Cine y Tv
La productora mexicana Piano competirá con tres películas en Cannes
El próximo mes de julio, durante la 74 edición del Festival de Cine de Cannes, una productora mexicana participará por primera vez con tres películas seleccionadas en la competencia oficial del certamen más prestigioso del mundo. Se trata de Piano, compañía fundada en 2011 por Sebastián Hoffman y Julio Chavezmontes, quien expresa en entrevista su orgullo. «Creo que es el resultado de un trabajo muy arduo, pero no solo mío. Yo soy el que está hablando aquí ahorita, pero en realidad es un logro colectivo. A mí me enorgullece especialmente toda la gente de nuestro lado, que trabajó en las películas, el talento mexicano que participó en ellas y que puedan lucir sus habilidades ahora en el festival, o en los festivales más famosos del mundo. Me enorgullece especialmente por ellos”.
Las películas en cuestión, coproducidas por la compañía, competirán en el festival por la Palma de Oro. Estas son Memoria, del tailandés Apichatpong Weerasethakul (ganador de la Palma de Oro en 2010 por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past); Annette, del francés Léos Carax (por cierto, programada como función de apertura), y Bergman Island, de la francesa Mia Hansen-Løve (ganadora del premio del jurado de la sección Un Certain Regard de Cannes en 2009 por Le père de mes enfants).
“Son películas que no corresponden a la idea de una identidad nacional porque no te diría yo que una es una película tailandesa o francesa sino son realmente un esfuerzo colectivo. Uso a Memoria de ejemplo: es una película de un director tailandés filmada en Colombia, hablada en español y en inglés, protagonizada por una actriz escocesa, que es Tilda Swinton, con un actor mexicano, que es Daniel Giménez Cacho, una actriz francesa, que es Jeanne Balibar, y un equipo de producción que es mexicano, colombiano, tailandés, francés. Y si bien es una producción mayoritariamente mexicana y colombiana, es también una coproducción con varios países, como Inglaterra, Alemania, Francia, Qatar, Malasia, China, Estados Unidos».
De acuerdo con el productor mexicano, aunque Memoria no se adscribe a ninguna nacionalidad, explora tópicos relevantes para América Latina. «En general hace lo que tiene que hacer el arte: darnos un espejo que nos acerque a la realidad, que nos devuelva a lo esencial».
En Annette y de Bergman Island, por su parte, también se deja ver la colaboración multicultural. «Annette es una película cuya trama transcurre mayoritariamente en Los Ángeles, pero es una película de un director francés filmada en México, Bélgica, Alemania, minoritariamente en Estados Unidos, con un equipo de producción de los cuatro países y es una coproducción que también involucra a Japón y otros países, como India, que no se rigen por lo que esperaríamos. No podrías calificar que es una película francesa mexicana, sino ambas cosas”.
Asimismo, Chavezmontes afirma que lo que ha contribuido a la producción de estas películas, filmadas antes de la pandemia, ha sido la existencia de políticas públicas que han incentivado la coproducción, junto con la necesidad de seguir haciendo películas independientes. «Eso lleva a estas vinculaciones y al centro de todo están los festivales. Las plataformas son, creo, otra cosa porque finalmente, más bien, lo que buscan es producir desde lo más local. Y no hay nada malo ni reprobable en eso, me parece perfectamente legítimo y grandes películas salen así. Ellos más bien tienen otra filosofía y creo que ambas cosas conviven muy bien dentro de un ecosistema. Lo importante es que sea un ecosistema, es decir, que no se dé todo ni de un lado ni del otro”.
Los caminos de la producción
En términos de producción, dice Julio, hay dos tipos de cine. Por un lado, el que se produce en el contexto de un estudio y, por otro, el que se hace de forma independiente. “Uno puede producir de forma independiente películas con un público amplio. Finalmente, las películas comerciales mexicanas, Nosotros los nobles o No se aceptan devoluciones, son independientes porque no tienen detrás la infraestructura de un estudio, mientras hay películas que son autorales, como las de Wes Anderson o Greta Gerwig, que tienen detrás la infraestructura de un estudio y el respaldo que eso implica a nivel no solo de recursos al momento de la producción sino también en el momento de la promoción. Un estudio tiene una infraestructura que le permite dar a conocer la existencia de una película a un público muy amplio antes de que se filme el primer fotograma. Lo importante es que ambas opciones existan”.
Memoria versa sobre una mujer que visita a su hermana en Colombia y pronto los sonidos activan su memoria y el miedo colectivo; Annette, es un musical sobre una pareja de artistas (Marion Cotillard y Adam Driver) que tienen una hija con un don que les voltea la vida, y Bergman Island, sigue a una pareja de cineastas que pasa el verano escribiendo guiones en la isla que inspiró a Ingmar Bergman. Las tres cintas tienen la característica que desde el guion sorprendieron a Julio. “Además, podía sentir en ellas un deseo auténtico de buscar nuevas formas en el cine, nuevas formas de contar y expresar y tomar ese riesgo, porque al final hacer eso implica un riesgo enorme. Hemos tenido la fortuna de que muchas de esas películas arriesgadas que hemos hecho han funcionado. Justamente, lo principal es hacer cosas que puedan romper esquemas, y eso a veces puede salir mal. En este caso no es así afortunadamente. Creo que las tres películas logran lo que se proponen y la verdad me emociona mucho compartirlas”.
En el caso de Memoria, de Apichatpong Weerasethakul, Julio buscó al cineasta para hacer el proyecto. Annette y Bergman Island provienen de su colaboración con su socio y coproductor francés Charles Gillibert, con quien ya había hecho antes La daga en el corazón, estrenada en competencia en Cannes 2018. “Desde entonces hicimos muy buena sintonía y es justo de las personas con las que, de ambos lados, siempre buscamos cosas que hacer. Y próximamente también vamos a hacer dos películas junto con Charles y estamos bastante emocionados”.
En cuanto a los próximos proyectos de Piano, Julio dice que están trabajando en Triangle of Sadness, la nueva película del sueco Ruben Östlund, el director de The Square (2017), y en Chocobar, de la argentina Lucrecia Martel. “Esto es de lo que podemos hablar ahorita, pero la verdad es que hay muchas cosas más y nos emociona mucho poderlas anunciar pronto”.
En cuanto a sus expectativas con respecto a las tres producciones que compiten en Cannes, dice no tener ninguna. “Lo único que tengo es el deseo de que ya las conozca el público, porque eso es para lo que hacemos cine, para que llegue al público. Ya lo que venga después está fuera de nuestras manos. Lo que importa es la experiencia de hacer las películas y compartirlas. Ya si conllevan cualquier tipo de premio, reconocimiento posterior, pues es lo de menos”.
Por ahora no hay tampoco previsiones de las corridas comerciales en México. “Seguro saldrán, pero ahorita el enfoque es Cannes y ya después del festival ya se podrá dar a conocer más sobre los planes de salida de las películas en México”.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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