Cine y Tv
Cine fuera de la CDMX: Cine comunitario y ¡First Cow en pantalla grande!

Entre nuevos espacios, clásicos consolidados y modernos, la cartelera alternativa de los últimos días de julio 2021 tiene mucho que ofrecer para la cinefilia mexicana. No sólo en opciones de películas (varias de ellas, recurrentemente mencionadas en listados de lo mejor del año), sino también por la diversidad de regiones, estilos, experiencias y actividades que complementan la visualización de ciertas películas, ya sea en línea o en salas.
Con opciones para todo tipo de púbicos, he aquí cintas que juegan con las convenciones de sus géneros (el western y el horror) para crear algo insólito; la permanencia de proyectos cinematográficos que hemos estado cubriendo en esta sección, otros que se lanzan al ruedo por primera vez para traer perspectivas frescas, y algunos más que ya tras varios años activos, siguen reinventándose y atrayendo nuevas audiencias.
¿QUÉ VER?
MODO PRESENCIAL.
First Cow
En Salón Gallos (Mérida)
Salón Gallos es un proyecto joven, pero que ya se ha hecho de un público fiel gracias a su concepto. Es un espacio multidisciplinario con sala de cine, restaurante, galería de arte y bar, en el centro de Mérida. Además de recibir eventos escénicos (como shows de comedia en vivo), su sala de cine cuenta con una cartelera que lo mismo vuelve a darle foco a valiosos reestrenos (como los documentales The Devil and Daniel Johnston o Dior y yo) como presenta varias de las películas recientes más destacados del circuito alternativo, como Lux Aeterna (Gaspar Noé), Retrato de una madre imperfecta (Charter; Amanda Kernell) o La verdadera historia de la banda Kelly (Justin Kurzel).
Entre este último grupo, el estreno de First Cow (Kelly Reichardt) figura como joya de la corona en su programación. Es la historia de dos hombres en el siglo XIX que, tras hacerse amigos en el bosque de Oregon, ingenian un plan para subsistir robando la leche de la primera vaca de la región, traída por un terrateniente. Un paciente western lleno de melancolía; tierno retrato de la amistad al tiempo que reflexiona la relación entre el pasado y el presente de Estados Unidos a través de los vínculos emocionales que no figuran en la Historia oficial. Película en apariencia sencilla pero llena de detalles y capas que son una delicia descubrir.
Se exhibe en Salón Gallos del 25 de julio al 1° de agosto. Consulta sus redes sociales y anticipa tu asistencia, pues por disposición oficial en aquel estado para preservar las medidas sanitarias, sólo se puede ingresar con reservación, que puede realizarse en su sitio web.
Además, First Cow también se exhibe en el Kinoki San Cristobal (Oaxaca) hasta el 25 de julio.

La llorona
El 29 de julio se estrena La llorona, galardonada cinta de Jayro Bustamante que mezcla elementos del terror para contar la historia de un exdictador (inspirado en Efraín Ríos Montt), a partir de que la familia del general y Alma, una nueva trabajadora doméstica, se recluyen en una casa tras haber sido juzgado por su responsabilidad en el genocidio de pueblos originarios. En el encierro, el legado de muertos y desaparecidos que arrastran empieza a manifestarse en forma de culpa y elementos aparentemente sobrenaturales.
Este filme guatemalteco encuentra en la leyenda de la llorona un conducto para mostrar las heridas históricas dejadas por las dictaduras en Latinoamérica, a través de una atmósfera inquebrantable de tensión y una técnica cinematográfica deslumbrante. Entre la tendencia internacional por usar el cine de horror como una alegoría política (como en His house, La bruja o Get out), La llorona destaca por su discreción al construir el miedo y su crítica contundente, que no disculpa ni da concesiones a los perpetradores de esa violencia.
Podrá verse en salas de varios estados del país. Puedes consultar las redes de la distribuidora Cine Caníbal, para conocer detalles de funciones y próximas sedes.

Ciclo Segundas Vueltas
Morelos, Chiapas, Michoacán y Estado de México
La balada del Oppenheimer Park (Juan Manuel Sepúlveda) formará parte de Segundas Vueltas durante los próximos días (20 – 29 de julio) en las pantallas del Kinoki San Cristobal (Chiapas), Cineteca Mexiquense (Edo. Mex.) Jeudi 27 (Michoacán) y el Cineclub Tlacopan del Centro Cultural Ocotepec (Morelos), donde el 27 de julio también se exhibirá Lupe bajo el sol, de Rodrigo Reyes.
Otros espacios de Morelos recibirán también el reestreno de Muchachas (Juliana Franjul) en Cineclub Las Escaleras y el Centro Cultural Huitzil Azul, el 21 y 26 de julio ,respectivamente. Consulta la cartelera en las redes de cada espacio, o bien, en este enlace.
Cosas que no hacemos
Estado de México, Guadalajara y Nuevo León
Este documental, del que hablamos hace unos días, aún puede encontrarse en Guadalajara a través de las pantallas de la Cineteca FICG, la Sala Cineforo y el Museo Cabañas, así como en la Cineteca de Nuevo León y en el Film Club Café (Estado de México). Consulta la cartelera en cada espacio y en las redes de Pimienta Films para las próximas funciones en otros espacios y estados.
La paloma y el lobo
Morelos, Puebla y Chihuahua
Esta historia sobre el amor en contextos convulsos llega a nuevos espacios en un esfuerzo conjunto con CEDECINE. Durante las últimas semanas de julio, podrá verse en varios espacios de la Red de foros independientes Alucinemas (Chihuahua), en MUSA – Cultura Visual (Puebla) y en Morelos gracias al Cineclub Classic Cinema. Consulta las redes de cada espacio, así como las de CEDECINE[8], para conocer los detalles.

CINE A DISTANCIA
Mensaje interrumpido
En el Sexto Aniversario de FilminLatino
FilminLatino, una de las plataformas de las que más hablamos en esta sección gracias al apoyo que ofrecen a festivales y muestras mexicanas para llevar a cabo sus ediciones en línea, cumple seis años promoviendo el cine nacional e internacional. Como parte los festejos, ofrecerán un amplio menú de largos y cortometrajes que hasta el 15 de agosto podremos ver totalmente gratis en su sitio.
Se dividirán entre varias secciones, como funciones por tiempo limitado (con películas como Las flores de la noche, Dibujos contra las balas, Ricochet y varios más), estrenos del CCC (entre los que destacan Videotape, No pases por San Bernardino y dos largometrajes documentales de Eva Villaseñor), una selección sobre Patrimonio y Diversidad Cultural (con Canciones de amor y desprecio, Senderos amarillos y más) y una más con funciones especiales todo el mes, como Los últimos recuerdos de Abril, El pueblo del atardecer carmesí, Estaciones y más.
De esta última selección, vale la pena destacar el largometraje documental Mensaje interrumpido, dirigido por Jaime Fraire Quiroz. Esta cinta sigue a cuatro periodistas que se ven amenazados y amenazadas por la corrupción gubernamental y el crimen organizado en Puebla, Tamaulipas, Oaxaca y Coahuila. La película reconstruye casos específicos que reflejan el riesgo que corren las personas que se dedican al periodismo en México, al tiempo que explora el impacto que cada protagonista recibió en su vida familiar y personal al realizar diversas investigaciones.
Puedes encontrar Mensaje interrumpido y el resto de los títulos (a excepción de las funciones por tiempo limitado, que siguen un calendario específico) hasta el 15 de agosto en FilminLatino. Consulta sus redes para más detalles.

Zazie en el metro
En IFcinéma a la carta
El Instituto Francés comparte cada mes una selección de cintas francófonas con subtítulos en varios idiomas, entre ellos el español. Hasta el 10 de agosto, podremos ver cuatro clásicos que forman parte del patrimonio de Francia: El silencio del mar, de Jean-Pierre Melville; El asesino vive en el 21, de Henri-George Clouzot (un cineasta que ha sido comparado con Hitchcock por su maestría en el suspenso), y la nigeriana Cabascabo, de Oumarou Ganda.
El otro título, en el que haremos especial énfasis, es la imperdible Zazie en el metro, de Louis Malle, una alegre cinta de 1960 sobre una niña de diez años que es enviada por unos días a París. Ahí, la mayor ilusión de Zazie es conocer el metro, pero éste se encuentra cerrado por una huelga, así que escapa de casa de su tío para tener aventuras por la ciudad. Basada en el clásico libro infantil del mismo nombre, la película es una explosión visual que juega con el lenguaje del cine para una serie de gags brillantes, casi con el estilo absurdo de un dibujo animado, como los Looney Tunes clásicos y la energía experimental de la nueva ola francesa.
Se encuentra disponible sin costo en este sitio, junto a los otros títulos del ciclo.

Ausencias y Tempestad
En el ciclo Rastros y luces
Ya en ediciones pasadas hablamos de este ciclo de Ambulante, llamado Rastros y luces: historias contra la desaparición, donde podrán verse en línea documentales y conversatorios sobre la desaparición forzada en México.
Hasta el 31 de julio, podrán verse sin costo dos de las mejores películas que se han hecho sobre ese doloroso tema: Tempestad y el cortometraje Ausencias, ambas de la directora Tatiana Huezo (recién reconocida en Cannes por su primera ficción, Noche de fuego). En ellas, elabora imágenes respetuosas y poéticas a partir de los testimonios de tres mujeres que han vivido en carne propia la desaparición forzada de sus seres queridos, la violencia del narcotráfico y la impunidad gubernamental.
Se trata de películas imprescindibles, no sólo por el valor que tienen para la memoria histórica reciente, sino por su impecable tratamiento cinematográfico. Pueden verse en Cinépolis Klic: Aquí encontrarás Tempestad y por acá, Ausencias.

EXPERIENCIAS
ELIPSIS
Hidalgo
El Encuentro Internacional de Artes y Ciencias Cinematográficas, ELIPSIS, nace en Hidalgo con la intención de detonar la vinculación de distintas perspectivas prácticas y académicas del cine para formar nuevos públicos y cineastas, a través de mesas de trabajo, ponencias, un concurso de guion, talleres y una muestra de cine internacional. Este año, su primera edición se llevará a cabo en plataformas digitales, con actividades formativas del 29 al 31 de julio y una selección de más de cien películas a través de FilminLatino que estarán disponibles del 29 de julio al 14 de agosto.
Por otro lado, entre las actividades que enmarcará ELIPSIS, resulta imprescindible recomendar la ponencia de la cineasta Dalia Reyes (directora de Baño de vida) sobre la relación entre la dirección y la investigación en el cine documental, el taller de creación de carpetas de producción que ofrecerá el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), la ponencia “Cuerpo cinematográfico y género” de la investigadora y artista audiovisual Adriana Durán Guerrero y la charla que la COMEFILM (Comisión Mexicana de Filmaciones) ofrecerá para dar a conocer los apoyos que otorga en todo el país, entre muchas otras actividades que contarán con destacados invitados e invitadas.
ELIPSIS es una propuesta imperdible si estás en camino para formarte como cineasta o especialista en el estudio del cine, así como para enriquecer nuestra mirada como público del cine que vemos. Todas las actividades serán gratuitas y se podrán visualizar a través de Facebook Live, o bien, directamente en Zoom para estar en contacto con las y los ponentes/talleristas durante su charla y poder participar con preguntas e interactuar (también sin costo, pero con cupo limitado, por lo que hay que solicitar el enlace a la actividad de tu interés a través de sencillos formularios que se publicarán en las redes de ELIPSIS). Puedes consultar el programa completo de actividades y las películas de su selección oficial en las redes de ELIPSIS y en su sitio web.

Aricadoc Comunidad
Chile
En un tenor similar, Aricadoc Comunidad es un espacio virtual chileno que combinará una muestra de cine internacional con charlas, mesas redondas y un seminario, todo para reflexionar el papel colaborativo y comunitario del cine latinoamericano.
Del 23 al 30 de julio habrá diálogos en vivo en donde cada uno de los cinco colectivos cinematográficos invitados compartirá sus experiencias exhibiendo y creando cine en comunidades rurales y urbanas de Latinoamérica. Estos son Grupo Chaski (Perú), La sandía digital (México), Cine en movimiento (Argentina), FECISO – Festival de Cine Social y Antisocial (Chile) e Inventar con la diferencia (Brasil), mismos que también conforman una muestra de cine con más de 20 películas en línea, cuyo acceso se extenderá hasta el 1° de agosto.
Se trata de una gran oportunidad para conocer otras formas de concebir el cine como un acto comunitario, así como de un espacio que seguramente inspirará otros proyectos de realización y exhibición de cine. Las películas podrán verse en su web y las actividades formativas se transmitirán a través de Youtube y Facebook. Puedes consultar la muestra y el calendario completo de todas las actividades a través de este enlace. Aricadoc Comunidad no tiene costo.

CONVOCATORIAS
V° Dulcísimo Ovario
Hidalgo
La convocatoria para ser parte de la quinta edición de Dulcísimo Ovario, Festival de Video y Cine Femenino, está por concluir el próximo 16 de agosto. Este festival se especializa en obras audiovisuales realizadas por mujeres de nacionalidad mexicana y además de las clásicas categorías de corto y largometrajes, pueden participar obras de videodanza, videoarte, videoinstalación, videoperformance y experimentación, además de cineminutos de directoras universitarias y/o recién egresadas.
Se conformará una selección oficial de cine y otra de video, que competirán por premios de sus patrocinadores y se exhibirán de forma presencial en Pachuca en el mes de septiembre, además de poder formar parte de una Muestra posterior en distintas sedes. Puedes leer la convocatoria a detalle e inscribir tu obra aquí; además, te recomendamos seguir sus redes.

14° Festival de cine documental mexicano ZANATE
Colima
El 20 de agosto es el último día para ser parte de la próxima edición de ZANATE, que se llevará a cabo de manera presencial en Colima del 21 al 27 de noviembre. Un espacio que se ha consolidado a través de los años como una excelente ventana para el cine documental.
Pueden participar exclusivamente documentales mexicanos para ser considerados en cuatro categorías competitivas: Gran premio Zanate (para largometrajes), Premio Zanate corto/mediometraje (para documentales ue duren 52 minutos o menos), Premio Zanate Colima (producciones locales) y Premio Zanate Universitario, para cintas de no-ficción realizadas por estudiantes.
La inscripción es gratuita y, en el caso de las últimas dos categorías es necesario comprobar que el o la directora es colimense o estudiante. Puedes leer la convocatoria e inscribir tu documental por este medio. Consulta sus redes sociales para saber más.
Todas las actividades y convocatorias están sujetas a cambios por parte de sus organizadoras.
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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Cine y Tv
Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Cine y Tv
Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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