Cine y Tv
Consejos de Guillermo del Toro para hacer cine

En el 15 Festival Internacional de Cine de Morelia, hace un par de años, Guillermo del Toro presentó su película La forma del agua por primera vez en México. Sin embargo, eso no fue todo lo que hizo: también dedicó horas para hablar con sus fans, días enteros para ofrecer entrevistas, ofreció una proyección de beneficencia para los damnificados y dio una clase magistral (que convirtió en dos al darse cuenta de que aún había personas que se quedaron afuera por falta de espacio). Estos son los consejos para hacer cine que ofreció a los jóvenes cineastas (y a todos aquellos que quieran dedicarse al arte):
1 La originalidad pura no existe
«La única originalidad que puede existir en el arte es la de la síntesis. Todo lo que se puede decir ya se ha dicho antes de una u otra forma. Pero lo que le da al creador su propia voz es la síntesis, le da su propio timbre. Las influencias sólo se pueden utilizar cuando ya han sido procesadas por nuestras propias vivencias. Cualquier cultura sin procesar por nuestra vivencia es conocimiento inútil. Es erudición muerta».
2 Escucha la voz de la película, no a tu terquedad
«Lo que aprendes es que [hacer una cinta] es como tener arcilla y hacer alfarería. En el momento de moldear la película, lo que se cae pues ya, se cayó. La película dicta su propia forma y aprendes a escucharla más que a tu terquedad. ¡Porque la voz de la película y tu terquedad suenan idénticas al principio (ríe)! Hay que practicar para saber escuchar a la película».
3. Amar al cine es conocer al cine
«Si ustedes quieren hacer cine deben de conocer la historia de ese lenguaje, porque si solo se quedan en las películas de hace 20 años hay un vacío enorme. Hay que ver desde el inicio, para que su lenguaje sea algo que ustedes dominen. La imagen es adjetivo y es verbo: el verbo es la acción, lo que sucede. El adjetivo es como la califican ustedes con su lente, su diseño de producción, su actuación, su vestuario, el ritmo y el flujo».
4. Tu voz viene de tus vacíos, no de tus certezas
«Vean su propia biografía y apuéstenle a lo que más les da miedo, no a los que tengan más confianza, hablen de cosas que les duela, que les dé vergüenza, que les de apuro. Porque esa es su voz. Las cosas que ven como defectos, son sus virtudes. La virtud es un defecto potenciado. Si ven la primera película de Kubrick, la primera primera, Fear and Desire, es tiesa, rara, acartonada, episódica, pero todo eso es lo que eventualmente le da su estilo. Fíjense muy bien, porque la juventud disfraza las virtudes de defectos».
Foto: Eduardo Islas
5 Deja que los actores te muestren qué traen bajo la manga
«Semanas antes de rodar te sientas con tus actores para analizar escena por escena. Ese es el trabajo de mesa, porque ya en el set el actor está vivo enfrente de la cámara y lo que quieres es mantenerlo así, por lo que ahí no puedes hablarle elaboradamente. En el trabajo de mesa se puede divagar. Ya en el momento del set ya no puedes estar: ‘¿Recuerdas a tu infancia…?’ Al actor le das un verbo, algo qué hacer. Dale oportunidad de que te enseñe los colores que él o ella trae. No le digas desde el inicio qué hacer. Ése es el error más grande: el director, entre más joven, más veces entra después de cada toma. Por otro lado, si el actor se siente mirado, todo cambia. El cine y el amor tienen en común a la mirada. Los actores se saben mirados, y tu tienes que tener apertura para ver qué traen».
6. La imagen no es el accesorio, es la historia
«Cuando se habla de qué buena fotografía, también se está hablando de dirección, de diseño de producción y de vestuario, porque son patas de la misma mesa. En teoría, para mí, es un solo departamento que también incluye maquillaje y peluquería. Es una sola unidad narrativa visual. El director de fotografía tiene que tener una relación impecable con el diseñador de producción, el diseñador tiene que entender que la ropa es el set del actor, que un plano abierto el vestuario debe contar una cosa, en el plano medio uno debe descubrir cosas que no había visto y que en el close up debes ver la arquitectura de la cara del actor. Imagen e historia no existen separados. Lo audiovisual no es el betún en el pastel. Es EL pastel».
Foto: Eduardo Islas
7. Ya eres director de cine
«Accidentes fortuitos. Coppola dijo alguna vez: ‘Cuando alguien dice yo quiero ser director de cine, ya no va a serlo. Cuando alguien dice soy director de cine, es director de cine’. Hayas rodado no hayas filmado, vale madre. Ya eres director de cine. Yo hice Super 8 porque era cámara que tenía mi jefe y compraban mis rollos en la Farmacia Guadalajara. La cosa es que muchas veces la esencia del mexicano es esperar a que alguien baje y nos rescate. El asunto es que si tienes una cámara en tu iPhone y ganas, tienes más de lo que tenía una persona en 1940. Puedes entrenarte para contar una historia. Lo que pase después ya es demográfico: siempre va a haber alguien más exitoso que tú y alguien menos exitoso. Haz cine desde donde estás».
8 Sé fuerte, pero no pierdas la inocencia
«El estado natural de una película es que no se haga. El rechazo es lo mejor que te puede pasar. Lo mejor que puedes hacer es tener ya historias en tu cabeza.Tenemos que tener la fragilidad de un poeta y la fortaleza de un boxeador. Es el oficio más raro del mundo: tienes que ser grillo, poca madre, y al mismo tiempo inocente como paloma a la hora de hacer tu arte. Lo que sí es importante es: agárrate de quien crea en ti».
Foto: Eduardo Islas
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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