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La historia de los subtítulos: superar la barrera de una pulgada de altura
La historia de los subtítulos es importante porque, probablemente, es la mayor muestra de unidad en el mundo del séptimo arte. Si se analiza a fondo, se trata de una lucha masiva por la inclusión, que no sólo favoreció a ciertos grupos, sino a gran parte de la población que busca poder disfrutar del entretenimiento sin condición alguna.
Destaca la forma en que múltiples personas se esforzaron para probar que las diferencias de idioma no deben ser vistas, bajo ninguna circunstancia, como una limitación, sino como una oportunidad de aprendizaje: desde elegantes trazos en cartón hasta intérpretes en vivo, pasando por codificación digital. Todo con el objetivo de vivir al máximo cada escena.
Sin más, los invitamos a adentrarse en la historia de los subtítulos.
¿Qué dices?
Desde tiempos del cine mudo ya existía curiosidad por descubrir lo que decían los personajes de las películas que se veían dentro de la sala. Fue así como se crearon los intertítulos, que son las “tarjetillas” con texto que indicaban las acciones o los diálogos de los personajes. Casi desde que se comprobó la viabilidad de la técnica, múltiples producciones la utilizaron para darle dinamismo a los relatos en pantalla, e incluso se contrataban artistas para diseñar los conjuntos de letras que irrumpían en la narrativa.
Quienes inmediatamente comenzaron a sacarle provecho a la inserción de texto dentro de los fotogramas fueron Thomas Edison y los hermanos Lumière. Sin embargo, otros inventores y cineastas comenzaron a experimentar. Uno de ellos fue Georges Méliès, quien, con la ayuda del inventor británico Robert W. Paul, creó en 1896 una variación del kinetoscopio llamada “Cinematograph Camera No. 1” (vía The Artifice).
Lo interesante de este aparato es que incorporaba un mecanismo que permitía llevar a cabo una maniobra que Paul había descubierto por accidente, denominada “doble exposición”, misma que consiste en no pasar el carrete que ya está utilizado y filmar una nueva toma sobre la secuencia ya existente. Hoy, esto se conoce comúnmente como superposición.
Este descubrimiento no sería usado a máxima capacidad sino hasta 1901, en la película Scrooge, or, Marley’s Ghost y en 1903, con Alicia en el país de las maravillas. Ese mismo año se estrenaría La cabaña del tío Tom, de Edwin S. Porter. Por alguna extraña razón, esta última es acreditada en numerosos sitios web como la primera cinta con intertítulos o tarjetas, lo cual claramente no puede ser posible a menos que… todas las películas que ya los habían utilizado dejaran de existir de repente.
En 1907 surgió la cinta College Chums, también de Porter, en la cual una pareja aparece hablando por teléfono. Esta es una obra recordada por muchos, pues muestra fotografías de los protagonistas en ambos extremos de la toma, mientras su conversación flota en el aire de un lado al otro, efecto que se considera precursor de aquellas líneas formadas por símbolos que estamos acostumbrados a ver en pantalla.
A partir de entonces, los intertítulos estarían presentes en casi todo gran metraje que se preciara de serlo. Claro, había cambios constantes en las técnicas. Curiosamente, superponer el texto con la toma en movimiento era algo que, al parecer, no muchos querían hacer. Lástima, pues era algo realmente visionario. Eso sí, el hecho de que los intertítulos fueran casi un requerimiento estándar abrió paso para la creación de las primeras secuencias de créditos, pues se volvió necesario que la audiencia conociera los nombres de quienes participaron en la producción, delante y detrás de las cámaras.
El ingenio y la interpretación
Cada vez eran más y más los filmes que se producían en Estados Unidos y Europa, pues los estudios continuaban creciendo. Así, empezaron a surgir preocupaciones con respecto a la forma en la que las obras serían presentadas en mercados extranjeros, donde ya había mucha expectativa por recibir nuevas historias. Según el portal Translation Journal, en un principio lo que se hacía era exportar las cintas en su estado original para que, una vez que estuvieran en los países destino, las tarjetillas fueran editadas, traducidas y finalmente reinsertadas, cosa que no era muy difícil de hacer. Llama la atención que, además, en caso de no poder recurrir a este método, se ideaban otras alternativas, como el “live dubbing”, o doblaje en vivo, hecho por actrices y actores que se escondían detrás de la pantalla. ¡Casi siempre improvisaban los diálogos! Además, un narrador –que sí era visible para la audiencia y estaba en el escenario en todo momento– describía la historia y traducía lo incluido en los cartones.
Pero, aunque estos experimentos eran sin duda interesantes, la industria seguiría intentando expandirse en el campo de la interpretación con letras.
¡Démosle la bienvenida al sistema actual!
En 1909 aparecería un nuevo método que, aunque no se convirtió en el predilecto, sí que contribuyó a la historia de los subtítulos y al panorama actual: consistía en la utilización de un sciopticon –proyector de diapositivas parecido a una linterna mágica– por medio del cual se insertaban manualmente láminas de cristal que contenían las interpretaciones de los intertítulos, las cuales aparecían debajo de la tarjeta dibujada (vía Collot Baca). Sin embargo, esto requería de extremo cuidado y mucha rapidez por parte de quien estuviera a cargo de la proyección, pues la sincronización era imperativa. Es importante señalar que, en múltiples sitios, libros y ensayos académicos, la creación de esta técnica se le atribuye a alguien de nombre M.N. Topp –bien pudo ser un inventor o inventora–, persona que, al parecer, patentó el sistema. No hay más rastro suyo, salvo por breves menciones aquí y allá. ¿Existirá realmente, o será un seudónimo colectivo? Este último dato hay que tomarlo con cautela.
De manera similar, en Dinamarca se intentó proyectar dos cintas en simultáneo, en dos máquinas separadas: un carrete tenía impresos los títulos y otro las imágenes. No obstante, la sincronización siguió siendo un problema, puesto que la traducción no llegaba a tiempo y el público no entendía bien lo que sucedía.
Llegamos a 1920, año en que se lanzó otro de los proyectos más cercanos a la tecnología contemporánea. El dramaturgo Abraham S. Schomer presentó la película The Chamber Mystery, que fue revolucionaria en su momento porque dentro de las secuencias los diálogos de los personajes se presentaban como globos o burbujas de diálogo– insertadas en posproducción– que los seguían a cada paso que daban mientras hablaban (vía Shadowplay). Con esto, el filme adquiría un estilo visual cuasicaricaturesco y muy atractivo, pero desafortunadamente, la obra pasó sin pena ni gloria y es hasta ahora que se le reconoce como una pieza clave en la historia de los subtítulos, con alta influencia en el ámbito audiovisual.
Continúa leyendo: La historia de los subtítulos
La era de los intertítulos poco a poco se desvanecía, pero todavía quedan unas últimas innovaciones por conocer, mismas que llegarían de la mano de Wilhelm Prager, productor alemán que, en 1924 y 1928, debutó algunos documentales deportivos. Estas obras presentaban una mezcla de tarjetas y títulos superpuestos, muy parecidos a los de Robert W. Paul. Sin embargo, ahora no sólo se veían palabras cortas, sino que se trataba de grandes rótulos con comentarios alusivos a las carreras y también los nombres de los atletas.
Se confirma la efectividad
Poco después, el mundo conocería a Herman G. Weinberg, quien quería ser violinista y, de hecho, se dedicaba a hacer arreglos a las bandas sonoras de las películas que llegaban desde Alemania a Estados Unidos. Así como era aficionado a la música, pronto se volvería adepto a la traducción. El punto es que él, al igual que “Topp”, también colocaba las palabras en la parte inferior del cuadro. Sobre esto, dijo lo siguiente (vía):
“Me preguntaba si [los asistentes a la función] moverían su cabeza un poco para leer los títulos abajo en la pantalla y luego levantarla después de leerlos, pero no me preocupó […] Me di cuenta de que no movían la cabeza, apenas y bajaban los ojos”.
El efecto fue posible gracias a una máquina Moviola, que permitía editar una película al mismo tiempo que se veía, proceso que acortaba tiempos y servía para realizar de mejor manera la visión que desde el inicio se tenía para una historia.
Con el paso del tiempo, Herman llegaría a subtitular más de 300 cintas, además de que sus descubrimientos serían utilizados ampliamente cuando llegó…
El cine sonoro
1927 fue un año genial para la industria fílmica, y para la historia de los subtítulos, pues se estrenó la película El cantante de Jazz, la cual contenía las primeras secuencias con diálogos y canciones totalmente audibles. Tal fue el éxito y furor por el musical, que Warner Bros. comenzó a exportarlo en otros lugares, estrenándolo en París dos años después, el 26 de enero 1929, en la que es considerada la primera función subtitulada de una película con sonido. Esto fue producto de una mezcla de todos los trabajos indicados anteriormente.
Parecería que los franceses estarían encantados con la ilusión que tenían frente a sus ojos, ¿no? Pues, tristemente… no fue así. Algunos espectadores encontraron interesante la propuesta, pero la gran mayoría lo veía como una molestia o impedimento para disfrutar la función, así que pidieron que se utilizaran otros métodos de traducción. Se hicieron los primeros intentos por crear diálogos pregrabados, pero no funcionó, porque los estudios que se formaron para trabajar en esto no percibían ganancias. Hoy, la industria del doblaje prospera bastante, aunque esa es otra historia.
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Durante las décadas de los 30, 40 y 50, ante la poca viabilidad de los sistemas probados, las personas alrededor del planeta se tuvieron que adaptar a lo que había, así que la historia de los subtítulos siguió su curso. Noruega, Suecia, Finlandia, Hungría, entre muchas otras regiones, en las cuales la unión simultánea de imágenes y texto sí había tenido resultado, entraron al rescate.
Japón era uno de estos países interesados en continuar la tradición. Ahí, los encargados de traducir casi todo el material audiovisual disponible eran Shimizu Shunji y Tamaru Yukihiko, quienes ya habían presentado una modalidad en la que los títulos corrían a un lado de la película, con la pantalla dividida en dos. De a poco, ambos se fueron actualizando e incluso pasaron sus conocimientos a otros. Fueron reconocidos por presentar este arte a varios sectores de la población.
Mientras tanto, Noruega, Suecia, Hungría y Estocolmo también harían avances significativos en la historia de los subtítulos. Además, ¿adivinan quiénes regresaron al negocio? Así es: en Francia también era momento de abrazar lo inevitable. En estos lugares se optó por utilizar soluciones químicas o reacciones térmicas para estampar las letras en la cinta. Sobre el subtitulaje químico, la traductora francesa Maï Boiron comenta lo siguiente (vía):
“Usando un microscopio, releía cada placa pequeña de zinc con que se marcaban los subtítulos en la película, cuadro por cuadro”.
De nueva cuenta, el internet atribuyó el hallazgo a personas que el tiempo parece haber olvidado, y cuyos nombres sólo están disponibles en documentos académicos, pero sin mayor contexto sobre su vida y obra: Leif Eriksen, R. Hruška, Oscar I. Ertnæs y O. Turchányi.
El último respiro del subtitulaje análogo llegó con el estampado láser, cortesía de Denis Auboyer. Funcionaba agujerando y quemando la película de manera leve para crear las letras, contrario al estampado.
La era digital y el futuro
Ciertamente, los subtítulos llegaron para quedarse, sobre todo en una sociedad globalizada, de tecnologías de la información y la comunicación que nos permiten descubrir nuevas películas de todas partes del mundo. De hecho, hoy existen múltiples programas informáticos –como SubMagic, Subtitle Workshop o Subtitle Edit– que facilitan la producción de los textos permitiendo seleccionar diversos códigos de tiempo en un video y teclear lo que se quiera en el fotograma elegido. Además, también existen los subtítulos descriptivos –SDH, en inglés Subtitles for the Deaf and the Hearing Impaired–, pensados para mejorar la accesibilidad de las personas con sordera en el mundo del entretenimiento. Aquí pueden consultar otros tipos y formatos de símbolos basados en bits.
Por otro lado, en 2012 Sony presentó un par de lentes con realidad aumentada que hacen posible vivir el cine o teatro a pesar de cualquier limitación lingüística. Simplemente se ponen y estos automáticamente detectan el audio, ofreciendo interpretación instantánea.
Subtitulaje en México
En nuestro país existen diversas empresas dedicadas a la traducción y la creación de subtítulos –aquí encontrarán un amplio directorio–. Lo cierto es que cada una de estas casas productoras cuenta con un proceso único, pero que cumple el mismo fin.
En la Ley de Cinematografía publicada en 1992 se establecía el derecho de las audiencias a disfrutar de una película en su idioma original (con apoyo de subtítulos): solo aquellas cintas destinadas a un público infantil u obras educativas tenían permitido estrenarse de forma doblada. Sin embargo, las grandes distribuidoras se ampararon contra dicha medida, pues aseguraron que prohibir el doblaje les despojaba de públicos masivos debido a la alta tasa de analfabetismo en México. En la nueva iniciativa de ley, aún no aprobada en el pleno pero impulsada por la comunidad cinematográfica mexicana, se vuelve a insistir en el derecho de acceso a las películas en su idioma original y se propone la posibilidad de doblar hasta el 50% de las copias de una película.
Aunado a esto, hace poco surgió la iniciativa de subtitular todas las películas exhibidas en la República. Esto, entre otras cosas, debido a que más de dos millones de mexicanos cuentan con una discapacidad auditiva (vía Xataka México).
Bonus: una extraña forma de adaptación
¿Recuerdan que en Francia buscaban cambiar las letras en pantalla por otra técnica? Una de las alternativas era verdaderamente alocada y costosa, al menos para la época: lo que en ese entonces se conoció como “multiversiones”, que, básicamente, consistía en volver a filmar las películas con el mismo guion y en un set similar, pero con intérpretes diferentes, que fueran capaces de hablar el idioma de cada región. Una de las primeras cintas que hizo esto fue Anna Christie, de 1930 (vía Sociedad Artística Sinaloense). Es como si en este siglo Leonardo Di Caprio produjera una nueva versión de, digamos… Another Round y pensara en Jake Gyllenhaal para protagonizar. Un momento… ¡Eso ya va a pasar! Un nuevo remake. ¿En qué momento volvimos a 1929? Bueno, no hay problema. Tal vez se aplique el viejo de alterar algunos puntos de la trama primigenia y presentarla como algo fresco.
Sería bueno hacer caso al consejo que Bong Joon-ho dio al subir al escenario para su discurso cuando Parásitos hizo historia, alzándose con el Globo de Oro a Mejor película en lengua extranjera:
“Una vez que superes la barrera de una pulgada de los subtítulos, conocerás muchas más películas increíbles”.
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Si quieren conocer más sobre la historia de los subtítulos, pueden ver el corto documental The Invisible Subtitler.
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La popular serie Oshi no Ko hace su cierre en la gran pantalla. La intriga y enredos de Aqua, Ruby y su madre Ai se desenlazan en un evento cinematográfico. Aquí te contamos lo que debes saber sobre la película Oshi no Ko: El último acto:
¿De qué trata Oshi no ko: El último acto?
La historia de Oshi no ko comienza con el doctor Gorou Amamiya, un ginecólogo-obstetra que ayuda en secreto a la famosa idol Ai Hoshino a dar a luz a sus hijos gemelos. La noche del parto un fanático obsesivo de Ai aparece y asesina a Gorou, pero algo inesperado sucede. Gorou reencarna como Aqua, uno de los gemelos de Ai, y él está consciente de los recuerdos de su vida anterior. Sin saberlo, su hermana Ruby también es la reencarnación de otra persona; Sarina Tendōji, una paciente de Gorou que era fanática de Ai.
Cuatro años después del nacimiento de los gemelos, Ryōsuke, el fanático que asesinó a Gorou reaparece molesto por que la idol ha traicionado su amor teniendo hijos en secreto y mata a Ai. El fanático se quita la vida, pero Aqua cree que su padre biológico es cómplice del asesino y le proporcionó la información de dónde encontrar a su madre. Así que el niño decide vengar la muerte de la idol.
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Doce años más tarde, Miyako Saitō, la dueña de la agencia de talentos de Ai, Strawberry Productions, ha adoptado a los niños. Aqua y Ruby ya adolescentes, han seguido los pasos de su madre en el entretenimiento. Ruby trabaja en convertirse una idol, mientras que Aqua se ha desenvuelto en la actuación. Utilizando su posición dentro del espectáculo, Aqua pretende utilizar sus contactos y amistades para localizar a su padre y cobrar cuentas.
La película tiene lugar después de los eventos de la serie. La distribuidora Madness Entertainment comparte la siguiente sinopsis:
En Oshi no Ko: El último acto, la búsqueda de venganza de Aqua Hoshino alcanza su clímax mientras secretos del pasado y traiciones salen a la luz. Dividido entre hacer justicia y proteger el legado de su madre Ai, Aqua se enfrenta a las sombras del despiadado mundo del entretenimiento. Mientras tanto, Ruby brilla como estrella, pero su éxito oculta heridas profundas. Cuando sus caminos se cruzan en una revelación que sacude la industria, deberán elegir: ¿destruir la oscuridad que los une o dejar que los consuma? Un final impactante lleno de drama, giros y emociones desgarradoras”.
Producción de la película Oshi no Ko: El último acto
Oshi no Ko originalmente fue creada en el año 2020 como una serie de manga publicada en la revista Shūkan Young Jump de Shūeisha. Es una historia escrita por Akasaka Aka (Kaguya-sama wa Kokurasetai: Tensai-tachi no Ren’ai Zunōsen) e ilustrada por Mengo Yokoyari (Kuzu no Honkai). Ha sido adaptada a anime por el estudio Doga Kobo (YuruYuri) y recientemente serializada como drama de televisión para Amazon Prime Video.
La película Oshi no ko: El último acto cuenta con el mismo equipo de producción de Ryûsuke Imoto para la serie live-action. Smith retoma su posición en la dirección para la película, Ayako Kitagawa como guionista y la banda sonora compuesta por Fox Capture Plan. El elenco está compuesto por Kaito Sakurai (Vivant) como Aqua Hoshino, Nagisa Saito (Algún día seré la novia de alguien) como Ruby Hoshino, Asuka Saito (Light of My Lion) como Ai Hoshino, Nanoka Hara (Suzume) como Kana Arima, Mizuki Kayashima (To Be Killed by a High School Girl) como Akane Kurokawa, y Ano (Adam by Eve: A Live in Animation) como Mem-cho.
¿Dónde puedo ver la serie Oshi no ko?
La serie live-action de ocho episodios está disponible en Amazon Prime. Además puedes encontrar las dos temporadas de la serie de anime en Netflix. Una tercera temporada del anime está planeada para estrenarse en el año 2026.
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¿Dónde ver la película Oshi no ko: El último acto?
Cinépolis tendrá en exclusiva la película Oshi no Ko: El último acto únicamente un fin de semana, los días 21, 22 y 23 de febrero de 2025.
Póster oficial
Tráiler de Oshi no Ko: El último acto
Victor Recinos “El Collecto” El cine me ha acompañado toda mi vida en un viaje de emociones, a través del tiempo, la imaginación y mundos mágicos de colores; desde galaxias muy lejanas hasta la realidad. Gracias al cine soy: creativo, otaku, Jedi, replicant, Batman y parte Cine PREMIERE.
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Corría 1996 cuando la periodista, novelista y guionista Helen Fielding lanzó El diario de Bridget Jones, novela escrita en forma de diario donde una mujer con más de treinta años hacía un recuento de su vida profesional, familiar y amorosa. De inmediato se convirtió en un éxito, pues le hablaba con veracidad a mujeres que, como su protagonista, enfrentaban más de un obstáculo para realizarse en todos los sentidos. Varias décadas después, Bridget Jones se convirtió en la protagonista de queridas y exitosas películas, demostrando que más de una persona se identificaba con ella.
Working Title Films adquirió los derechos en 1997, y pronto se puso en marcha la primera adaptación cinematográfica. Nombres como Helena Bonham Carter, Cate Blanchett y hasta Kate Winslet fueron considerados, y al final Renée Zellweger se convirtió en la elegida. Más de 25 años después, no queda duda de cuán acertada fue la decisión.
¿Cuántas películas de Bridget Jones se han hecho?
El diario de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2001)
Bridget Jones es una treintañera soltera y llena de complejos, cuya vida sentimental es un desastre. Tiene sólo dos ambiciones: adelgazar y encontrar el amor verdadero. El día de Año Nuevo toma dos decisiones: perder peso y escribir un diario. Pero muy pronto su vida amorosa se vuelve a complicar, pues se encuentra dividida entre dos hombres. Por un lado, Daniel Cleaver, su jefe, un tipo encantador y sexy, pero peligroso; por otro, Mark Darcy, un viejo amigo de la familia, que al principio le parece demasiado reservado y aburrido.
La película se convirtió en un éxito de taquilla en Estados Unidos, donde mantuvo caídas pequeñas durante varias semanas gracias al boca a boca. En el Reino Unido su taquilla fue una locura, y a pesar de las críticas por la elección de Zellweger (que no era británica), el público cayó rendido. La cinta consiguió una nominación a los BAFTA, y Zellweger incluso llegó a contender por el Óscar a la Mejor actriz, algo no muy común para las comedias románticas.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bridget Jones: Al borde de la razón (Dir. Beeban Kidron, 2004)
Todo parece felicidad en la vida de Bridget. Vive con Mark Darcy y ya dejó a Daniel, su mujeriego exjefe. De pronto llega la atractiva Rebeca, quien pone problemas en la relación de Bridget y Mark. Los celos, la inseguridad y la tentación laboral -esta última de nuevo junto a Daniel- amenazan con pisotear el sueño de Bridget en un enredo que involucra malos consejos, peores malentendidos y verdaderos desastres que sólo le podían pasar a ella.
A pesar de sus locaciones en Austria y hasta las referencias a Orgullo y prejuicio (en su versión creada por la BBC), las críticas fueron terribles. Se le acusó de ser predecible, abusar de los gags sin sentido, y de convertir a su protagonista prácticamente en un chiste. Su taquilla bajó en Estados Unidos, pero creció a nivel mundial, llevándola a ser aún más exitosa que su antecesora. Renée Zellweger repitió su nominación a los Globos de Oro como Mejor actriz en una película musical o de comedia.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
El bebé de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2016)
El cuento de hadas parece haber terminado. Bridge terminó su relación con Mark, por lo que se encuentra soltera y recibiendo los 40 años. Decidida a empezar un nuevo capítulo, se concentra en el trabajo y aprovecha para rodearse de todos sus amigos. or una vez en su vida, Bridget parece tenerlo todo bajo control. Pero su vida amorosa toma una nueva dirección cuando conoce a un elegante estadounidense llamado Jack, un galán que tiene todo lo que no tiene el Sr. Darcy. Al descubrir que está embarazada, Bridget entra en pánico: no sabe quién es el padre del hijo que espera.
La cinta se anunció un lustro después de la segunda película, pero con su historia se tomó una decisión inesperada: basarla en las columnas escritas por Helen Fielding, no en la tercera novela de la saga. Hugh Grant no participó en esta entrega, pues mostró su descontento con la primera versión del guion, y posteriormente no se le encontró una forma de encajar en la trama. Las críticas fueron tan positivas como con la primera cinta, pero no hubo presencia en grandes premiaciones.
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Bridget Jones: Loca por él (Dir. Michael Morris, 2025)
En la cuarta entrega de la saga se vive una tragedia. Bridget ahora es madre soltera de Billy, de 9 años, y Mabel, de 4. Tristemente, quedó viuda cuando Mark murió en una misión humanitaria en Sudán hace cuatro años. Acompañada por sus leales amigos: Shazzer, Jude, Tom, su compañera de trabajo Miranda, su madre y la Dra. Rawlings, Bridget intenta encontrar un nuevo camino hacia el amor y la vida. Gracias a las apps de citas y sus nuevas relaciones laborales, un joven decide cortejarla. Al mismo tiempo, el maestro de ciencias de Billy mostrará un ligero interés en ella.
La película se confirmó a finales de 2022, y se basa en el tercer libro de la serie. Cuando el tráiler confirmó la muerte de Mark, no muchos fans quedaron satisfechos. Hugh Grant regresa a la franquicia, mientras que Chiwetel Ejiofor Y Leo Woodall se suman como los intereses amorosos.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
¿Habrá más películas de Bridget Jones?
En 2016, Helen Fielding publicó el último libro (hasta ahora) de Bridget. Curiosamente, no se trata de Loca por él, sino de aquel donde se habla sobre su embarazo. Ya hubo una película inspirada en otras publicaciones de la autora, pero los planes siempre han sido respetar el material original y la visión de Helen. Ante las peticiones de una quinta entrega y lo que podría deparar el futuro, así respondió Renée Zellweger (vía).
“Digo todo el rato que sí, pero Helen terminó ya de escribir todas las historias de este personaje y creo que es justo. Me encanta el personaje, sus experiencias vitales y me gusta reencontrarme con amigos en el set de rodaje. Creo que devolver a la vida a Bridget en cada película es algo mágico y, encima, hago nuevos amigos. Digamos que no es un mal día en la oficina”.
¿Cuál es el orden cronológico de las películas?
- El diario de Bridget Jones (2001)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (2004)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
- Bridget Jones: Loca por él (2025)
¿Cuál es el orden de lanzamiento de los libros?
- El diario de Bridget Jones (1996)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (1999)
- Bridget Jones: Loca por él (2013)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
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Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
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Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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