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Escucha el soundtrack de Amores perros
Amores perros no sólo fue un largometraje que marcó época, sino que además tuvo una de las mejores bandas sonoras (soundtrack) de las últimas décadas.
El soundtrack fue un esfuerzo entre Lynn Fainchtein (supervisora musical) y Universal Music, que se resume en dos discos. El primero incluye canciones de Control Machete, Nacha Pop, Celia Cruz, Titán, Illya Kuryaki & The Valderramas, The Hollies, Los Del Garrote, Banda Espuela de Oro y Fiebre, además del score compuesto por Gustavo Santaolalla (quien estuvo a punto de decirle que no al filme). El segundo contiene producciones originales para la película, desarrollados por Control Machete, Café Tacvba, Ely Guerra, Zurdok, Fiebre, Dover, Illya Kuryaki & The Valderramas, Bersuit Vergarabat, Julieta Venegas, Banda Espuela de Oro y Moenia. Un compilado de artistas de México, Argentina, España, Cuba, Inglaterra y Chile que no tiene desperdicio.
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Si señor / Pesada / De Perros amores – Control Machete
Luego del éxito de “Mucho barato” (1996), Control Machete produjo su segundo disco Artillería Pesada Presenta… (1999), en el que se incluyen “Si señor” y “Pesada». En el caso de “Si Señor,” ésta alcanzó popularidad internacional, al utilizarse en el comercial “Levi’s Crazy Legs«, dirigido por Spike Jonze) que apareció durante el Super Bowl XXXVI.
Por el otro lado, con “De perros amores», Control Machete se convirtió en el grupo con más canciones dentro del soundtrack, lo que reafirma su popularidad a inicios del 2000. “De perros amores” fue escrita para el filme y en ella colaboraron Control Machete y Ely Guerra. Además, este tema está acompañado por un videoclip dirigido por Alejandro González Iñárritu.
Lucha de Gigantes – Nacha Pop
“Lucha de gigantes” se encuentra en el disco El momento (1987), que fue el último larga duración de estudio lanzado antes de que la banda española se separara en 1988.
“Lucha de gigantes” ha tenido varias interpretaciones, pero según lo que recogió el periódico El País de una entrevista de Antonio Vega para la revista Rolling Stone en 2006 (3 años antes de su muerte), la canción habla de: «Un recuerdo de la ubicación de las dimensiones del ser humano en un entorno cósmico, de la relatividad entre la grandeza del hombre y su pequeñez en un entorno grandioso e infinito. Es un juego de palabras que lleva un poco a pensar en el juego relativo entre infinitud y lejanía.» Unas palabras que coinciden con la pasión que Vega tenía por la física, el cosmos y las matemáticas.
La vida es un carnaval – Celia Cruz
“La vida es un carnaval”, de Celia Cruz se desprende del disco Mi vida es cantar (1998) y se ha convertido en una de las canciones más populares de la cantante cubana.
Además de Amores perros, “La vida es un carnaval” ha salido en Buenos vecinos (telenovela argentina 1999-2001), Antwone Fisher (2002) y recientemente Sky Rojo (2021).
Corazón – Titán
«Corazón» incluida en el Elevator (1999), uno de sus éxitos más importantes y el sencillo que lanzó a la fama a Titán.
Coolo / Stop, muerte – Illya Kuryaki & The Valderramas
“Coolo” fue el primer sencillo del quinto álbum Leche (1999) y uno de los principales éxitos para Illya Kuryaki & The Valderramas en esa época. “Coolo” tiene también un videoclip filmado en el Parque de la Ciudad (Buenos Aires, Argentina) y en el que se incluyen varios elementos relacionados con The Warriors.
“Stop, muerte” se compuso para la película y cuenta con un tono un poco más sombrío que contrasta lo que venían haciendo en materiales anteriores como Leche.
Long Cool Woman (In a Black Dress) – The Hollies
“Long Cool Woman (In a Black Dress)”, de The Hollies aparece en su disco Distant Light (1971). En Gran Bretaña tuvo un éxito modesto llegando hasta el lugar 32 de las listas de popularidad. Sin embargo, en los Estados Unidos fue todo un hit al alcanzar el lugar número dos en el Billboard Hot 100, para vender un total de 2 millones de copias (1.5 millones sólo en Estados Unidos).
También se le puede encontrar en el soundtrack de otras producciones como Air America (1990), Remember the Titans (2000), The Longest Yard (2005), The Lovely Bones (2009), Trouble with the Curve (2012), Teenage Mutant Ninja Turtles: Out of the Shadows (2016) y Kong: Skull Island (2017).
La cumbia del Garrote – Los del Garrote
Dame el poder / Que arañan las entrañas – Banda Espuela de Oro
La Banda Espuela de Oro le hizo un cover a “Gimme tha Power” (Dame el poder), de Molotov en versión Grupera, para este soundtrack. El grupo no era ajeno a realizar covers de rock ya que en “A manos llenas” (2000) el conjunto realizó otras reversiones como “Yo tomo” (Bersuit Vergarabat), “Todo me sale mal” (El Tri) y “Pachuco” (Maldita Vecindad).
“Que arañan las entrañas” fue compuesta para el filme y es un tema que está más en línea con sus covers de rock que con su música original.
Lucha de gigantes / Tienen el oído enjaulado – Fiebre
Los chilenos de Fiebre llegaron a México de la mano de Gustavo Santaolalla y su disquera Surco. A pesar de ello, su paso por México no fue muy exitoso, sin embargo, lograron colarse en Amores perros con el cover de “Lucha de gigantes” y “Tienen el oído enjaulado”.
Me van a matar – Julieta Venegas
Luego de participar en el soundtrack En el país de no pasa nada (2000) Julieta Venegas compuso «Me van a matar” para Amores perros. Una canción que guarda un lugar especial en el corazón de la artista: “Es la primera rola mía que sonó fuera de la Ciudad de México. Me acuerdo que, hace mil años, fui a Chiapas y la gente me decía ‘ah, tu cantas una de Amores perros’ y yo amaba que se conociera ese tema que en absoluto es para radio, porque tiene una estructura extraña”, recordó Julieta en entrevista para Excélsior.
Aviéntame / Dog:God – Café Tacvba
Para cuando salió “Aviéntame”, Café Tacvba ya contaba con cuatro discos de estudio (Café Tacvba (1992), Re (1994), Avalancha de éxitos (1996), Revés/Yo soy (1999)) y se perfilaba (si no es que ya era) como una de las bandas más importantes del rock mexicano. “Aviéntame” es una balada interpretada por Emmanuel “Meme” del Real, que incluye un excelente videoclip dirigido por Alejandro González Iñárritu.
Por su parte, “Dog:God” fue el segundo extracto que Café Tacvba creó para la película, haciendo una clara referencia a la temática de Amores perros a partir del nombre y la letra de la canción.
Una vez más – Zurdok
Posterior al éxito de “Hombre sintetizador” (1999), Zurdok escribiría “Una vez más” para Amores perros. Una rola que se basó exclusivamente en el nombre de la película, ya que los músicos decidieron grabarla sin ver el filme.
También se les encargó un cover de “Lucha de gigantes” que Chetes grabó, pero que luego sería interpretada por Fiebre.
Love is a Bitch – Dover
Después de sendos éxitos con “Devil Came to Me” (1997) y “Late at Night” (1999), la banda española Dover crea “Love is a Bitch” para el largometraje de Iñárritu. Una rola fiel al sonido de las hermanas Llanos y una de las pocas en inglés dentro de la banda sonora.
Perro amor explota – Bersuit Vergarabat
La canción escrita por La Bersuit curiosamente aparece en la banda sonora, pero no en la película. Además de estar incluido en Amores perros, «Perro amor explota” formó parte de De la cabeza con Bersuit Vergarabat (2002) un disco en vivo grabado durante los festejos del 10º aniversario del lanzamiento de su primer disco (Y punto (1992)).
Dime cuándo comenzó el dolor – Ely Guerra
Con esta canción Ely Guerra quiso abordar el tema del sufrimiento que está presente en gran parte de Amores perros, pero de una manera más sutil. “Desde que se ve la película o se lee el guion es pura sufridera. Entonces Cuándo comenzó el dolor la escribo para Amores Perros y lo que quería era abordar el tema como más intenso, pero quise suavizarlo en la producción, por eso hice un bossa nova con contraste, con esta cuestión de hablar del sufrimiento de cuando termina una relación, cuando no se sabe llevar por un lugar un poco más digeribles… y quise suavizarla”, comentó para Excélsior.
Lado animal – Moenia
Con el regreso de Alejandro Pichardo, Moenia grabó Adición+ (1999) el segundo disco de la banda que los llevaría a realizar presentaciones en Estados Unidos y Centroamérica, así como su primer show en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México en el año 2000.
Para Amores perros, Moenia compuso “Lado animal” un extracto de synthpop que al igual que otras canciones del soundtrack incluye ladridos de perros de fondo; así como la frase de Susana: “Si quieres hacer reír a Dios, cuéntale tus planes,” haciendo una clara referencia a la película.
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El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.
La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
La entrada Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato se publicó primero en Cine PREMIERE.
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