la Plaza de las Américas, el Andador 20 de Noviembre y las inmediaciones de la estación Zapopan Centro de la Línea 3, donde se realizó la quinta edición de la Fiesta de la Música Zapopan 2026.
La jornada que se extendió desde las 17:00 horas hasta la medianoche. Familias, jóvenes, parejas y grupos de amigos caminaron entre escenarios, puestos de arte y zonas de convivencia mientras el sonido de guitarras, metales y percusiones se mezclaba con el bullicio de la noche.
La edición 2026 contó con cuatro escenarios principales: Máxima Red Cola, Cultura Fest, Cultura UDG y Juventudes Zapopan, además de dos espacios complementarios donde hubo música tradicional, banda pop y karaoke. La propuesta reunió tanto a artistas emergentes como a agrupaciones con trayectoria, consolidando un cartel diverso que apostó por distintos géneros y públicos.
Entre las bandas y proyectos que formaron parte del festival destacaron Mexican Balkan Orkestar, Circo Kandela, Cruda Mata, The Tropikal Yeah! y Sr. Fillips, además de presentaciones de artistas como Paulina Jiménez, Montenegro, Silent Noir y Navit. El programa también incluyó a Apolinar, Dínamo, Habitantes, Metal Miura, Fonemics y Gargamel, entre otros proyectos locales y nacionales.
A lo largo de la tarde y la noche, el ambiente cambió constantemente de ritmo. En un escenario predominaban las fusiones balcánicas y tropicales; metros adelante aparecían propuestas de rock, rap o metal. Mientras algunos asistentes bailaban frente a las tarimas, otros recorrían el bazar de emprendedores, observaban piezas de arte urbano o participaban en dinámicas culturales instaladas en distintos puntos del centro zapopano.
La Fiesta de la Música, iniciativa que se celebra en más de 120 países, busca democratizar el acceso a la cultura y recuperar el espacio público a través del arte sonoro. En Zapopan, el festival también integró actividades complementarias como expoventa de arte, brigadas culturales y talleres impulsados por el Instituto de las Juventudes.
Uno de los aspectos que marcó esta edición fue el enfoque en accesibilidad universal. El evento contó con intérpretes de Lengua de Señas Mexicana y adecuaciones para personas usuarias de silla de ruedas, con el objetivo de ampliar el acceso a las actividades y reforzar el carácter incluyente del encuentro.
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La banda colombiana Monsieur Periné anunció este miércoles su gira internacional ‘Instrucciones para ser feliz tour’, con la que ofrecerá 35 conciertos en nueve países de América y Europa para presentar en vivo su más reciente álbum.
La agrupación iniciará el tour el 27 de mayo en Buenos Aires y pasará por ciudades como Madrid, París, San Francisco, Nueva York, Ciudad de México y Caracas, en una serie de conciertos para promocionar el álbum ‘Instrucciones para ser feliz’.
El grupo, liderado por Catalina García y Santiago Prieto, aseguró que esta nueva gira representa una etapa “más íntima, luminosa y reflexiva”, en la que mantiene su mezcla característica de pop, jazz y ritmos latinoamericanos, según informó su equipo de prensa en un comunicado.
La etapa española de la gira comenzará el 1 de julio en A Coruña y continuará por Burgos, Madrid, Granada y O Grove, antes de pasar por París y regresar a España para conciertos en Cartagena y Huesca, donde cerrará su recorrido europeo.
Entre las fechas más destacadas del recorrido aparecen cuatro noches consecutivas en el auditorio SFJAZZ de San Francisco y un concierto en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México, donde se han presentado artistas como Ricky Martin, Fito Páez y Ana Torroja.
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La gira culminará con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá el 24 de octubre y otro en el Caracas Music Hall el 7 de noviembre.
Esta nueva gira llega después de ‘Bolero Apocalíptico Tour’, con el que Monsieur Periné recorrió entre 2023 y 2024 gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos, con conciertos en países como México, Chile, Perú y Ecuador, además de varias ciudades colombianas.
Con más de una década de trayectoria, Monsieur Periné ha alcanzado proyección internacional con temas como ‘Nuestra Canción’ y discos como ‘Bolero Apocalíptico’, ganador del Latin Grammy a Mejor Álbum Alternativo.
Además, la agrupación se ha presentado en escenarios y festivales como Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU.), el festival Lollapalooza (Chile) y el Rock in Rio (Brasil), y recientemente se convirtió en el primer grupo latinoamericano en grabar una sesión en vivo en el Museo de Historia Natural de Londres, donde interpretó una versión de ‘Jardín del Paraíso’.
Mira: Así cotiza el peso frente al dólar la mañana de este miércoles
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