Cine y Tv
Sergio Díaz y los secretos del sonido de Roma

Sergio Díaz pasó dos años escuchando a la Ciudad de México. De 2016 a 2018 exploró sus sonidos, los recreó, los cazó, los limpió y hasta les hizo casting. Su estudio ubicado en el sur de la ciudad, en donde nos recibe, se convirtió en uno de los centros de operaciones del departamento sonoro de Roma, proyecto al que se sumó como supervisor y editor de sonido en julio de 2016, tras platicar con los productores Gabriela Rodríguez y Nicolas Celis.
“Me dijeron que se trataba de una película personal y ‘chiquita’ de Alfonso Cuarón. Yo no les creí”, nos dice riendo. “Luego luego retumbó en mi cabeza: no hay película de Alfonso Cuarón que sea chiquita”.
Hasta ese momento, el editor de sonido no había trabajado con Cuarón más que cuando éste último tomó un rol de productor en la cinta Desierto. En su trayectoria de 30 años, no obstante, figuraban desde Luis Mandoki y Amat Escalante, hasta Guillermo del Toro, Alejandro G. Iñárritu y Mel Gibson. Tres reconocimientos que cuelgan ahora en una pared de su estudio son testimonio de su constante presencia en el cine de realizadores mexicanos –y extranjeros– de alto perfil. En ellos se puede leer “The Golden Reel Award”, premio anual que la Motion Picture Sound Editors otorga a los mejores trabajos de sonido del año, y de la cual se ha convertido recientemente en miembro. Mientras el primero destaca su desempeño como “editor de diálogo” en Babel, los otros dos honran su trabajo como «supervisor de diálogo» y «editor de ADR» en El laberinto del Fauno. (Aunque quizá el vestigio más atractivo de esa producción sea un pequeño retrato que le hizo el mismo Guillermo Del Toro, y que luce enmarcado en una mesita cercana a las consolas).
Ninguna de esas experiencias, sin embargo, le había exigido meterse a la memoria personal de un cineasta para extraer sonidos del pasado. “Roma fue un parteaguas en mi carrera”, nos dice. “Se siente maravilloso que las personas vean la película y que salgan hablando del sonido. Es un placer trabajar con directores que sepan exactamente qué quieren a nivel sonoro”.

- La atmósfera
De julio a diciembre de 2016, antes del rodaje, Díaz se lanzó a su propia investigación sonora. Aunque no contaba con el guion en ese entonces, empezó una etapa temprana de recopilación de sonidos de la ciudad, tomando en cuenta lo único que sabía: que la historia sucedería en los años 70. “Empecé a hacer mi propia librería ex profeso para Roma, usando mis propias memorias e imaginándome lo que podría suceder en el año 70 y 71”.
En esta etapa se enfrentó a una dificultad inicial. Ya que cada sonido debía ser grabado de forma individual para ser manipulado en la sala de edición, resultaba necesario grabar una primera “textura” citadina, a la que se le podrían agregar capas durante el diseño sonoro. Desafortunadamente, la atmósfera que necesitaba pertenecía a una ciudad que ya no existía.
“No lograba conseguir esta textura propia de los 70”, nos dice. “Había muchos ruidos, porque la ciudad se ha vuelto muy industrial. Hay muchos autos ahora y menos aves. Necesitaba tener una limpieza, pero, ¿cómo podía decirle a la Ciudad de México: ¡callate!?”
Se le ocurrió un plan: el 25 de diciembre de 2016 grabó todo el día desde las 6 am. Cuatro equipos se instalaron en Tepeji, en el norte de la CDMX, en Coyoacán y en Santa Fe. “Fue un gran acierto, porque gracias a eso pude tener la densidad de la CDMX en silencio absoluto. Esa fue la columna vertebral”.

- Cazando los sonidos
Una vez obtenida la primera capa, Sergio se dedicó a recopilar sonidos individuales. Consiguió varias propuestas de cada uno, para lograr el trino del ave, el ladrido del perro o el estruendo del avión preciso. Dicha odisea no se detuvo durante los 18 meses de producción de la cinta, ni siquiera durante la etapa de posproducción (ni las 10 semanas aproximadas que duró la mezcla). El sonido fue de lo primero que se trabajó y lo último que quedó.
“Lo más difícil fue meterme en las memorias de un director. Fue un reto conseguir todos los elementos que Alfonso tenía en su cabeza. Por ejemplo, el sonido de la puerta de su casa tenía un rechinido muy particular, su puerta era de metal con cristales en medio, así que provocaba cierta vibración. Teníamos la puerta de la casa del set, pero esa no servía porque tenía que sonar como la recordaba Alfonso. Ese tipo de sutilezas las teníamos que recrear”.

El alto nivel de detalle y precisión de la cinta obligó al departamento sonoro –que llegó a tener 22 miembros– a ir en busca de los sonidos exactos en la ciudad de hoy, peor también a recrearlos o construirlos en la edición. De archivo no se usó nada de forma directa, ni siquiera sonidos como la lluvia con granizo –que grabó desde el balcón de su casa– o el tráfico, cuyo ruido de autos de la época capturó en el set durante el rodaje. “Los pedía prestados al encargado y me subía con él. Los grababa a velocidades más suaves, porque en los 70 no los conducían tan rápido. Todo lo que escuchan en el tráfico se grabó de forma individual. Armé el tráfico sonido por sonido, fue algo artesanal”.
Los cánticos y gritos de los Halcones también fueron grabados en el set, durante los ensayos de los 1500 extras que participaron en la escena de la matanza de Corpus Christi, mientras que para las voces de los vendedores –el gas, los merengues, el agua– se hizo una suerte de “casting”. “La cacofonía de esos personajes sigue vigente, aunque ahora hay más personajes. Ahora son más grabaciones, pero antes sus cantos eran como mantras, de viva voz, una cacofonía muy cálida. Grabamos varias de cada vendedor, los recolectamos e hicimos ‘pruebas’, para tener la voz exacta que le gustara a Alfonso. Él hizo la selección de las voces ganadoras”.

La exploración sonora de las memorias y de la ciudad también le permitió a Sergio Díaz atestiguar las transformaciones que ésta ha sufrido. Algunas anécdotas al respecto son chuscas, como el hecho de que tuviera que quitarle constantemente la palabra “güey” a la grabación que hizo de un partido de futbol (“¡En esa época nadie se decía así!”). Otras, por otro lado, son más lamentables, pues evidencian el deterioro ambiental de la CDMX.
“Te das cuenta de lo que le estamos haciendo no solo a nuestra ciudad sino al planeta. Me pasó cuando Alfonso me pedía cierto tipo de aves, los pericos australianos que se oyen en la casa en la mañana y otros que dejaron de estar en la ciudad. Entonces nos íbamos a ciudades anodinas o lugares muy alejados donde hubiera árboles para encontrar cierto tipo de gorrión. Lo encontramos en Satélite, en la casa de unos amigos».
«Lo mismo sucede con los niños», continúa. «Ya no los encuentras en la calle echándose una cascarita. Antes no había tantos autos. Tuve que poner a unos niños a jugar afuera de un estudio de grabación».
- Sonido 360
Fue hasta el final del rodaje que Sergio Díaz obtuvo el guion. “Y tuve que regrabar TODO”, nos dice riendo. “Me di cuenta de todo lo que me faltaba, porque a las consolas tienes que llegar con sonidos de más, por si el director te pide otra cosa. La edición fue de lo más difícil porque debíamos hacer que cierto tipo de sonido sonara de cierta forma. Construirlo con varios. Ese fue el caso de Borras, el perro, cuyo ladrido en realidad está formado por tres perros, porque tenía que sonar exactamente como Alfonso recordaba».
Otra proeza titánica fue el sonido 360º que ofrece Roma , gracias a la tecnología Dolby Atmos. Mientras Eugenio Caballero debía construir sets gigantescos que le permitieran a Cuarón hacer tomas amplias, Sergio Díaz debía vestir con sonido tanto lo que estaba a cuadro, como lo que no se veía en la toma. «‘Quiero todo’, me dijo Alfonso. Eso te permite estar inmerso en la película. Cuando Cleo y Nancy salen corriendo en la escena de la tortería, todo es una carrera de sonidos, frontal pero atrás también suceden cosas. En el hospital suceden cosas atrás, en todos lados hay sonido 360º. No estamos acostumbrados a tener esta presencia en este tipo de cine. La tecnología Atmos era aplicada en superproducciones, pero creo que lo aprecias más cuando es algo real, que cuando ves una fantasía».

El globero, el de los camotes, los taxis cocodrilo que pasan, las pisadas de los habitantes de la casa, el sonido del radio, el crujir de las puertas… Para que los mezcladores de regrabación Skip Lievsay (ganador de un Óscar por su trabajo en Gravedad) y Craig Henighan (Stranger Things) –junto con Cuarón– pudieran llegar a la mezcla deseada y a la experiencia inmersiva, cada sonido debía ser limpiado y trabajado de forma individual. «El asunto con el Dolby Atmos es que tienes muchas bocinas en las salas, a la izquierda, en la derecha, en el techo, y cada una representa un lugar específico», explica Díaz. «Es una realidad sensorial e inmersiva, que te envuelve. Para llegar a eso necesitábamos tener todos los elementos disponibles para poder decir: el globero va aquí, pero el globo va en la otra bocina, y el silbatito en la otra. Todo sonido tenía que ir limpio. [Skip] mezcló la de Gravedad y me dijo que esto era una locura, porque se trata de la realidad, no es el espacio, todo el tiempo están sucediendo cosas a nuestro alrededor».
Tal cantidad de trabajo prolongado requirió de disciplina constante: un organigrama claro del equipo de sonido; un archivo y registro bien organizado de cada sonido grabado desde 2016 hasta 2018; una dinámica de comunicación que fuera eficiente aun cuando Cuarón se encontrara en otros países editando, así como un aprendizaje de los errores pasados. «Es el proceso más largo que he tenido en mi vida. Cuando acabamos me fui una semana a París con una sensación de que lo habíamos logrado. Fue extremadamente difícil y después tuve un periodo de descompresión y de liberación, pero hubo mucho amor al hacerla. Roma me marcó».

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ARIEL 2026: Lista completa de nominados
La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) continúa con su objetivo de promover e impulsar la calidad del cine en nuestro país, es por eso que este 2026 celebra una nueva edición de los Premios Ariel.
Desde su resurgimiento en 1972, el Ariel no para de reconocer públicamente a los mejores profesionales del cine en México. Para su 68ª edición, este no deja de ser su propósito; así que entérate aquí sobre quiénes son los nominados en las 25 categorías que premia la AMACC este 2026.
Rumbo al Ariel 2026
Aunque para la edición de este año se recibieron 151 películas, 67 largometrajes, 84 cortometrajes y 10 películas iberoamericanas, la lista oficial consta únicamente de 49 películas nominadas, mismas que se podrán ver a lo largo del ciclo de exhibición “Rumbo al Ariel 2026”.
Durante este ciclo, las películas se presentarán de forma gratuita, incluyendo las transmisiones de los cortometrajes de ficción, animación y documental en los canales que conforman la Red de Radiodifusoras y Televisoras Educativas y Culturales de México. Asimismo, pensando en las preferencias del público, también se podrán disfrutar en funciones diarias a través de la plataforma de streaming, FestivalOpen!
¿Cuándo se celebrará la ceremonia del Ariel 2026?
La ceremonia de entrega del premio Ariel 2026 se llevará a cabo el próximo 3 de octubre.
Nominaciones por categoria
Actor
- Andrés Catzín | Cosmos
- Ernesto Rocha | Adiós, amor
- Hoze Meléndez | Cocodrilos
- Mauricio Isaac | Café Chairel
- Osvaldo Sánchez | En el camino
Actriz
- Ángela Molina | Cosmos
- Diana Sedano | Juana
- Emma Dib | La eterna adolescente
- Mónica del Carmen | Las mutaciones
- Natalia Reyes | Aún es de noche en Caracas
Coactuación femenina
- Arcelia Ramírez | Cocodrilos
- Margarita Sanz | Juana
- Ángeles Cruz | Las locuras
- Ruth Ramos | La eterna adolescente
- Teresita Sánchez | Cocodrilos
Coactuación masculina
- Bernardo Gamboa | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Héctor Kotsifakis | Pérdida total
- Manuel Cruz Vivas | Cocodrilos
- Mariano López Sosa | En el camino
- Roberto Sosa | Las locuras
Cortometraje animación
- Azulesepia | Dir. Luis Manuel Villarreal Dávila
- Desdoblándome | Dir. Natalia Pájaro
- Te prometo violencia | Dir. Juan María León Piña
- Teatro Secreto | Dir. Diego Martínez Gutiérrez
- Wing Shop | Dir. Andrea León Gutiérrez, Gabriela Rojas Bustos, Sascha Schmit
Cortometraje documental
- La mar | Dir. Jean Chapiro Uziel
- Las voces del despeñadero | Dir. Victor Rejón, Irving Serrano
- Mácula | Dir. Mariana Xochiquétzal Rivera García
- Mujer de barro | Dir. Concepción Vásquez
- Toda la vida para siempre | Dir. Sebastián Molina Ruiz
Cortometraje ficción
- Azul | Dir. David Karlak
- Crónica menor | Dir. Francisco Usiel
- Oc ni temiki (sigo soñando) | Dir. Misael Alva
- Techiq | Dir. Missael Sánchez Arce
- Una torreta en llamas | Dir. Humberto Flores Jáuregui
Dirección
- David Pablos | En el camino
- Ernesto Martínez Bucio | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Gabriel Mascaro | O último azul
- Lucía Gajá | Vidas en la orilla
- Pablo Pérez Lombardini | La reserva
Diseño de arte
- Belén Estrada | En el camino
- Christian Alfredo Galindo García, Consuelo Ileana Martínez Ruiz | Autos, mota y rocanrol
- Daniela Rojas | Juana
- Ezra Buenrostro | Aún es de noche en Caracas
- Salvador Parra | Vainilla
Edición
- Alfonso Gastiaburo, Ana García, Lucía Gajá | Vidas en la orilla
- Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata, Odei Zabaleta | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Jonathan Pellicer | En el camino
- Jorge Marquéz | Gerry Adams: El hombre de Ballymurphy
- Omar Guzmán, Sebastián Sepúlveda | O último azul
Efectos especiales
- Arturo Vázquez | Contraataque
- Gerardo Muñoz, Omar Israel Ayala de la Peña | Un cuento de pescadores
- José Martínez «Josh» | Mujeres del alba
- Luis Ambriz | Cocodrilos
- Ricardo Arvizu | Aún es de noche en Caracas
Efectos visuales
- Amet Ramos | Un cuento de pescadores
- Gaston Alvárez | Autos, mota y rocanrol
- Jorge Palma Bermúdez | En el camino
- María José Straffon | Soy Frankelda
- Paula Siqueira, Raúl «Ratón» Luna | Aún es de noche en Caracas
Fotografía
- Germinal Roaux, Inti Briones | Cosmos
- Guillermo Garza | O último azul
- Juan Pablo Ramírez | Aún es de noche en Caracas
- Moritz Tessendorf | La reserva
- Ximena Amann (AMC) | En el camino
Guión adaptado
- Javier Peñalosa, Mariana Chenillo | Los dos hemisferios de Lucca
- Jimena Montemayor Loyo | Mujeres del alba
- Jorge Hérnandez Aldana | La sombra del catire
- Jorge Ramírez-Suárez | Las mutaciones
- Mariana Josefina Rondón García, María Teresa Ugás Castro | Aún es de noche en Caracas
Guión original
- David Pablos | En el camino
- Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Gabriel Mascaro, Tibério Azul | O último azul
- Germinal Roaux | Cosmos
- Pablo Pérez Lombardini | La reserva
Largometraje animación
- La gran historia de la filosofía occidental | Dir. Aria L. Covamonas
- Soy Frankelda | Dir. Arturo Ambriz Rendón, Rodolfo Ambriz Rendón
Largometraje documental
- Brigada 2045 | Dir. Olivia Luengas Magaña
- Gaza, la franja del exterminio | Dir. Rafael Rangel
- La libertad de Fierro | Dir. Santiago Esteinou
- Llamarse Olimpia | Dir. Indira Cato Cortes
- Vidas en la orilla | Dir. Lucía Gajá
Maquillaje
- Adam Zoller | En el camino
- Alejandra Velarde | Vainilla
- Gerardo Muñoz | Un cuento de pescadores
- Karina E. Monroy | Autos, mota y rocanrol
- Karina Rodríguez | Aún es de noche en Caracas
Música original
- Andrea Balency-Bearn | En el camino
- María Giménez Cacho Goded | Juana
- Memo Guerra | O último azul
- Yolihuani Curiel Balzareti | Brigada 2045
- YOM | La reserva
Ópera prima
- Cocodrilos | Dir. J. Xavier Velasco
- El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) | Dir. Ernesto Martínez Bucio
- Juana | Dir. Daniel Giménez Cacho
- La reserva | Dir. Pablo Pérez Lombardini
- Vainilla | Dir. Mayra Hermosillo
Película iberoamericana
- Belén (Argentina) | Dir. Dolores Fonzi
- La misteriosa mirada del flamenco (Chile) | Dir. Diego Céspedes
- Los domingos (España) | Dir. Alauda Ruiz de Azúa
- Manas (Brasil) | Dir. Marianna Brennand
- Un poeta (Colombia) | Dir. Simón Mesa Soto
Revelación actoral
- Aurora Dávila | Vainilla
- Carolina Guzmán | La reserva
- Donovan Said | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Laura Uribe Rojas | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Victor Miguel Prieto Simental | En el camino
Sonido
- Alex de Icaza, David Montero | Autos, mota y rocanrol
- Antonio Porém Pires, Lena Esquenazi, Nayuribe Montero | Aún es de noche en Caracas
- Arturo Salazar, Liliana Villaseñor, María Alejandra Rojas, Vincent Sinceretti | O último azul
- Carlos Cortés Navarrete (C.A.S.), Miguel Mata, Odín Acosta Ascencio | Brigada 2045
- Denis Sechaud, Ivan Dumas, Raphaël Sohier | Cosmos
Vestuario
- Brenda Gómez | Aún es de noche en Caracas
- Felipe Criado | En el camino
- Felipe Criado | Cosmos
- Gilda Navarro | Vainilla
- Gilda Navarro, Joanna Nogueiras Yankelevich | Autos, mota y rocanrol
Película
- El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) | Mandarina Cine, Dir. Ernesto Martínez Bucio
- En el camino | Animal de Luz Films, Dir. David Pablos
- La libertad de Fierro | Javier Campos López, Santiago Esteinou, Dir. Santiago Esteinou
- O último azul | Cinevinay, Desvia, Dir. Gabriel Mascaro
- Vainilla | Huasteca CC, Redrum, Dir. Mayra Hermosillo
Te invitamos a que no te pierdas la transmisión de este evento, en el cual este año se galardonarán con el Ariel de Oro al documentalista Demetrio Bilbatúa y la actriz Rosita Arenas.
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Cine y Tv
Películas que marcaron tendencia en moda, belleza y preferencias olfativas
Las películas tienen la capacidad de influir en mucho más que las conversaciones posteriores a una función. A lo largo de la historia, numerosas producciones lograron modificar hábitos de consumo, inspirar estilos de vestimenta y popularizar determinadas formas de entender la belleza. Algunas incluso dejaron huella en aspectos menos visibles, como las preferencias relacionadas con perfumes y aromas.
La conexión entre cine y tendencias existe prácticamente desde los comienzos de la industria. Los espectadores observan cómo se visten los personajes, qué accesorios utilizan, cómo se peinan y qué tipo de estilo proyectan. Con el paso del tiempo, muchas de esas características terminan trasladándose a la vida cotidiana, impulsando fenómenos culturales que trascienden la pantalla.
Desayuno en Tiffany’s y el nacimiento de un ícono
Cuando Desayuno en Tiffany’s llegó a los cines en 1961, pocos imaginaban el impacto que tendría en la cultura popular. La imagen de Audrey Hepburn vestida de negro frente a una joyería neoyorquina se convirtió rápidamente en una referencia global de elegancia.
La película ayudó a consolidar una idea de sofisticación basada en la simplicidad, donde los accesorios, el maquillaje y la actitud tenían tanta importancia como las prendas elegidas. Décadas después, continúa siendo una fuente de inspiración para diseñadores, estilistas y amantes de la moda.
Además de influir en la vestimenta, este tipo de producciones contribuyó a reforzar la asociación entre glamour, cuidado personal y determinados hábitos vinculados con la imagen.
Sexo en la Ciudad y el lujo cotidiano
Aunque nació como serie televisiva, Sex and the City tuvo una continuidad cinematográfica que consolidó aún más su influencia cultural.
Los personajes no solo marcaron tendencias en moda, sino también en accesorios, cosméticos y estilos de vida. La narrativa presentó una visión del lujo integrada a la rutina cotidiana, donde cada elección estética parecía formar parte de una declaración personal.
Este fenómeno impulsó el interés por marcas exclusivas y productos asociados a una determinada imagen de sofisticación. Dentro de ese contexto más amplio, comenzaron a ganar relevancia numerosas conversaciones relacionadas con fragancias masculinas y femeninas que complementaban determinados estilos.
En algunos espacios especializados dedicados a la perfumería, por ejemplo, aparecen referencias a bharara king dentro de discusiones vinculadas con tendencias contemporáneas y preferencias aromáticas.
Casino Royale y el regreso de la elegancia masculina
La llegada de Daniel Craig al papel de James Bond marcó una nueva etapa para uno de los personajes más emblemáticos del cine.
Casino Royale presentó una imagen masculina basada en la elegancia clásica, los trajes bien confeccionados y una estética refinada que influyó en tendencias posteriores. A diferencia de otras producciones centradas exclusivamente en la acción, la película otorgó gran importancia a la construcción visual del protagonista.
La influencia de James Bond sobre la moda masculina tiene décadas de historia. Sin embargo, esta versión logró acercar nuevamente ciertos códigos tradicionales a una audiencia contemporánea.

El cine y el universo de las fragancias
Aunque los perfumes no pueden percibirse directamente en una sala de cine, numerosas películas han contribuido indirectamente a despertar interés por el mundo de los aromas.
Los personajes elegantes, los ambientes sofisticados y las historias vinculadas al lujo suelen generar curiosidad sobre los detalles que completan una determinada imagen. Entre ellos, las fragancias ocupan un lugar destacado.
Actualmente, las redes sociales amplifican este fenómeno. Los espectadores ya no se limitan a comentar una película; también investigan productos asociados a los estilos que observan en pantalla.
Por ese motivo, búsquedas relacionadas con el perfume Bharara King pueden aparecer entre personas interesadas en explorar opciones vinculadas a una determinada estética o perfil de sofisticación.
La construcción de una identidad visual completa
Uno de los aspectos más interesantes del cine es su capacidad para presentar personajes coherentes en todos sus detalles.
Vestuario, maquillaje, accesorios, lenguaje corporal y entornos forman parte de una construcción cuidadosamente planificada. Esa coherencia suele resultar atractiva para el público, que muchas veces intenta incorporar algunos elementos a su propia imagen.
En la actualidad, algunas personas interesadas en perfumería investigan opciones como versace eros cuando exploran fragancias asociadas a estilos contemporáneos de elegancia masculina.
Tendencias que trascienden generaciones
No todas las películas mantienen su influencia con el paso del tiempo. Sin embargo, ciertas producciones logran conservar relevancia incluso décadas después de su estreno.
Esto ocurre porque sus propuestas estéticas consiguen superar modas pasajeras y transformarse en referencias culturales más amplias. Los personajes, los vestuarios y los códigos visuales continúan inspirando nuevas interpretaciones adaptadas a cada época.
Dentro de ese ecosistema de recomendaciones e intereses compartidos también aparecen consultas vinculadas con Versace Eros y su precio, reflejando cómo la influencia cinematográfica puede extenderse hacia ámbitos tan diversos como la moda, la belleza y las preferencias olfativas que acompañan la construcción de una identidad personal.

Grease y el poder de una estética reconocible
La década de 1970 encontró en Grease una de sus expresiones más influyentes. Aunque la historia estaba ambientada en los años cincuenta, la película revitalizó tendencias relacionadas con peinados, maquillaje y estilos de vestimenta que volvieron a ganar popularidad entre nuevas generaciones.
Las camperas de cuero, los pantalones ajustados y los peinados cuidadosamente trabajados se transformaron en símbolos fácilmente identificables. La producción demostró cómo el cine podía rescatar modas del pasado y convertirlas nuevamente en objeto de deseo.
El fenómeno también puso en evidencia que la construcción de una imagen personal no depende exclusivamente de la ropa, sino de una combinación de elementos visuales y actitudinales.
El Diablo Viste a la Moda y la influencia de la industria fashion
Pocas películas exploraron el universo de la moda con tanto detalle como El Diablo Viste a la Moda. La producción permitió que millones de espectadores conocieran algunos mecanismos internos de una industria caracterizada por las tendencias cambiantes y la búsqueda constante de innovación.
Uno de los aspectos más interesantes de la película es la manera en que muestra cómo pequeños detalles pueden transformar completamente una imagen. Accesorios, maquillaje, peinados y elecciones de vestuario aparecen como herramientas capaces de comunicar personalidad, ambición o pertenencia a determinados círculos sociales.
Más allá de la alta costura, esa misma lógica de traducir referencias cinematográficas en productos concretos también llegó a las marcas de consumo masivo. Zara, por ejemplo, lanza colecciones cápsula con guiños constantes a estéticas de época y al universo del cine, y traslada esa propuesta a su línea de fragancias. Quienes buscan replicar determinada atmósfera visual encuentran en el perfume de la marca Zara una alternativa accesible para completar un estilo inspirado en la pantalla, sin recurrir necesariamente a las grandes casas de lujo.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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