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Utopia es “Stranger Things conoce a Quentin Tarantino”: Rainn Wilson

¿Antojo de una historia sobre teorías conspirativas o de crisis virulentas, que hoy en día poco se distinguen del mundo real? Entonces quizá quieras echar un ojo a la serie original de Prime Video Utopia, la cual ya está disponible en México desde dicha plataforma streaming. Uno de los miembros clave de su reparto es Rainn Wilson (The Office), quien interpreta al Dr. Michael Stearns, un investigador científico que cree haber hallado la manera de detener la propagación de un mortífero virus dentro de la ficción.
Mientras tanto, un quinteto de jóvenes colegas busca la solución a aquella problemática global (y a tantas otras) mediante una inesperada fuente de información: una críptica novela gráfica titulada «Utopia».

Una sinopsis de la flamante serie de Prime Video dicta lo siguiente:
«Utopia es un thriller conspirativo sobre un grupo de jóvenes fanáticos que descubren que la conspiración de un elusivo cómic, «Utopia», es real. La historieta predice el fin de la humanidad y del mundo tal como lo conocemos, y empuja a estos marginados a embarcarse en una arriesgada y retorcida aventura donde usan lo que descubren para salvarse a sí mismos, a los otros y, finalmente, a la humanidad».
Se trata del remake estadounidense de un show originalmente británico, cuyas dos únicas temporadas fueron transmitidas por Channel 4 entre 2013 y 2014. Su reinvención americana tuvo como creadora a Gillian Flynn, mejor conocida por escribir la novela Gone Girl y también la homónima adaptación fílmica, dirigida por David Fincher.
Vean a continuación lo que el actor Rainn Wilson comentó a Cine PREMIERE hace algunas semanas respecto a su papel en Utopia, como también a la cualidad violenta y humorística de esta serie de ciencia ficción, que él mismo describió como si Stranger Things fuera dirigida por Quentin Tarantino. ¿Será?

La showrunner de la serie es Gillian Flynn. ¿Cómo fue trabajar con ella?
RW: Yo no conocía a Gillian en absoluto antes de que me ofreciera el papel, pero estaba familiarizado con Gone Girl y algunos de los thrillers que ha escrito. Estoy muy impresionado con Gillian, amé mucho trabajar con ella. Creo que su visión es realmente fantástica. Ella parece una estadounidense normal, como un ama de casa de la zona centro de país, pero no dejen que la apariencia los engañe, porque ella es un demonio. Ella está loca. Su sentido del humor está muy trabajado, es retorcido y divertido. Su sensibilidad es muy oscura y perturbada. Me encanta que le hayan dado rienda suelta para Utopia y así pudiera mostrar todo ese lado de ella. Simplemente ha sido un placer trabajar con Gillian.
¿Cuál fue tu primera reacción al guion de Utopia?
RW: Gillian Flynn me ofreció el papel. Me mandaron como seis guiones y francamente estaba un poco escéptico. Decía: ‘Yo no sé nada sobre esto’ y sabía que yo no figuraba en el piloto. Pero entonces comencé a leer y me enganché de inmediato. Planeaba leer sólo como uno y medio [guiones] y leí el primero, el segundo, el tercero y simplemente seguí y seguí. Estaba enganchado, ¿sabes? Amé los personajes y especialmente amé mi personaje. Pensé que era muy diferente a cualquier cosa que haya interpretado antes, este tipo de científico que vive en un sótano y que se embarca en un viaje indignante. Tiene mucha integridad pero humor al mismo tiempo. Así que estaba dentro, muy emocionado de formar parte de eso.
¿Cómo fue tu preparación para interpretar a un científico?
RW: Cuando conseguí el papel, regresé a la universidad y obtuve mi doctorado en biología molecular [risas] Mi broma hubiera funcionado mejor si pudiera pronunciar “molecular”… No, realmente no hice mucha investigación como científico. La ciencia es el fondo y se hace referencia a ella. Si hubiera tenido que utilizar muchos instrumentos científicos o lidiar con mucha jerga científica, hubiera profundizado en ello un poco más. Pero, para mí, la preparación fue más emocional y psicológica para que el doctor Michael Stearns emprendiera este viaje. Él comienza como un tipo muy pequeño, trabajando en el sótano de una universidad con un campo de estudio muy estrecho, y entonces se ve empujado al escenario mundial. Es una trayectoria emocionante la que sigue, entonces yo estaba trabajando más por ese lado.

El show cuenta la historia, muy oportuna en este momento, de una pandemia. Es algo casi aterrador. ¿Cómo te sientes al ver Utopia en los tiempos actuales, especialmente siendo tu personaje un científico directamente involucrado en la investigación de un virus?
RW: Sí, es realmente algo espeluznante formar parte de un show que versa sobre una pandemia viral y, en el centro de ella, estar interpretando a un científico que es un virólogo. Estaba bromeando el otro día sobre que la gente acusará a Jeff Bezos [director ejecutivo de Amazon] de iniciar la pandemia [de coronavirus] para que la gente viera Utopia. Esa será la siguiente teoría conspirativa. Es bastante escalofriante, de cierto modo aterrador, y sin embargo pienso que [esta coincidencia] hace que el show sea aún más relevante ahora. Creo que las personas realmente estarán intrigadas por este show que fue producido en 2019 y que es sobre una pandemia, la cual tiene tantos ecos de lo que está pasando en el mundo.
Hay muchas personas, especialmente durante la crisis del COVID-19, que no han creído en las recomendaciones científicas sobre cómo hacer frente a un virus. ¿Cuál es el mensaje que tu personaje, como científico, puede compartir al mundo a lo largo de la serie?
RW: Estoy muy emocionado de interpretar a un personaje que es un científico, que es un hombre de ciencia y de palabra, basado en la ciencia y en los hechos, dentro de este mundo indignante con conspiraciones que hay tanto en el mundo de Utopia como en el mundo real. Simplemente pienso que la ciencia es súper importante. No sé qué le ha pasado a la humanidad, pero parece que una tercera parte de los seres humanos del planeta han abandonado la ciencia, la toma de decisiones basada en hechos. Es absolutamente loco para mí que la gente no crea en el cambio climático, no crea que los cubrebocas sean útiles, no acate a los científicos ni crea en ellos. Es demencial. No sé si encarnar al Dr. Michael Stearns haga alguna diferencia pero me alegra estar del lado de la ciencia.
Tampoco es un buen momento para las salas de cine debido a la actual situación del mundo, y los servicios streaming se han vuelto más importantes para la audiencia. ¿Tú crees que serán aún más relevantes en el futuro?
RW: Es un gran punto. Es interesante este alejamiento de las películas y esta aproximación a la televisión. Y lo pienso así porque más personas están reproduciendo contenidos en casa. Cuando yo crecía viendo televisión, la televisión era de este tamaño [pequeña] y tenía una terrible calidad de imagen. Ahora por $600 dólares puedes adquirir una pantalla del tamaño de una pared y con una calidad de imagen muy clara. Es como tener una pequeña sala de cine en tu casa. Puedes ver una película de dos horas en tu hogar pero hay algo en la cualidad semanal de volver a los personajes y emprender un viaje que parece prestarse mucho mejor a la visualización en casa. Creo que la televisión y las series limitadas son la tendencia a futuro, aunque no creo que las películas se acaben nunca. Siempre amaremos las grandes películas porque generan algo realmente especial, brindan esa increíble experiencia de dos horas. Pero también nos encanta el modo extenso [seriado] de contar las historias. Aparentemente la gente lo ama alrededor del mundo.

Hasta ahora, ya eres un especialista en remakes estadounidenses de series televisivas británicas. ¿Cómo te aproximas a los materiales originales? ¿Te gusta verlos primero o prefieres no verlos en absoluto?
RW: Cuando hice la versión americana de The Office, yo ya era un gran fan de The Office de la BBC. Pensaba que era absolutamente brillante y estaba emocionado de participar en un remake estadounidense. Dicho esto, no quería hacer sencillamente mi versión de Gareth Keenan, sino que quería hacer de Dwight Schrute su propia persona, su propio tipo de personaje. Siento que tuvimos éxito al hacer eso. Respecto a Utopia, yo no vi la serie original, la serie de Reino Unido. Tal vez lo haga ahora, pero sabía que realmente no había un personaje corolario que fuera un virólogo al centro de esta suerte de conspiración. Entonces no había ninguna necesidad mía de verla. No quería que su vibra me tentara. Y creo que eso es lo importante. Si vas a reinventar un show, tienes que saber por qué lo estás haciendo. En este caso, Gillian Flynn está tomando los huesos del show original en aras de hacerlo para una audiencia masiva, para que sea disfrutado en todo el mundo por quienes gusten de thrillers, humor negro, violencia indignante y personajes alocados. La describí antes como “Stranger Things conoce a Quentin Tarantino”. Entonces, para las personas a quienes les gusten esos shows, creo que tenemos algo único para ellos.
La serie británica llegó a recibir muchas quejas de brutalidad y Gillian Flynn ha declarado que su versión de Utopia no será tan violenta como su contraparte. ¿Estarías de acuerdo en que la representación de la violencia se contiene en esta nueva versión?
RW: Creo que hubo una controversia con la versión británica de Utopia por toda la violencia que había en ella y a mucha gente le pareció gratuita. Pienso que nuestro show, el show de Gillian, es muy violento. Hay momentos de violencia impactante que suceden, pero todo está dentro de los límites de la historia. No quieres que la violencia anule la historia, sólo quieres que la violencia sea parte de la historia, así como quieres que el humor también sea parte de ella. Hay estos aspectos que quieres que te ayuden a contar la historia. No quieres una violencia al mínimo pero tampoco que sea demasiada. Se trata de encontrar un balance. La gente está habituada a mucha violencia y nuestro show contiene violencia, pero no es sobre violencia. Es realmente sobre estos personajes emprendiendo un viaje escandaloso.
¿Qué puede esperar la audiencia de esta serie? ¿Qué clase de show será?
RW: Es lo maravilloso de este show, que es varias cosas en una. Es un thriller, es una comedia —una comedia muy oscura—, es sobre teorías conspirativas, cuenta con algo de ciencia ficción y también con cierto comentario social. Realmente retoma muchos géneros diferentes, todos al mismo tiempo. Entonces si eres fan de una o dos de aquellas cosas, creo que la gente realmente estará encantada con Utopia. Es en verdad un paseo palpitante. Estos ocho episodios vuelan, te quitan el aliento y son muy emocionantes. La gente estará muy emocionada de esperar, con suerte, una segunda temporada.

¿Tú crees en las teorías conspirativas? ¿Cuál es tu favorita?
RW: Yo creo en teorías conspirativas, aunque quizá no en aquéllas que comúnmente asumimos como teorías conspirativas. No creo que el 9/11 fuera emprendido por el gobierno de Estados Unidos, no creo que Stanley Kubrick haya falseado el aterrizaje en la Luna, no creo que hubieran múltiples tiradores en el asesinato de JFK. Pero sí creo en la conspiración de que las compañías energéticas y petroleras han intentado ofuscar la ciencia alrededor del cambio climático durante décadas. Han hecho que las personas no crean que fuera provocado por el hombre o piensen que su contribución al cambio climático fue mínima, además de que restan importancia a los efectos del cambio climático sólo para obtener beneficios a corto plazo. Ésta es una enorme teoría de conspiración y en realidad ha sido comprobada, está basada en hechos. Puedes leer artículos al respecto, puedes ver memos internos de oficina sobre eso. Es el tipo de teorías conspirativas en las que creo, aquéllas que están basadas en hechos y en ciencia.
Más conspiración aguarda en Utopia, cuyos ocho capítulos ya están disponibles a través de Prime Video México. ¿Ya la vieron? ¿Qué les pareció?
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
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Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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