Cine y Tv
La llorona: Una entrevista fantasma con Jayro Bustamante
La llorona es una película en la que el cineasta guatemalteco Jayro Bustamante apuesta por el cine de género para hacer una reflexión sociopolítica ambientada en la época actual. La historia sigue a un general retirado, enfermo, que es llevado a juicio por genocidio. Aunque es declarado culpable, el proceso se anula, por lo que unos manifestantes se atrincheran afuera de su casa, mientras el general y su familia se encierran en su residencia.
El siguiente texto es producto de una plática virtual con Jayro Bustamante, quien llevó a la pantalla grande la leyenda mexicana en un contexto actual con alcances universales. Jayro es director de Ixcanul (ganadora del Oso de Plata en Berlín 2015) y del drama LGBT Temblores. Las palabras siguientes son suyas. Léanse preferentemente con “La Llorona de los cafetales” de fondo, esa excelsa versión interpretada por Gaby Moreno y hecha especialmente para esta película. Este tecleador ha decidido convertirse en un fantasma, tal y como ocurre con los manifestantes en el filme, que al fin se estrena en la cartelera comercial mexicana.
«La llorona hace parte de un tríptico fílmico, en el que quería hablar de los tres insultos más fuertes de Guatemala, que son ‘indio’, que se refiere a más del 70 por ciento de la población guatemalteca, o sea es una autodiscriminación; ‘hueco’, que es la palabra que se utiliza para los homosexuales hombres y que más allá de demostrar que es una sociedad homofóbica es una muestra de lo machistas que somos, y ‘comunista’, término que se implantó en los 50 para referirse a todos los enemigos del Estado. Hoy los enemigos ya no son los de ideología comunista, sino los defensores de los derechos humanos o los progresistas o todos los que quieren hacer cambios sociales. Ese era el gran concepto por el que yo quería iniciar».
«Y luego, en mi país no se respetan los derechos humanos y eso es lo normal, que un genocidio pasa, lamentable pero se puede esperar. Acababa de pasar el juicio por genocidio contra Ríos Mont. Lo condenaron y lo disculparon diez días después, y luego murió impune. Surgió esta idea entonces de que no se murió, sino que se lo llevó La Llorona. Trabajamos bajo el concepto de que Guatemala es una Madre Tierra cansada de ver a sus hijos desaparecidos y la Llorona caía como anillo al dedo. En ese momento pasó a ser el elemento principal de la historia. Nos dimos cuenta de que nos servía para otro montón de cosas: para establecer o revisitar una leyenda, quitarle todo el lado misógino de una mujer que llora por un hombre para hacer que llorara por algo trascendental. E hicimos que todas las mujeres de la película se convirtieran en lloronas bajo esta gana de hacerle honor a todas las mujeres que siguen después de este tipo de desgracias buscando justicia y buscando a sus desaparecidos. Con todos esos elementos se fue generando el concepto de la película».
“Tuvimos muchísimas influencias, pero digamos que en algún momento nos alejamos del cine. Seguramente The Shining fue una de las primeras, y The Witch. Queríamos utilizar como ese nuevo género de horror: el encierro, pero también el miedo iluminado. No partir de una película de horror en la que es de noche todo el tiempo, sino una película de horror que fuese de día y que el horror también pudiese pasar por la luz. Después nos fuimos hacia las sombras, mucho hacia la pintura española oscura. Nos gustaba mucho buscar esos cuadros, hablando un poco de esta herencia. Igual todas nuestras guerras en América Latina, y todo lo que estamos viviendo hoy, nuestros problemas, están muy ligados a lo que nos pasó en la Conquista. No hemos logrado superar eso. A mí me gusta pensar que si bien nuestros pueblos mesoamericanos tampoco eran los más pacíficos, cuando te das cuenta que los españoles llegaron a Mesoamérica y casi que el 90% de la población se enfermó y murió durante los primeros cincuenta años, quiere decir que todo lo que se construyó de aquí para allá es herencia española y eso es lo que estamos perpetuando».
“A mí me pareció una cosa muy loca cuando sucedió el verdadero acto de disculpar al genocida. Y es que Guatemala no hizo nada, nadie fue a protestar, nadie se levantó en contra de eso. El grupo de defensores de los derechos humanos claro que sí, pero somos una minoría y entonces yo empecé a decirme que los únicos que seguramente se fueron a manifestar a la casa del dictador fueron las almas de las víctimas. Y entonces de ahí nació esta idea de hacer que los manifestantes, en su arco dramático, se estén convirtiendo después en estas almas, que no se supiera si eran manifestantes o no».
“La idea era hacer una cámara que volara como un fantasma. Igual María Mercedes [Coroy, quien interpreta a Alma] y todos los trabajadores de esa casa están tratados como si fuesen fantasmas. Así como les gusta a nuestra sociedad de oligarcas tratar a los empleados domésticos, porque quieren que sean transparentes y que no existan pero que hagan las cosas de la casa. Entonces la idea era que la cámara flotara un poco, pero sin darle este movimiento tan intencional, entonces trabajamos casi todo con dollys y con grúas para darle un movimiento fluido y nos gustó mucho la idea de hacer corredores, de meternos en muchas habitaciones y hacer realmente que ese espíritu se metiera en lo más íntimo de la casa de estos personajes».
“Todo el diseño sonoro del ruido de los manifestantes, el afuera, tenía que ser un personaje aparte. Empezamos todo con un artista que hizo una instalación en un lago con bambús con muchos agujeritos. Los bambús creaban una especie de llanto. Este llanto nos gustaba mucho para crear el de la Llorona en el exterior y lo llevamos a las manifestaciones. En las manifestaciones yo no quería tener extras. Yo creo que las manifestaciones en cine son dificilísimas. Lo que hicimos fue llamar a los grupos de familiares que siguen luchando por la justicia, que siguen buscando a sus desaparecidos y teníamos 500 personas que están implicadas en el movimiento, que son las que vinieron a hacer de extras. Entonces, sus cantos y su presencia para mí eran super necesarios, porque necesitaba que le dieran realidad a lo que estaba pasando. Entonces, esa mezcla de música de horror, más las manifestaciones políticas, más esos detalles de los bambús y de la chirimía y de todos los instrumentos precolombinos fueron los que lograron darle esta magia. Incluso la canción de “La llorona” al final la reescribimos con Gaby Moreno, la letra y la música la reescribimos con Andrea Bravo y logramos hacer que toda la instrumentalización fuese con instrumentos precolombinos».
“Yo vengo trabajando con María Mercedes desde 2014, cuando filmamos Ixcanul y la descubrí en una comunidad maya del volcán de agua. Yo normalmente cuando trabajo en Guatemala no es que haya actores, porque la industria es muy chica. Cuando empiezo una película formo una academia de actuación y formo a los actores. Y así encontré a María Mercedes. Y luego llegó ese momento en el que decíamos: esta gente se convirtió en profesional y no me gustaría que fuera un one shot actor sino queríamos seguirlos. Entonces nos volvimos agentes de los actores que nosotros formamos. Y luego, bajo la premisa de alejarme del machismo de nuestra sociedad, empecé a analizar a los monstruos, la manera en que la Llorona era presentada, te das cuenta de que el Conde Drácula siempre es presentado con mucha elegancia y la Llorona siempre es presentada como un monstruo sucio. Entonces, la idea era volver a la Llorona mesoamericana y hacer de ella una princesa maya. Y María Mercedes queda perfecta para el rol”.
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Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
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Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
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Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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