Cine y Tv
Allen vs. Farrow: las claves del caso en orden cronológico

HBO presentó el pasado domingo 21 de febrero el primer episodio de Allen vs. Farrow, la serie documental en cuatro partes centrada en las acusaciones de abuso sexual contra Woody Allen; esta vez desde los ojos de su hija adoptiva, Dylan Farrow. A pesar de la antigüedad del caso, el clima actual ha retornado a la luz los señalamientos que nunca se resolvieron del todo, y que se estancaron en una aparente conclusión que permaneció plagada de dudas e incertidumbres. Sobreanalizados por los medios de comunicación durante la década de los 90, los pormenores sobre las investigaciones, la cronología y los hechos relacionados al caso pueden parecer ahora un tanto difusos. Por ello, recopilamos aquí las claves de un caso que ha ido tomando forma a lo largo de casi 30 años.
Antecedentes

Para 1979, Woody Allen ya es una de las figuras más influyentes de la industria cinematográfica de Estados Unidos, así como un ícono neoyorquino adorado por muchos. Sus capacidades como contador de historias desde el papel y tras la cámara, además de su presencia cómica y dramática al frente de ella, le habían asignado ya un lugar importante dentro de la cultura del arte y la sociedad de Manhattan. Justamente, en el mencionado año cruza su vida con la de la actriz Mia Farrow, quien para entonces también era una actriz reconocida por filmes como El bebé de Rosemary (1968). Para entonces, Farrow ya es la madre de siete hijos, la mayoría de ellos adoptados.
Allen y Farrow comienzan una relación sentimental que duraría aproximadamente doce años. Ella toma el lugar de su amante y musa, protagonizando trece filmes del director ocurridos durante la década de los 80. Durante esa época, nunca contrajeron matrimonio ni vivieron juntos, las facilidades de ser vecinos neoyorquinos y colegas fue suficiente para que su relación permaneciera intacta durante más de diez años y aparentemente por un camino feliz que se vio truncado una vez que Mia descubrió que el cineasta mantenía relaciones sexuales con Soon-Yi Previn, una de sus hijas adoptivas, y que además presuntamente abusaba de otra de ellas: Dylan Farrow. La línea de eventos se desglosa en orden de la siguiente manera.
Línea del tiempo del caso

1980: nacimiento de Soon-Yi Previn
Soon-Yi Previn nace el 8 de octubre de 1980. Este dato ha causado controversia pues según Mia Farrow, las autoridades coreanas asignaron esta fecha al azar y un análisis de huesos realizado en 1977 apuntó a que la niña tendría entre cinco y seis años de edad, lo que haría de Soon-Yi una menor de edad al momento en que comenzó su relación con Allen.
1977: Mia Farrow adopta a Soon-Yin
La actriz adopta a la niña junto a su segundo marido André Pevin en Corea del Sur.
1979: Woody Allen y Mia Farrow comienzan una relación
Luego de divorciarse de Pevin, Mia Farrow conoce a Woody Allen en una fiesta y más tarde comienzan una relación que duraría 12 años. Acuerdan vivir separados y nunca contraer matrimonio, situación que se cumplió hasta su ruptura.
1980: Llega Moses
Mia Farrow adopta por su cuenta a Moses Farrow, un niño coreano con ligeros problemas de parálisis cerebral.
1985: Mia adopta a Dylan
La actriz adopta una nueva niña llamada Dylan. En el documental, desde el inicio, Woody Allen muestra un apego muy singular hacia la bebé, uno que es percibido por amigos de la familia.
1987: Nace el único hijo biológico de Woody Allen y Mia Farrow
La pareja da a luz a su primer y único hijo biológico, un varón al que llaman Satchel Ronan. Más tarde, los medios reportan que es probable que el verdadero padre de este niño sea Frank Sinatra, una de las exparejas de Farrow.
Otoño de 1991: Allen y Soon-Yin comienzan una aventura amorosa
La hija adoptiva de Mia Farrow sale a museos, paseos y tardes de café con Woody Allen, primero con el consentimiento de su madre (en su afán por proporcionarle a su hija adoptiva la compañía de una figura paterna) y después en secreto. Por entonces, de acuerdo con sus declaraciones posteriores, el cineasta y la actriz pasan por un periodo de distanciamiento.
Diciembre de 1991: Allen adopta a Dylan y a Moses
El director adopta legalmente a Moses y Dylan en medio de un rompimiento más oficial de la pareja. Según las declaraciones del director, sólo con ambos niños es con quien sostuvo una relación paterna. En la misma época, Woody Allen inicia una relación sexual con Soon-Yin.
13 de enero de 1992: Mia Farrow descubre la relación
Mia Farrow visita el apartamento de Woody Allen y descubre en su escritorio una serie de fotografías instantáneas en las que Soon-Yin aparece desnuda. Mientras que Allen más tarde las describe como «eróticas y artísticas», Farrow por su parte las encuentra «pornográficas y depravadas». La relación entre ambos sufre la grieta más grande y definitiva, pero Allen no deja de acudir a visitar a los niños durante los meses siguientes.

4 de agosto de 1992: El día que Woody Allen abusó presuntamente de Dylan Farrow
De acuerdo con el testimonio de Dylan Farrow, fue en este día cuando el cineasta abusó sexualmente de ella, a los siete años de edad. Anteriormente, Woody Allen había asistido a terapia por conductas inapropiadas hacia la niña y Mia Farrow había advertido a todos que él no debía estar en solitario con la niña, ya que había notado que el cineasta presentaba un comportamiento inadecuado. Por dicha razón, cuando Mia salió de compras mientras Allen visitaba a los niños, en la residencia de la actriz en Connecticut, se encontraban presentes además del resto de los niños, amigos de la familia, dos niñeras y la maestra de francés de Moses.
Dichos testigos aseguraron que durante un periodo de tiempo aproximado de entre 15 y 20 minutos, tanto Allen como Dylan se perdieron de la vista de todos. Además contaron que durante la tarde, Allen recargó su cabeza en el regazo de la niña mientras veían una película, un detalle que el director admitió más adelante.
5 de agosto de 1992: Dylan cuenta sobre los abusos
Al día siguiente, Mia interroga a la niña, luego de que una de las niñeras le contara que Dylan claramente se encontraba incómoda en presencia de su padre durante la visita del día anterior. Según la actriz, la propia Dylan le contó que Allen la recostó sobre una mesa y le tocó sus «partes privadas». En días posteriores, Farrow graba en video el testimonio de la niña sin asistencia profesional, un video que no es aceptado como prueba en el juicio de custodia ocurrido más adelante, pero que de igual forma fue filtrado a los medios de comunicación.
13 de agosto de 1992: Allen demanda a Farrow
El cineasta inicia una demanda en contra de la actriz para obtener la custodia de Moses, Dylan y Ronan. Existe la noción de que entre Allen y Farrow existió una batalla legal concerniente a los presuntos abusos sexuales, sin embargo, el juicio que se recuerda hasta la fecha y que se desglosará más adelante constaba específicamente de la lucha de ambos adultos por la custodia de Moses, Dylan y Ronan.
17 de agosto de 1992: Allen confirma su relación con Soon-Yin
Woody ofrece una conferencia de prensa en la que confirma a los medios su relación con la hija adoptiva de Farrow. Horas más tarde, la policía de Connecticut anuncia que abrirá un expediente de investigación sobre los supuestos abusos sexuales cometidos el pasado 4 de agosto, la investigación nunca se procesa hasta el punto de llegar a un litigio en tribunales. El fiscal, Frank Maco, encargado del caso señaló en esa ocasión que sí tenía causa probable para presentar cargos, pero que no lo hizo para no traumatizar a Dylan con una experiencia en tribunales.
Finales de 1992: Allen y Farrow declaran a los medios de comunicación
Durante noviembre y diciembre de dicho año, las dos partes cuentan su versión de los hechos a los medios de comunicación, lo que da inicio a una batalla mediática entre los publicistas y agentes de ambos. Farrow publica su historia en Vanity Fair, mientras que Allen concede una entrevista televisada al programa 60 minutes de la cadena CBS. Para entonces el director sostiene que las acusaciones de abuso contra la menor son producto de una sed de venganza implacable de parte de su ex pareja, mientras que ella afirma que su única misión es proteger a sus hijos.

Marzo de 1993: Expertos en abuso infantil presentan su reporte
Un equipo de «expertos» del hospital de Yale-New Heaven presenta su informe sobre la presunta agresión sufrida por Dylan Farrow. El fiscal a cargo de la investigación, Frank Maco contrató al equipo del hospital para determinar si el testimonio de Dylan podría ser repetido en un tribunal. Uno de los hechos poco sabidos es que en el equipo que elaboró ese reporte no hubo ni psicólogos ni psiquiatras, sino dos trabajadores sociales y un pediatra, el Dr. John Leventhal, quien nunca examinó a Dylan ni a Mia en persona y sólo se limitó a firmar el documento.
Se trata del famoso reporte en donde se dice que Dylan fue interrogada hasta en 9 ocasiones y que en cada una de ellas ofreció versiones «sustancialmente distintas» y que la niña era fantasiosa (porque la niña había dicho cosas como que había «cabezas muertas» , aunque Mia guardaba ahí sus pelucas en bloques de unicel). Las notas de las examinación fueron destruidas. Este reporte no fue admitido por el juez a cargo del juicio de custodia, ya que no lo consideró creíble ni legítimo. La policía y el fiscal Maco tampoco lo consideraron un reporte de fiar.
7 de junio de 1993: Resolución del juez asignado al caso
El juez Elliot Wilk concede la custodia de los niños a Mia Farrow y restringe las visitas de Woody Allen. El juez escribió en su resolución de 33 páginas que el comportamiento del Sr. Allen hacia la niña era sumamente inapropiado y que se deberían tomar medidas para protegerla. Asimismo, de acuerdo con el juez «no existe evidencia creíble que demostrara que Mia Farrow había instigado a su hija a hacer acusaciones falsas solo por despecho». Más tarde el fiscal Frank Maco declaró que no se presentarían cargos contra el cineasta, pero que, en su opinión personal, Dylan sí sufrió abusos, aunque estos resultan muy difíciles de demostrar.
Allen afirma victorioso que los tribunales reconocen su inocencia, mientras que Farrow considera que las autoridades creen la versión de Dylan, pero eligen no continuar el procedimiento legal porque no quieren traumatizar a una niña que para entonces es «psicológicamente frágil» como para atravesar por un litigio probablemente extenso.
23 de diciembre de 1997: Allen y Soon-Yin se casan
La pareja se casa en Venecia y el director más tarde declara para la revista Time que se encuentra en un periodo de su vida “de intensa felicidad y plenitud”. Además reconoce que su relación con Soon-Yin podría resultar ofensiva para muchos, pero al mismo tiempo reclama su derecho a ser feliz y seguir los dictados de su corazón.
La resurrección del caso

Años más tarde, a propósito del movimiento #MeToo, el caso Allen vs. Farrow es revisado bajo una lupa diferente. Ya de adultos, tanto Dylan como Ronan señalan en diferentes declaraciones y publicaciones que los abusos cometidos por Woody Allen son reales y quedaron impunes como producto de la desinformación y un proceso legal deplorable.
Ronan Farrow en la actualidad es un reconocido periodista que ganó un premio Pulitzer por un reportaje para The New Yorker en el que documenta de manera exhaustiva el caso del productor Harvey Weinstein y los abusos sexuales que cometió a lo largo y ancho de la industria hollywoodense. En el mismo aprovecha para recordar que su padre Woody Allen salió impune de los abusos cometidos contra su hermana y recrimina a todos aquellos que han decidido trabajar en su películas sin ninguna clase de remordimiento. Como resultado actores como Elliot Page, Kate Winslet, Timothée Chalamet, Colin Firth o Greta Gerwig, entre otros, ofrecen declaraciones en las que se deslindan del director. Algunos incluso donan el salario completo obtenido por dichos filmes a organizaciones que luchan contra el abuso sexual infantil.
Entre la horda de declaraciones perjudiciales para Allen, asoma la de Moses Farrow, quien defiende a su «padre» al acusar a su madre de «maltratar, deprimir y traumatizar a sus hijos». Asegura que su hermana Dylan no recuerda con precisión los hechos y ha terminado siendo una víctima del lavado de cerebro de su madre. Su recolección de los hechos es la única que se contradice con las de sus hermanos Dylan y Ronan, y las de los testigos presentes en la casa el 4 de agosto de 1992.
Más tarde, Woody Allen sufre un revés cuando Amazon Studios elige terminar el contrato que previamente acordaba la realización y distribución de cuatro películas con el director. El estudio decide terminar su relación de trabajo con el cineasta, para evitar que su mala reputación pueda afectar a la totalidad de la empresa. Allen demanda al estudio por incumplimiento y finalmente llegan a un acuerdo que resultó privado y ajeno para los medios. Durante un periodo de tiempo paralelo, el cineasta publica su libro de memorias, Apropos of Nothing, en donde dedica casi un tercio de la totalidad de las páginas a reafirmar su versión de la historia.
Lo más reciente en la cadena de eventos es el documental Allen v Farrow del canal de paga HBO. La docuserie recopila de manera exhaustiva declaraciones, documentos y material audiovisual. Además agrega a la mezcla archivos inéditos tanto de imágenes y video, así como extractos del audiolibro de Woody Allen, así como declaraciones de varios involucrados y cercanos.
Allen v Farrow continuará transmitiendo sus episodios restantes durante los siguientes domingos por la noche.
La entrada Allen vs. Farrow: las claves del caso en orden cronológico se publicó primero en Cine PREMIERE.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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