Cine y Tv
Monster Hunter: Entrevista con el director Paul W. S. Anderson

Hace más de quince años, un videojuego titulado Monster Hunter debutó para PlayStation con una premisa sumamente simple, pero cautivadora: capturar o matar gigantescas bestias espeluznantes para así convertirte en el cazador de más alto nivel. Tiempo después, el reto de convertirla en película fue aceptado por un apasionado director de nombre Paul W. S. Anderson. En consecuencia, el también realizador de Resident Evil puso manos a la obra con una colosal adaptación fílmica que profesionalmente lo reunió de nueva cuenta con Milla Jovovich y le hizo comandar una agotadora filmación en el desierto del Namib, África. Esto es lo que el director de Monster Hunter nos platicó en entrevista.
Así fueron los inicios de Monster Hunter: La cacería comienza.

Monster Hunter, el nuevo largometraje del director Paul W. S. Anderson, sigue a un equipo militar durante una accidentada expedición desértica, liderada por la Capitana Natalie Artemis (Jovovich). Tras ser golpeados por una misteriosa tormenta, estos soldados se transportan al «Nuevo Mundo», donde enormes monstruos del subsuelo intentarán devorarlos y sólo un habilidoso cazador (Tony Jaa) podrá ayudarlos. El reparto lo complementan Diego Boneta, Meagan Good y Ron Perlman, entre otros.
En el marco de su estreno en salas mexicanas, nos conectamos en una entrevista a distancia con el director de Monster Hunter: La cacería comienza. Sobra decir que Anderson es sumamente reconocido por trasladar videojuegos al ámbito cinematográfico, habiendo saltado a la fama en 1995 por la primerísima cinta Mortal Kombat, cuyo venidero reboot (según nos confesó) lo tiene «muy emocionado».
A continuación, conozcan algunos detalles y dificultades para levantar Monster Hunter que el director nos comentó en entrevista. Y si se han preguntado cómo el británico imagina un crossover entre Tiburón y El renacido, aquí también les tenemos una respuesta.

CP: ¿Qué elemento del videojuego original era más importante retomar para la película Monster Hunter?
PA: Me enamoré del videojuego cuando lo jugué en Tokio, hace once o doce años. El juego era muy desconocido fuera de Japón en ese momento y un amigo mío hizo que me interesara en él. Lo jugué e inmediatamente me enamoré de dos cosas: los monstruos y los paisajes donde habitan. Los monstruos estaban bellamente diseñados y eran complemente diferentes a todo lo que yo había visto antes. Y estos paisajes eran como un entorno vivo que respiraba. Pensé: “Esto es maravilloso, éste es un mundo completamente nuevo. Si puedo convertir esto en una película, será un mundo en el que a la gente le encantará sumergirse durante dos horas”. Y tomando en cuenta cómo se halla el planeta [real] en este momento, ¿quién no quiere escapar por un par de horas a un mundo diferente?
CP: ¿Cuál es el secreto para que una película como Monster Hunter complazca tanto a los fanáticos del videojuego como al público en general?
PA: Siempre soy consciente de que tienes que complacer a ambos públicos […] Así que en primer lugar son los monstruos, los monstruos que sé que hicimos bien porque trabajamos muy de cerca con los creadores del juego, Ryozo Tsujimoto y Kaname Fujioka. Cada pequeño detalle de las criaturas, incluso el aspecto de sus uñas y la manera en que suenan, es exactamente correcto. Entonces, para los fanáticos del juego, las criaturas están bien al cien por ciento. Los trajes, el arsenal, la apariencia de los personajes no jugables que encuentras dentro del videojuego —como El Almirante o La Encargada— están bien al cien por ciento.
[Una vez que tengo eso] entonces puedo sentirme libre de contar una historia que sea más inclusiva y que no excluya a las personas que no saben nada sobre Monster Hunter y tal vez ni siquiera sepan nada de videojuegos. No quieres que ese público la mire y diga: «Ah, yo no juego, la película no es para mí». Nosotros tratamos de contar una historia para la cual no necesites ningún conocimiento previo sobre los videojuegos para disfrutarla. online dating services for over 50

CP: Una vez más diriges a Milla Jovovich, quien nuevamente encarna a la ruda y heroica personaje principal. Sin embargo, esto no es Resident Evil. No se trata de zombies sino de feroces monstruos gigantescos. ¿Qué retos, hasta ahora desconocidos por ustedes, trajo consigo la producción de Monster Hunter?
PA: Para mí, ésta es una película muy, muy diferente. [Hasta ahora] yo había hecho muchas películas muy urbanas. Las películas de Resident Evil tratan sobre una especie de decadencia urbana, como se muestra por la gran cantidad de fábricas de cemento abandonadas en muchas ciudades. Pero Monster Hunter es una película sobre criaturas gigantes y paisajes […]. Yo necesitaba paisajes enormes porque cuando estás filmando a un monstruo de quince o veinte metros de altura requieres de un gran entorno que contenga a ese monstruo. Así que realicé una búsqueda exhaustiva para encontrar paisajes reales. No quería hacer una película en la que filmas una pantalla verde y creas los monstruos y los paisajes a través de una computadora.
Encontré paisajes asombrosos pero los encontré en los lugares más remotos de la Tierra, lo que significaba que logísticamente sería una película difícil de hacer. Tuvimos que poner al elenco y al equipo en medio de la nada, a cientos de kilómetros de la ciudad más cercana, viviendo en tiendas de campaña, filmando en estos entornos terriblemente hostiles. Si bien el paisaje era hermoso, había una razón por la que nadie vivía allí: temperaturas de cincuenta grados centígrados durante el día, temperaturas bajo cero durante la noche, enormes tormentas de viento que harían volar todas las tiendas de campaña, muchas arañas y serpientes. Eran condiciones difíciles para trabajar.
Respecto a los actores, aunque fue un trabajo duro —para todo el equipo lo fue—, fue muy, muy inmersivo y a los actores realmente les encantó, mucho más que filmar con una pantalla verde porque no tenían que imaginar cómo era el mundo de Monster Hunter. Creo que realmente sentían que ya estaban en él, que estábamos rodando en el mundo de Monster Hunter gracias a estos grandes paisajes exóticos.

CP: El final de Monster Hunter deja las puertas abiertas para futuras entregas. ¿Ya hay planes para una secuela?
PA: Siempre voy una película a la vez porque siento que muchas franquicias potenciales a veces tropiezan porque es demasiado pensar en lo que será la franquicia y no lo suficiente en lo que es la primera película. Me gusta hacer una primera película divertida, entretenida y exitosa y luego, una vez que eso funciona, imaginar cómo se vería una franquicia […]. Sólo quiero que la mayor cantidad de gente vea Monster Hunter y la disfrute tanto como sea posible […] Son dos horas geniales y ya sea que la veas en el cine o en casa, es una película con la cual la gente disfrutará «escaparse» durante un par de horas.
CP: Previamente has mencionado que si hubieras podido crear monstruos reales para tu película, lo habrías hecho. Eso me hizo pensar lo siguiente: ¿qué monstruos icónicos del cine, el videojuego o la televisión amarías ver en la vida real, ya sabes, antes de huir aterrorizado?
PA: Debido a que hice Alien vs Depredador, siempre estoy pensando en qué contra qué. Es como un juego que los niños juegan en el patio. Me encantaría ver una pelea a tres bandas en aguas poco profundas, tal vez en Malibú, para que haya muchas estrellas de cine en las arenas de Malibú viendo la pelea. Pero [el combate] sería en aguas poco profundas y estaría Tiburón de Steven Spielberg —el tiburón de la película— contra el oso de El renacido, el que le patea el trasero a Leo [DiCaprio], contra el Conan de Arnold Schwarzenegger, el de la primera película Conan. Quisiera ver esa pelea a tres bandas: hombre versus tiburón versus oso en la playa.

CP: Imagina que una persona verá por primera vez una película dirigida por Paul W. S. Anderson. ¿Qué tipo de experiencia vivirá? ¿Qué debería esperar de esta película?
PA: Creo que puedes esperar una experiencia inmersiva. Entrarás en un mundo que ha sido creado para ti. Es un mundo completamente nuevo que no has visto antes. Y es un mundo emocionante y divertido. Así es como veo mi trabajo como cineasta, especialmente con el tipo de películas que hago. Es una especie de creación de mundos. Quiero ofrecer experiencias divertidas y emocionantes para el público, donde los espectadores escapen de su propio mundo a uno completamente nuevo durante dos horas.
Monster Hunter: La cacería comienza se exhibe actualmente en cines de la CDMX y del resto de la República Mexicana.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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