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¿Qué es pan and scan?

Cuando vemos una película, lo más normal es que no pensemos demasiado en el formato de la imagen. Sin embargo, lo más probable es que una persona común sea capaz de reconocer si una película que ve está en un formato diferente al que está acostumbrada.
El formato en el que se muestra una película afecta radicalmente la forma en la que se ve, especialmente si es diferente al formato en el que se filmó. Es por esto que los directores se preocupan mucho por esto y existen varios métodos para mostrar una película en un formato específico.
Aquí te explicamos qué es el pan and scan, y por qué sigue siendo importante el día de hoy.
El formato de la Academia de artes y ciencias cinematográficas

Durante los inicios del cine, las películas solían tener un aspect ratio (o relación de aspecto, o proporción de anchura y altura) de 4:3. Este era conocido como fullscreen (o pantalla completa), y también se puede escribir como 1.33:1. Lo que esto significa es que la anchura de la imagen es 1.33 veces mayor que su altura.
Este aspect ratio era el estándar para la mayoría de las películas clásicas, incluyendo títulos como Casablanca, dirigida por Michael Curtiz, y Citizen Kane, dirigida por Orson Welles.

La realidad es que ambas están filmadas en el llamado «Academy aspect ratio» de 1.37:1, pero es tan similar al de 4:3 que se pueden considerar como lo mismo.
Cuando se inventaron las primeras televisiones, estas estaban diseñadas para mostrar películas y programas con formato fullscreen. Muchos cineastas no estaban felices por el hecho de que ahora sus películas pudieran verse con prácticamente la misma calidad en un televisor que en la pantalla grande, por lo cual comenzaron a innovar.
Los vibrantes años 60 y el nacimiento del widescreen

Al acercarse el inicio de una nueva década hubo revoluciones de todo tipo, tanto sociales, como políticas y tecnológicas. Claramente, la industria del cine no se iba a quedar atrás, y surgieron nuevos formatos para filmar películas como el famoso CinemaScope.
CinemaScope se caracterizaba por tener un aspect ratio de 2.35:1, lo cual significaba que tenía una anchura considerablemente mayor al fullscreen. Esto le permitía a los cineastas capturar paisajes mucho más extensos, y por ende incluir más elementos en sus tomas.

Así fue como nació el widescreen, un término que seguramente la mayoría de las personas han escuchado más de una vez en sus vidas. Este se refiere a cualquier formato que tenga un aspect ratio mayor a 1.37:1.
Aunque esto presentaba una gran ventaja para los cineastas, no todos estaban felices por su existencia. Hay que recordar que las pantallas de televisión estaban diseñadas para mostrar películas fullscreen, por lo cual no era posible ver una con formato widescreen.
Y como la mayoría de las invenciones, el pan and scan se ideó para ser la solución a un problema.
Letterboxing o pan and scan: un dilema controversial

Para proyectar las películas con formato widescreen en una pantalla diseñada para películas con formato fullscreen, se podía elegir entre dos métodos diferentes.
Uno de ellos es conocido como letterboxing. Este método consiste en colocar dos barras negras en la película, una por encima y otra por debajo de la imagen. Quizás no es lo más visualmente agradable, pero funciona para conservar el aspect ratio original.

El otro método es el de pan and scan. Sin embargo, utilizarlo implica eliminar ciertas partes de la imagen de una película, siempre de forma horizontal. Dependiendo del editor, se puede eliminar hasta el 50% de la imagen original.
Durante el proceso de pan and scan, el editor debe seleccionar qué partes de la imagen deben mantenerse, y cuáles se pueden desechar. Las imágenes seleccionadas entonces se escanean, y de ahí viene la parte de scan.
En cuanto a la parte de pan, a veces el editor debe hacer un paneo (que es un movimiento horizontal de la cámara) para capturar diferentes secciones de la imagen cuando una escena o secuencia lo amerita.
Una solución que no está exenta de sus propios problemas

Si el pan and scan no suena como un método perfecto, es porque definitivamente no lo es. De hecho, muchos directores están completamente en contra de utilizarlo.
Esto es porque literalmente reimaginan su visión original, y quitan elementos que se seleccionaron cuidadosamente por todos los involucrados en crear la película original.
Por ejemplo, un problema recurrente se daba cuando había escenas que mostraban conversaciones entre dos personajes. Muchas veces no cabían ambos actores en el aspect ratio de 4:3, por lo que sólo se mostraba a uno en pantalla mientras que sólo se podía escuchar la voz del otro.

Esto es algo que ocurrió en Indiana Jones y los cazadores del arca perdida de Steven Spielberg, y de forma entendible, el director estaba furioso.
Para muchos, puede sonar lógico que el letterboxing sea la mejor opción. Sin embargo, las personas estaban acostumbradas a que la imagen de una película llenara todas sus pantallas, y no estaban dispuestos a tener que ver barras negras por encima y por debajo de ella.
Además, también existía confusión entre varios espectadores que pensaban que las barras negras cubrían partes de la imagen original, aunque se trataba de todo lo contrario.
El formato moderno y la desaparición del pan and scan

Con el paso de los años, las televisiones se diseñaron para que su aspect ratio estándar fuera de 16:9, lo que significa que estaban hechas para mostrar películas con formato widescreen. Esto provocó que surgiera el problema opuesto, que era ajustar lo fullscreen a lo widescreen.
La invención de los DVD permitió que los espectadores casi siempre pudieran escoger el aspect ratio en el que podían ver una película, y esto es algo que muchos servicios de streaming han replicado.
Pueden elegir ajustar el formato fullscreen para que llene sus pantallas widescreen, o también pueden elegir verla en fullscreen con dos barras negras a cada lado (un método conocido como pillarboxing). Esta es una gran ventaja de las pantallas con un aspect ratio de 16:9, ya que pueden acomodarse para mostrar la mayoría de los formatos que existen.

Hoy es casi inaudito que una película se filme en fullscreen, y el pan and scan es prácticamente obsoleto. Sin embargo, todavía existen algunos directores que eligen filmar sus películas con un aspect ratio de 4:3 como una decisión meramente artística.
Algunos ejemplos son Robert Eggers (El faro), Xavier Dolan (Laurence Anyways), Andrea Arnold (American Honey), y Wes Anderson (El gran hotel Budapest).
Sin embargo, en el caso de El gran hotel Budapest, Anderson eligió utilizar tres formatos diferentes para reflejar las diferentes décadas en las que se desarrolla la historia.
Se puede decir que esta es la gran ventaja de la modernidad, ya que los cineastas no están obligados a comprometerse con un solo aspect ratio, sino que pueden experimentar con cada uno de ellos.
La entrada ¿Qué es pan and scan? se publicó primero en Cine PREMIERE.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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