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Consejos de Guillermo del Toro para hacer cine

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En el 15 Festival Internacional de Cine de Morelia, hace un par de años, Guillermo del Toro presentó su película La forma del agua por primera vez en México. Sin embargo, eso no fue todo lo que hizo: también dedicó horas para hablar con sus fans, días enteros para ofrecer entrevistas, ofreció una proyección de beneficencia para los damnificados y dio una clase magistral (que convirtió en dos al darse cuenta de que aún había personas que se quedaron afuera por falta de espacio). Estos son los consejos para hacer cine que ofreció a los jóvenes cineastas (y a todos aquellos que quieran dedicarse al arte):

1 La originalidad pura no existe

«La única originalidad que puede existir en el arte es la de la síntesis. Todo lo que se puede decir ya se ha dicho antes de una u otra forma. Pero lo que le da al creador su propia voz es la síntesis, le da su propio timbre. Las influencias sólo se pueden utilizar cuando ya han sido procesadas por nuestras propias vivencias. Cualquier cultura sin  procesar por nuestra vivencia es conocimiento inútil. Es erudición muerta».

2 Escucha la voz de la película, no a tu terquedad

«Lo que aprendes es que [hacer una cinta] es como tener arcilla y hacer alfarería. En el momento de moldear la película, lo que se cae pues ya, se cayó. La película dicta su propia forma y aprendes a escucharla más que a tu terquedad. ¡Porque la voz de la película y tu terquedad suenan idénticas al principio (ríe)! Hay que practicar para saber escuchar a la película».

3. Amar al cine es conocer al cine

«Si ustedes quieren hacer cine deben de conocer la historia de ese lenguaje, porque si solo se quedan en las películas de hace 20 años hay un vacío enorme. Hay que ver desde el inicio, para que su lenguaje sea algo que ustedes dominen. La imagen es adjetivo y es verbo: el verbo es la acción, lo que sucede. El adjetivo es como la califican ustedes con su lente, su diseño de producción, su actuación, su vestuario, el ritmo y el flujo».

4. Tu voz viene de tus vacíos, no de tus certezas

«Vean su propia biografía y apuéstenle a lo que más les da miedo, no a los que tengan más confianza, hablen de cosas que les duela, que les dé vergüenza, que les de apuro. Porque esa es su voz. Las cosas que ven como defectos, son sus virtudes. La virtud es un defecto potenciado. Si ven la primera película de Kubrick, la primera primera, Fear and Desire, es tiesa, rara, acartonada, episódica, pero todo eso es lo que eventualmente le da su estilo. Fíjense muy bien, porque la juventud disfraza las virtudes de defectos».

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Foto: Eduardo Islas

5  Deja que los actores te muestren qué traen bajo la manga

«Semanas antes de rodar te sientas con tus actores para analizar escena por escena. Ese es el trabajo de mesa, porque ya en el set el actor está vivo enfrente de la cámara  y lo que quieres es mantenerlo así, por lo que ahí no puedes hablarle elaboradamente. En el trabajo de mesa se puede divagar. Ya en el momento del set ya no puedes estar: ‘¿Recuerdas a tu infancia…?’ Al actor le das un verbo, algo qué hacer. Dale oportunidad de que te enseñe los colores que él o ella trae. No le digas desde el inicio qué hacer. Ése es el error más grande: el director, entre más joven, más veces entra después de cada toma. Por otro lado, si el actor se siente mirado, todo cambia. El cine y el amor tienen en común a la mirada. Los actores se saben mirados, y tu tienes que tener apertura para ver qué traen».

6.  La imagen no es el accesorio, es la historia

«Cuando se habla de qué buena fotografía, también se está hablando de dirección, de diseño de producción y de vestuario, porque son patas de la misma mesa. En teoría, para mí, es un solo departamento que también incluye maquillaje y peluquería. Es una sola unidad narrativa visual. El director de fotografía tiene que tener una relación impecable con el diseñador de producción, el diseñador tiene que entender que la ropa es el set del actor, que un plano abierto el vestuario debe contar una cosa, en el plano medio uno debe descubrir cosas que no había visto y que en el close up debes ver la arquitectura de la cara del actor. Imagen e historia no existen separados. Lo audiovisual no es el betún en el pastel. Es EL pastel».

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Foto: Eduardo Islas

7. Ya eres director de cine

«Accidentes fortuitos. Coppola dijo alguna vez: ‘Cuando alguien dice yo quiero ser director de cine, ya no va a serlo. Cuando alguien dice soy director de cine, es director de cine’. Hayas rodado no hayas filmado, vale madre. Ya eres director de cine. Yo hice Super 8 porque era cámara que tenía mi jefe y compraban mis rollos en la Farmacia Guadalajara. La cosa es que muchas veces la esencia del mexicano es esperar a que alguien baje y nos rescate. El asunto es que si tienes una cámara en tu iPhone y ganas, tienes más de lo que tenía una persona en 1940. Puedes entrenarte para contar una historia. Lo que pase después ya es demográfico: siempre va a haber alguien más exitoso que tú y alguien menos exitoso. Haz cine desde donde estás».

8 Sé fuerte, pero no pierdas la inocencia

«El estado natural de una película es que no se haga. El rechazo es lo mejor que te puede pasar. Lo mejor que puedes hacer es tener ya historias en tu cabeza.Tenemos que tener la fragilidad de un poeta y la fortaleza de un boxeador. Es el oficio más raro del mundo: tienes que ser grillo, poca madre, y al mismo tiempo inocente como paloma a la hora de hacer tu arte. Lo que sí es importante es: agárrate de quien crea en ti».

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Foto: Eduardo Islas

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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