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Tamara y la Catarina: ternuras, soledades y abandonos

Un enigmático sujeto toma una decisión. Empaca algunas posesiones, deja dinero sobre la mesa del comedor y sale finalmente de una empobrecida casa, quizá planeando nunca volver. Horas después despierta Tamara (Ángeles Cruz), una mujer con una discapacidad intelectual, quien se extraña ante la ausencia de su hermano y no pasa mucho tiempo antes de que experimente la inquietante soledad. Pero todo da un giro cuando, más adelante, ella encuentra a una bebé solitaria en un puesto de periódicos y decide llevársela consigo… Es así como el drama Tamara y la Catarina (2016), dirigido por Lucía Carreras, pone atención en las víctimas del abandono y en el modo en que éstas pueden brindarse una mutua calidez, aún si esta consiste en una convivencia efímera.
A cuatro años de su premiere mundial y de cara a su estreno en la plataforma MUBI, Cine PREMIERE conversó con la realizadora y guionista de la película, quien nos habló sobre algunos pormenores de producción, la naturaleza de la historia y también sobre sus futuros proyectos fílmicos.

La búsqueda de un realismo sublime
Para el rodaje de Tamara y la catarina, ocurrido a finales de 2015, las locaciones incluyeron exteriores del Estado de México y del Centro Histórico de la CDMX. Sin embargo, más del 50% del guion sucedía dentro de la casa de Tamara, lo cual por sí solo exigía tres semanas de filmación y dificultaba valerse de una vivienda genuina para resolver aquellas escenas en interiores. Por ende, Lucía Carreras aceptó levantar una casa falsa en un foro de televisión, con resultados sorprendentes, aunque ella originalmente no estaba convencida de semejante idea.
«A mí no me latía trabajar en foro. Creo que los cineastas somos muy dados a preferir las locaciones. Es por un tema incluso de sensación. Pero Jay Aroesty, que es el diseñador de producción de la película y que también hizo el diseño de producción de Días de gracia, me decía que no tuviera miedo.
«Él es especialista en espacios, en términos de construcción. Entonces una de las ventajas con la que él me convenció fue: ‘Vamos a poder reproducir la casa que tú quieres, o sea, tal cual la quieres. Como está en tu cabeza, dibújame el plano y yo así la hago’».
La cineasta se inclinó por tener de referente un domicilio del municipio de Naucalpan, cuya búsqueda preliminar no fue sencilla. Para la directora, era importante que la casa elegida fuera de un único piso y de color gris, características difíciles de hallar en barrios coloridos y donde la gente «hace el esfuerzo para seguir construyendo» hacia arriba. Finalmente una fachada cumplidora de tales requisitos fue encontrada y el equipo de Tamara y la Catarina erigió en foro una casa movible y desmontable, que respetaba las dimensiones de aquella vivienda auténtica.
«La ventaja que teníamos [en el estudio] era nada más que la pared interior [la que divide la habitación de Tamara y el comedor] se podía mover. Se podían mover todas, era un rompecabezas la casa, pero lo que hicimos fue no mover las paredes exteriores sino básicamente nada más mover la pared interior para hacernos espacios para filmar. Y el techo tenía aperturas para que la [fuente de] luz no estuviera nunca dentro de la casa sino que entrara siempre desde fuera, y eso le da también una sensación más realista».
Desde que comenzó a escribir el guion, Carreras vaticinaba una película plagada de colores opacos, argumentando un reflejo de «como veo la Ciudad de México». La cineasta comenta que la iluminación contó con filtros a gris durante el rodaje, y ya en posproducción optó por restar saturación cromática al material filmado.
«Las imágenes que tenía [en mente] y creo que se logran recrear en la película son una cosa decadente poética. No es pornomiseria, sino hay una cosa hasta sublime en estas paredes grises, en estas paredes gigantes de casas, y casas y casas grises […] El arte estuvo muy pensado para que fuera todo tirado hacia el gris y se intentó trabajar con pocos colores vivos, básicamente para que los colores vivos que sobresalieran fueran los de Tamara, que son el rojo y el rosa. El rojo, la Catarina, y el rosa porque es su color favorito».

La fatídica soledad
En la historia de Tamara y la Catarina, no son únicamente los personajes titulares quienes deberán convivir de manera inesperada. Al saber que Tamara resguarda en casa a una bebé abandonada, doña Meche (una vecina, interpretada por Angelina Peláez) decide ayudarle en el cuidado de la pequeña, a la par de brindarle bases de buena madre. Al ser también un personaje solitario, la anciana pronto es absorbida por una insólita dinámica familiar, donde tres generaciones de mujeres no consanguíneas forman un vínculo afectivo. Sin embargo, Lucía Carreras nos dice que en ningún momento planeó dejarse llevar completamente por esa luz de esperanza.
«Yo siempre tuve muy claro que tenía que terminar de una forma realista. No era un ‘And they live happily ever after‘. No es una película de ese corte, es una película realista. Mi intención era hacer una película que se moviera entre dos líneas: lo conmovedor y lo duro, lo doloroso de esta realidad. No podía tener un final esperanzador al cien por ciento».
La directora afirma haber explorado varios finales poco halagüeños para la cinta, buscando al que se llegara «de forma más orgánica». Por otra parte, siempre fue consciente de que Tamara y la Catarina se centraría en los personajes abandonados y no en aquellos que las dejaron solas. Según Carreras, le corresponde al espectador contarse a sí mismo Eeas subtramas invisibles.
«La película habla de soledades y abandonos, porque las tres son abandonadas. A Doña Meche la abandonan los hijos, a Tamara la abandona el hermano y a la niña de alguna manera la abandonan los padres. Y yo quería que la historia fuera de ellas tres. Que los personajes que las abandonan fueran totalmente ausentes, salvo Paco [el hermano], que es el detonante de la historia […] Era importante para mí que el punto de vista fuera de ellas y de lo que vivieron durante esos cinco días».

A cuatro años…
Tamara y la Catarina se presentó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2016, pero no sería sino hasta dos años después que estrenaría comercialmente en México. De acuerdo con Lucía Carreras, aquella ocasión –a finales de 2018– habría sido la última vez en que miró su más reciente largometraje, pues piensa que revisitarlo es algo «bien doloroso».
«No conozco a ningún cineasta que vea y vea sus películas. Es muy difícil porque conforme pasa el tiempo, le empiezas a notar más cosas […] Lo que ves siempre son los errores que cometiste, las cosas que no te convencieron. No ves lo que lograste, sino que ves todo lo contrario«. Entonces no, prefiero no verlas [ninguna de mis películas]».
La realizadora mexicana menciona una escena a la que resultó sumamente complicado disimularle una sombra de micrófono, que se coló durante el rodaje y que ella no puede ignorar. Sin embargo, lo que sí disfruta es recibir retroalimentación del público, como ocurrió en el ReelAbilities Film Festival 2020, constituido por títulos sobre personajes con discapacidad y donde Tamara y la Catarina figuró como cinta inaugural.
«Es muy bonito descubrir las capas que tiene una película en la lectura que los distintos públicos hacen de ella. Yo estoy súper orgullosa de Tamara y la Catarina. Me parece una película muy linda, me parece muy contundente […] Creo que es una película muy bien lograda».
Años atrás, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas concedió a esta producción tres nominaciones al premio Ariel, incluida la de Mejor actuación femenina para Ángeles Cruz, quien no ganó y ello no deja de generar desconcierto en Lucía Carreras. Por otro lado, tanto la directora de 47 años como su actriz principal ganaron algo más valioso que una estatuilla, y fue «una amistad muy intensa, muy fuerte, muy íntima y muy bonita». Asociadas, fundaron la casa productora Madrecine, cuyo objetivo primigenio fue edificar la ópera prima de Cruz, titulada Nudo mixteco, un venidero largometraje donde Carreras debuta en el departamento de producción y que (pospuesto su lanzamiento por el COVID-19) tentativamente iniciará una corrida en festivales el año entrante.

Finalmente, acerca de su próximo largometraje como directora y guionista, la ganadora del Ariel por Mejor guion original (La jaula de oro) comentó a Cine PREMIERE estar a la espera de fondos y adelantó algunos detalles de producción.
«La intención era filmar este año, pero bueno, ya sabemos qué pasó… Es un proyecto que se llama Póstumo y no he dicho nunca de qué se trata, ni voy a decir nunca de qué se trata, porque es un proyecto donde lo importante son las revelaciones que se van haciendo dentro de la historia y es muy difícil describirlo sin contar las revelaciones. Es un proyecto súper chiquito. Son dos personajes, una locación, un set, una noche. Entonces es muy íntimo, es muy personal […] Está construido a partir de la fantasía o el realismo mágico».
Tamara y la Catarina, escrita y dirigida por Lucía Carreras, está disponible a través de la plataforma MUBI desde el pasado 29 de noviembre.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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