Cine y Tv
FICM 2020: Matt Dillon rinde tributo al genio musical de El gran Fellove

El actor y cineasta estadounidense Matt Dillon rescata la historia de uno de los mayores enigmas de la música latina del siglo XX en El gran Fellove, documental que narra la vida y la grabación del último disco del cantante y showman cubano de scat Francisco Fellove. La película se proyectará en el marco de la 18ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), que se llevará a cabo del 28 de octubre al 1 de noviembre.
Rodeado de música latina durante su infancia en Nueva York, Matt Dillon explicó en conferencia de prensa virtual que siempre ha tenido una gran afinidad por la música afrocubana. Buscando vinilos en una tienda de discos en La Habana, Dillon descubrió la figura de Francisco Fellove. Ahí comenzó una obsesión por el músico cubano que compartió con su amigo, el compositor Joey Altruda, quien le ayudaría a localizar a Fellove en la Ciudad de México en 1999. ‘El grande’ fue uno de los numerosos músicos caribeños que emigraron a nuestro país durante la década de los 50.
“Lo que fue hermoso fue ser capaz de dar voz a la gente que estuvo ahí y experimentó esa época, a los cubanos que fueron básicamente exiliados a México, lo que significó para ellos y para los músicos mexicanos con quienes trabajaron. Para mí, este filme regresa a casa en Morelia”, aseguró el director. “México es dónde todo comenzó para Fellove, allí es donde recibió el sobrenombre de ‘El grande’ y hacia el final de su carrera se convirtió en un ciudadano mexicano. Para todos los músicos con los que puede hablar, México era la tierra prometida, les presentaba oportunidades que no existían para ellos en Cuba”, añadió.

Francisco Fellove Valdés nació el 7 de octubre de 1923 en una familia de rumberos de La Habana. Desde muy joven, Fellove se destacó por su carisma, personalidad magnética y virtuosismo en el manejo del scat, una técnica de improvisación surgida del jazz que consistente en inventar melodías a base de sílabas, sin palabras. Con sólo 17 años, él compuso el clásico tema Mango mangüé, pero optaría por abandonar Cuba en busca de mejores oportunidades. En México, Fellove encontró el éxito anhelado y por algunos años su figura brilló junto a otros contemporáneos cubanos como El Niño Rivera, Tito Puente, Chico O’Farrill, Olga Guillot o Celia Cruz.
El segundo largometraje de Matt Dillon comenzó a gestarse cuando en aquel encuentro inicial, Joey Altruda le propuso a un semiretirado Francisco Fellove, de 77 años, grabar un último álbum musical. Mientras Fellove y Altruda preparaban el disco, Matt Dillon se ofreció para capturar cientos de imágenes y momentos de este proceso, sin tener en claro que haría con dicho material. Entonces, él conoció al productor mexicano Carlos Sosa (Sanctorum), quien le convencería de que la historia de El gran Fellove merecía ser contada en la gran pantalla.
“Lo primero que nos enganchó [a los productores] fue la pasión de Matt [Dillon]. Cuando nos conocimos hace ya 12 años en España, lo primero que me dijo cuando le comenté que era mexicano fue: ‘¿conoces a [Francisco] Fellove?’ A partir de allí empezamos a hablar y nuestra amistad se basó mucho en empezar a hablar de Fellove”, recordó el productor Carlos Sosa. “Yo no conocía a Fellove, me puse a investigar sobre él, pero justo creo que lo que nos unió a todos los productores, y lo que nos hizo seguir este viaje, que fue largo, fue que era una película hecha más con corazón, que buscaba ser una carta de amor a la música, al mismo Fellove y a México”.
El documental, que tuvo su premiere mundial como parte de la Competencia Oficial del pasado Festival de Cine de San Sebastián, se adentra profundamente en la vida y obra de Francisco Fellove, por medio de testimonios, material fotográfico, videos de archivo y el metraje capturado por Matt Dillon durante más de una década. La cinta narra desde sus orígenes humildes como un músico en aprietos en Cuba, pasando por su éxito tardío en México, hasta la grabación de su último álbum y el amor contagioso que transmitió por la música hasta el final de sus días.
En ese sentido, Matt Dillon relató una conmovedora historia acerca de un viaje que realizó a México para comenzar la producción del documental en 2013, el cual coincidió lamentablemente con los últimos momentos de Fellove. “Cuando llegué a México en 2013, Carlos [Sosa] me recogió en el aeropuerto y me dijo que tenía malas noticias, que a [Francisco] Fellove lo habían sacado de La Casa del Actor y lo llevaron a un hospital porque su estado de salud se había deteriorado”, narró. Aunque Matt deseaba verlo en ese momento, ya no pudo convivir una última vez con él en persona. “Cuando volví a casa me di cuenta que tenía una película muy especial (…) Siento que le había hecho un promesa, que yo contaría su historia. Él sabía que sucedería, pero también sabía que no sucedería en tiempo para que él pudiera verla”.
Por supuesto, Matt Dillon es mejor conocido por su prolífica carrera como actor, en cuya filmografía destacan películas como Rebeldes (Francis Ford Coppola, 1983), Drugstore Cowboy (Gus van Sant, 1989), Singles (Cameron Crowe, 1992), Loco por Mary (Bobby y Peter Farrelly, 1998), Crash (Paul Haggis, 2004) –por la que fue nominado al Óscar, como Mejor actor de reparto– y The House that Jack Built (Lars von Trier, 2018). En 2002, Dillon protagonizó, escribió y realizó su debut en la dirección con el filme City of Ghosts. El gran Fellove significará su primer esfuerzo en el terreno documental.

Para conocer más acerca de las proyecciones, invitados especiales y actividades de la 18ª edición del FICM, te invitamos a dar clic en el siguiente ENLACE.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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