Musica
La dualidad del deseo y el amor en la era digital: Una entrevista con Bob Moses
Bob Moses es un dúo de música electrónica basado en Vancouver, Canadá. Por lo menos eso dice Wikipedia. Pero cualquiera que haya seguido la carrera de los canadienses sabe perfectamente que desde hace 8 años ellos están basados en todo el mundo. Desde el momento que lanzaron su EP debut Hands to Hold sólo el 2017 se ha salvado de ver nuevo material de la banda y de sus giras por todo el planeta.
Conformada por Tom Howie y Jimmy Vallance, Bob Moses se describe como una banda cuyo propósito es disfrutar. Disfrutar de su cumbre creativa, de su juventud y de la posibilidad de conocer diferentes culturas haciendo lo que más aman. También son una banda que se define por sus presentaciones en vivo. Ellos componen su música para ser tocada en vivo.
Bob Moses. Foto: Tim Mosenfelder/Getty Images
Vaya predicamento para los tiempos que vivimos y más aún con un nuevo proyecto entre manos. El dúo de electrónica ha estado trabajando en su nuevo EP llamado Desire. Conformado por seis canciones hechas para tocarse como un DJ Set, Bob Moses nos regala hoy su primer sencillo homónimo en colaboración con el productor ZHU y un concepto profundo que con seguridad te hará replantearte muchas cosas.
Tuvimos la oportunidad de hablar con los canadienses para que nos contaran un poco del momento por el que están pasando como banda, su nueva rola y del concepto de las relaciones en la era digital y los deseos que nos impulsan como humanos que tocan a lo largo de su proyecto.
Bob Moses. Foto: Rick Kern/Getty Images
Bob Moses aterriza por la pandemia
“Nosotros ya estábamos planeando estar este año en un modo de hacer un disco. Somos muy afortunados porque tenemos amigos que acababan de lanzar un disco y se preparaban para salir de gira cuando pasó todo esto. Nosotros trabajamos en este material cuando estábamos de gira, y nos estábamos preparando para aterrizar un poco, relajarnos y empezar un momento creativo. Somos muy afortunados en ese sentido”.
“De igual manera íbamos a tener como 50 conciertos este año y todos se cancelaron. Pero 50 shows en un año es muy tranquilo para nosotros. Igual los queríamos hacer. Todo ha estado bien. Hemos usado esta oportunidad para calmarnos y hundirnos en nuestra creatividad. Es como ir al gimnasio, cuando lo haces mucho, todos los días, realmente te mentes a esa vibra y lo estamos disfrutando mucho. Esta es la primera vez que no hemos estado en un avión en años. Cuando apenas empezaba la cuarentena, pensé ‘Esta es la primera vez en ocho años que no me subo a un avión en seis semanas seguidas’”.
Bob Moses. Foto: Steve Jennings/Getty Images
Su colaboración con ZHU
Bob Moses ha demostrado a lo largo de su carrera que no necesita nada más que la habilidad de Jimmy en los controladores y la guitarra y voz de Tom para crear proyectos de muchísima calidad. Sin embargo, tampoco han sido extraños a la idea de colaborar con otros artistas. Entre algunos se encuentran sus similares Hayden James y Rüfüs Du Sol, pero ahora decidieron unir fuerzas con ZHU, un músico que en los últimos años ha tenido un crecimiento en la escena espectacular.
“Conocimos a ZHU en un festival de música en el que tocamos y él tocaba también. Siempre hemos sido fanáticos mutuos de nuestro trabajo. Nos llevamos bien como personas y cuando estábamos en tour con nuestro último disco cuando teníamos oportunidad, algunos días libres entre conciertos, tratábamos de meternos al estudio. Sólo queríamos seguir trabajando y dejar fluir el proceso creativo”.
Bob Moses. Foto:y Steven Ferdman/Getty Images
También puedes leer: BOB MOSES NOS DICE LA IMPORTANCIA DE DECIR ALGO A TRAVÉS DE LA MÚSICA
“También queríamos abrirnos a colaborar con personas que respetamos y ZHU es una de ellas. Entonces estábamos en Los Ángeles entre conciertos y él estaba por ahí. Sólo dijimos: ‘hay que juntarnos e intentar algo’, y esta canción salió bastante rápido. A veces en el estudio hay lucha y a veces hay magia y todo se da de manera fácil. Siempre esperas esos momentos y todo salió muy bien. La mezcla entre ZHU y nosotros nos retó y esperamos que también lo haya retado a él. Estamos muy felices con el resultado”.
Mucho ha hablado Bob Moses de la química que tienen como equipo. Se complementan a la perfección en el estudio, en sus giras, entienden sus fortalezas y debilidades, pero sobre todo, son grandes amigos. Se quieren por ser buenas personas y ahora nos platican que lo mismo sucedió con ZHU. Una vibra de hermandad inundó el estudio para lograr una colaboración fácil, divertida y equitativa.
Bob Moses en Coachella. Foto: Frazer Harrison/Getty Images
“Se sintió muy natural. Ya éramos amigos pero nunca habíamos trabajado juntos. Lo bueno es que en cuanto nos metimos al estudio supimos que todo iba a salir muy bien. La cuestión es que todos hacemos música diferente. Todos agarran diferentes melodías y diferentes ritmos. Algunas cosas que él hizo nosotros no hubiéramos podido llegar a ellas por nuestra cuenta. Él cantaba algo, luego Tom complementaba y así seguíamos. Fue muy colaborativa”.
“Creo que lo que él puso en la mesa es que es diferente a nosotros y trabaja diferente. Lo que escuchan es realmente una mezcla 50/50 de nosotros y él encontrando un lugar en común”.
Historias de amor en la era digital, el deseo y la vida
Extrañamente, Bob Moses meses antes de la pandemia se planteó un concepto que hoy es más importante que nunca. La banda pensó en los deseos y el amor en la era digital. A partir de ahí empezaron a construir, a preguntarse y a responder qué es el deseo, qué es el amor y cómo existe a través de las plataformas digitales. Les preguntamos de dónde salió esta idea y cómo crearon Desire a partir de ella.
Bob Moses. Foto: Josh Brasted/Bob Moses
“Creo que naturalmente seguimos el concepto de lo que estábamos escribiendo. “Desire” es parte de un EP de seis canciones que meditan y contemplan el deseo y cómo se ve eso en los tiempos actuales. Ya sea cómo queremos ser percibidos por otros, qué queremos del mundo o qué quiere de nosotros y a veces si sigues tus deseos te pueden liberar o llevarte a tu ruina”.
“Creímos que… Cuando escribes música no siempre sabes conscientemente qué es lo que estás haciendo. Simplemente sigues tu instinto. A veces haces una pregunta y obtienes una respuesta que la sigues. Jimmy y yo pensamos en el concepto, pensamos en la letra “No quiero tus deseos / Sólo quiero ser libre”. Creímos que eso era una etiqueta muy interesante y naturalmente seguimos trabajando el concepto. Creemos que es algo muy universal”.
Bob Moses. Foto: Timothy Hiatt/Getty Images
Todos durante este tiempo encerrados, nos hemos cuestionado cosas. Nuestro estilo de vida, qué es lo que queremos para nosotros mismos y qué no. Nos replanteamos las cosas importantes. El origen de nuestros deseos. ¿Son egoístas?, ¿a dónde nos van a llevar?
“Cuando entramos en la cuarentena empezamos a pensar en qué es lo que queremos de esta vida y no tener la posibilidad de tenerlo porque no se puede. Empezamos a pasar más tiempo en las redes sociales, ¿sabes? Siento que en estos tiempos que estamos viviendo hay una extraña confusión de lo que es real y lo que no, y nos sentimos profundamente inspirados y lo que está en este EP es el resultado de esos sentimientos”.
La dualidad en el video de “Desire”
“Desire” llegó en conjunto con un video que además de ser una genialidad artística digital nos mete con muchísima más fuerza al concepto del deseo. Nos muestra una dualidad que viene intrínseca. ¿Hasta dónde el deseo nos puede llevar a cosas positivas y hasta dónde puede llevarnos a nuestra perdición? La dualidad que nos presentan es el rojo y el azul, el hombre y la mujer. ¿Qué significa querer algo y no poder tenerlo?
Bob Moses. Foto: Xavi Torrent/Getty Images
“Eso fue muy importante. Fue muy divertido trabajar con los diseñadores gráficos. Tuvimos este concepto con la portada del álbum en la que quisimos algo como arte callejero y es algo llamado “an eclectic” que se basa en el rojo y el azul. Entonces quisimos continuar con ese enfoque en el video musical y pensamos que sería muy cool usar el azul y el rojo para contar la historia de tener los deseos y finalmente tenerlos”.
“A veces lo que quieres no es necesariamente bueno para ti. Los deseos pueden ser una carga y nos sentimos muy inspirados por la historia de la mitología griega “Icarus”, quien voló muy cerca del sol y quemó sus alas para caer hasta su muerte. Nos inspiramos mucho en esta escena. Es la historia de una pareja que va cayendo y el viaje por el que pasan. Estamos muy contentos con el resultado. Creemos que es un concepto increíble y la gente va a tener la posibilidad de cambiar la historia que quieran ver”.
El video no solamente nos maravilla con su arte y con una historia que se fundamenta en la mitología griega. También te da la oportunidad de interactuar con él. A través de un reproductor de video que se llama Eko, los fans podrán seguir la historia con la que deseen interactuar. La idea es innovadora, es relevante, pero es importante saber la perspectiva de Bob Moses que los impulsó a tomar la decisión de permitirle al espectador la posibilidad de cambiar de historia.
“Creo que es una forma muy entretenida de interactuar con el video y de hacer pensar a la gente sobre los dos diferentes lados del deseo. El sentimiento del deseo te puede llevar al mejor lugar posible pero también a tu ruina. Creemos que tener la posibilidad de ver el video y poder elegir entre los dos lados ayudaría a las personas a relacionarse con la música, con el video y con el tema”.
Bob Moses en Coachella. Foto: Emma McIntyre/Getty Images
“De examinar la dualidad del deseo dentro de sus propias vidas y deseos. Ese es el objetivo de la canción y básicamente es el objetivo de todo el EP. Esperamos que inspire a la gente a examinar sus propias vidas y qué deseos deben controlar y cuáles perseguir. Creemos que es muy importante en esta vida”.
Cuando hablamos del deseo y de las relaciones humanas en los tiempos tecnológicos, como todo en la vida hay pros, contras y hay enseñanzas. Como en la dualidad del concepto que plantean. Hay un rojo y un azul, hay deseos que te llevan al bien y otros al mal. Le preguntamos a Bob Moses cuáles son estos puntos positivos y negativos de los tiempos en los que vivimos y que los han llevado a profundizar tanto en la vida misma.
“¡Wow! Es es una grande. Creo que es imposible mencionarlas todas pero creo que mucho de lo que se ha mostrado en esta pandemia son las áreas en las que debemos unirnos y apoyarnos y creo qué hay muchas áreas que hemos dado por sentado en nuestra sociedad. Creo que debemos celebrar y respetar nuestras diferencias y que hay muchas cosas muy cool surgiendo. Como darnos cuenta que el racismo y los prejuicios existen y que tenemos que trabajar en ellos”.
Bob Moses en Coachella. Foto: Frazer Harrison/Getty Images
“Creo que pensamos muchas veces que nuestra sociedad está súper avanzada pero se nos ha mostrado todas las áreas en las que debemos mejorar. Nos hemos dado cuenta que estamos mucho más interrelacionados de lo que pensábamos. Es un buen momento para pensar en todo eso y recordar que nos necesitamos, que dependemos el uno del otro y que todos estamos juntos en esto”.
“Todos queremos lo que queremos para nosotros mismos pero también tenemos que pensar en lo que queremos como un colectivo. Tenemos que acordarnos de los demás y aceptarnos por quienes somos. Esa es la gran lección en este momento, con esta pandemia. Muchos de los movimientos que han surgido también son algo de lo que esperamos que la gente piense al escuchar nuestro EP y hacer que vean hacia adentro de ellos y que piensen en lo que realmente quieren del mundo. Esperemos que cuando se abra el mundo podamos salir y hacerlo mejor”.
Bob Moses. Foto: Mat Hayward/Getty Images
La entrada La dualidad del deseo y el amor en la era digital: Una entrevista con Bob Moses se publicó primero en Sopitas.com.
ues de anuncios individuales.
El 26 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Miles Dewey Davis III, el trompetista estadounidense que transformó el jazz y que redefinió la manera en que la música moderna entiende la innovación. A un siglo de su llegada al mundo, su figura permanece como una de las más influyentes del siglo XX: un artista incapaz de repetirse, obsesionado con anticipar el futuro sonoro incluso cuando eso significaba incomodar a su propio público.
Trompetista, compositor y líder de banda, Davis convirtió cada etapa de su carrera en un punto de inflexión para el jazz. Desde el bebop hasta la fusión eléctrica, su trayectoria -que abarcó cinco décadas- puede leerse como una historia paralela del desarrollo del género durante la segunda mitad del siglo pasado.
Un oído formado entre tradición y cambio
Miles Davis nació en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, aunque creció en East St. Louis dentro de una familia afroamericana de clase media acomodada.
Su entorno familiar estuvo marcado por la música desde temprana edad: su madre tocaba el violín y su hermana interpretaba piezas clásicas al piano, mientras que el gospel, el blues y el jazz entraban en su vida a través de la radio, la iglesia y los viajes familiares.
A los diez años recibió su primera trompeta, regalo que definiría su destino. Bajo la guía del trompetista Elwood Buchanan, comenzó a desarrollar un estilo poco convencional, alejado del virtuosismo explosivo dominante en la época. Buchanan insistía en evitar el vibrato excesivo, una enseñanza que terminaría moldeando el sonido íntimo y contenido que caracterizaría a Davis durante toda su carrera.
El propio músico recordaría años después la influencia decisiva de su mentor Clark Terry. “La influencia principal que recibí debe haber sido Clark Terry… íbamos a una jam y el lugar se llenaba en diez minutos. Venía a mi casa, pedía permiso a mi padre y me llevaba a tocar desde las seis de la tarde hasta las seis de la mañana”.
Aquellas sesiones marcaron su formación práctica mucho más que cualquier aula.
Nueva York y el nacimiento del jazz moderno
En 1944, con apenas 18 años, Davis se mudó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Sin embargo, su verdadera educación ocurrió fuera de las clases, en los clubes nocturnos de la Calle 52, donde el bebop estaba revolucionando el lenguaje musical.
Allí conoció a figuras clave como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes lo integraron a la nueva corriente musical. Davis describió aquel encuentro decisivo con humor y asombro. “Ni siquiera reconocí a Dizzy cuando me preguntó si tenía carnet del sindicato. Yo solo quería escucharlo tocar, pero terminé subiendo al escenario”.
La experiencia confirmó que su aprendizaje debía darse dentro del movimiento creativo que estaba transformando el jazz.
De “Birth of the Cool” al cambio constante.
A finales de los años cuarenta, Davis reunió un noneto con una instrumentación inusual que incluía trompa y tuba. Aunque las grabaciones iniciales pasaron desapercibidas, posteriormente serían publicadas como “Birth of the Cool” (1957), obra fundamental que dio nombre al cool jazz y abrió una nueva sensibilidad sonora menos frenética que el bebop.
Davis continuó cambiando de rumbo. Tras el cool jazz llegó el hard bop, donde recuperó la energía del rhythm and blues; después, el jazz modal, basado en escalas más que en progresiones armónicas tradicionales. Este periodo produjo obras esenciales como “Milestones” (1958) y el legendario “Kind of Blue” (1959), considerado uno de los discos más influyentes de la historia.
Piezas como “So What”, “All Blues”, “Blue in Green”, “Solar” y “Four” muestran la amplitud estética de su obra y explican por qué su música sigue siendo objeto de estudio.
El riesgo eléctrico y la incomprensión
A finales de los años sesenta, fascinado por el rock, el funk y el soul, Davis volvió a romper expectativas al incorporar instrumentos eléctricos y ritmos más agresivos. Álbumes como “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) marcaron el nacimiento del jazz fusión.
La decisión provocó rechazo entre sectores puristas del jazz, que consideraron su electrificación una traición. Sin embargo, el tiempo consolidó esas grabaciones como una expansión definitiva del género.
Su capacidad para adelantarse a las tendencias fue constante: mientras muchos músicos perdían impulso creativo con los años, Davis seguía reinventándose.
Retiro, regreso y apertura al hip-hop
En 1975 se retiró temporalmente debido a problemas de salud y adicciones. Durante cinco años permaneció alejado de la vida pública, hasta regresar en 1980 con una nueva etapa creativa marcada por la exploración tecnológica y sonora.
Incluso en sus últimos años se mantuvo atento a nuevas corrientes musicales. Su álbum final, “Doo-Bop” (1991), incorporó elementos del hip-hop, anticipando el diálogo entre jazz y cultura urbana que se volvería común décadas después.
No es casual que artistas como The Roots, Mobb Deep, Notorious B.I.G., Outkast o Queen Latifah hayan sampleado su música, confirmando su influencia más allá del jazz.
El legado de una mente adelantada
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, a los 65 años, tras complicaciones derivadas de enfermedades respiratorias, un accidente cerebrovascular y neumonía. Su último disco fue publicado de manera póstuma, cerrando una carrera marcada por la búsqueda constante.
Dueño de un sonido irrepetible
El sonido de la trompeta de Davis -frecuentemente interpretada con sordina Harmon- se distinguía por su lirismo, frases breves y una intensidad introspectiva que contrastaba con el virtuosismo dominante. Su estilo demostraba que la emoción podía surgir tanto del silencio como de la nota.
A lo largo de su trayectoria, convivió creativamente con gigantes del género, entre ellos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, formando parte del reducido grupo de artistas que redefinieron el rumbo del jazz y lo dotaron de una expresividad que rompió moldes.
El líder que construía sonidos colectivos
Parte del mito de Miles Davis reside en su habilidad para reunir músicos excepcionales y convertirlos en catalizadores de nuevas ideas. Aunque la autoría de algunas composiciones ha sido discutida -como el caso de “Blue in Green”, frecuentemente asociado al pianista Bill Evans- el resultado final siempre llevaba su sello artístico.
Más que imponer, Davis dirigía mediante la escucha y la intuición, nutriéndose de la creatividad colectiva para construir un sonido propio.
Cinco discos para entender su carrera
“Birth of the Cool” (1957)
El álbum que dio nombre al cool jazz. Davis rompió con la velocidad frenética del bebop y apostó por arreglos más sofisticados, atmósferas contenidas y un sonido elegante que cambiaría el rumbo del jazz moderno.
“Milestones” (1958)
Disco puente hacia el jazz modal. Aquí comenzó a abandonar las progresiones armónicas complejas para explorar estructuras más abiertas basadas en escalas, anticipando su obra maestra del año siguiente.
“Kind of Blue” (1959)
Considerado el disco de jazz más influyente de todos los tiempos. Con John Coltrane, Bill Evans y Cannonball Adderley, Davis creó una obra accesible, introspectiva y revolucionaria. Incluye clásicos como “So What” y “All Blues”.
“Sketches of Spain” (1960)
Su etapa más experimental y orquestal junto al arreglista Gil Evans. Fusionó jazz, música clásica y sonidos españoles en una obra atmosférica y cinematográfica encabezada por una reinterpretación del “Concierto de Aranjuez”.
“Bitches Brew” (1970)
El disco que detonó el jazz fusión. Davis incorporó instrumentos eléctricos, rock, funk y largas improvisaciones colectivas. Fue polémico en su momento, pero redefinió el jazz contemporáneo e influyó en generaciones posteriores.
CT
ues de anuncios individuales.
Source link
Musica
Zapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
La música tomó las calles de Zapopan y convirtió el centro del municipio en una celebración colectiva. Desde temprana hora del sábado, miles de personas comenzaron a reunirse entre la Plaza de las Américas, el Andador 20 de Noviembre y las inmediaciones de la estación Zapopan Centro de la Línea 3, donde se realizó la quinta edición de la Fiesta de la Música Zapopan 2026.
La jornada que se extendió desde las 17:00 horas hasta la medianoche. Familias, jóvenes, parejas y grupos de amigos caminaron entre escenarios, puestos de arte y zonas de convivencia mientras el sonido de guitarras, metales y percusiones se mezclaba con el bullicio de la noche.
La edición 2026 contó con cuatro escenarios principales: Máxima Red Cola, Cultura Fest, Cultura UDG y Juventudes Zapopan, además de dos espacios complementarios donde hubo música tradicional, banda pop y karaoke. La propuesta reunió tanto a artistas emergentes como a agrupaciones con trayectoria, consolidando un cartel diverso que apostó por distintos géneros y públicos.
Entre las bandas y proyectos que formaron parte del festival destacaron Mexican Balkan Orkestar, Circo Kandela, Cruda Mata, The Tropikal Yeah! y Sr. Fillips, además de presentaciones de artistas como Paulina Jiménez, Montenegro, Silent Noir y Navit. El programa también incluyó a Apolinar, Dínamo, Habitantes, Metal Miura, Fonemics y Gargamel, entre otros proyectos locales y nacionales.
A lo largo de la tarde y la noche, el ambiente cambió constantemente de ritmo. En un escenario predominaban las fusiones balcánicas y tropicales; metros adelante aparecían propuestas de rock, rap o metal. Mientras algunos asistentes bailaban frente a las tarimas, otros recorrían el bazar de emprendedores, observaban piezas de arte urbano o participaban en dinámicas culturales instaladas en distintos puntos del centro zapopano.
La Fiesta de la Música, iniciativa que se celebra en más de 120 países, busca democratizar el acceso a la cultura y recuperar el espacio público a través del arte sonoro. En Zapopan, el festival también integró actividades complementarias como expoventa de arte, brigadas culturales y talleres impulsados por el Instituto de las Juventudes.
Uno de los aspectos que marcó esta edición fue el enfoque en accesibilidad universal. El evento contó con intérpretes de Lengua de Señas Mexicana y adecuaciones para personas usuarias de silla de ruedas, con el objetivo de ampliar el acceso a las actividades y reforzar el carácter incluyente del encuentro.
ues de anuncios individuales.
Source link
La banda colombiana Monsieur Periné anunció este miércoles su gira internacional ‘Instrucciones para ser feliz tour’, con la que ofrecerá 35 conciertos en nueve países de América y Europa para presentar en vivo su más reciente álbum.
La agrupación iniciará el tour el 27 de mayo en Buenos Aires y pasará por ciudades como Madrid, París, San Francisco, Nueva York, Ciudad de México y Caracas, en una serie de conciertos para promocionar el álbum ‘Instrucciones para ser feliz’.
El grupo, liderado por Catalina García y Santiago Prieto, aseguró que esta nueva gira representa una etapa “más íntima, luminosa y reflexiva”, en la que mantiene su mezcla característica de pop, jazz y ritmos latinoamericanos, según informó su equipo de prensa en un comunicado.
La etapa española de la gira comenzará el 1 de julio en A Coruña y continuará por Burgos, Madrid, Granada y O Grove, antes de pasar por París y regresar a España para conciertos en Cartagena y Huesca, donde cerrará su recorrido europeo.
Entre las fechas más destacadas del recorrido aparecen cuatro noches consecutivas en el auditorio SFJAZZ de San Francisco y un concierto en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México, donde se han presentado artistas como Ricky Martin, Fito Páez y Ana Torroja.
Lee: INAPAM 2026: Requisitos exactos para recibir el pago triple en mayo
La gira culminará con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá el 24 de octubre y otro en el Caracas Music Hall el 7 de noviembre.
Esta nueva gira llega después de ‘Bolero Apocalíptico Tour’, con el que Monsieur Periné recorrió entre 2023 y 2024 gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos, con conciertos en países como México, Chile, Perú y Ecuador, además de varias ciudades colombianas.
Con más de una década de trayectoria, Monsieur Periné ha alcanzado proyección internacional con temas como ‘Nuestra Canción’ y discos como ‘Bolero Apocalíptico’, ganador del Latin Grammy a Mejor Álbum Alternativo.
Además, la agrupación se ha presentado en escenarios y festivales como Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU.), el festival Lollapalooza (Chile) y el Rock in Rio (Brasil), y recientemente se convirtió en el primer grupo latinoamericano en grabar una sesión en vivo en el Museo de Historia Natural de Londres, donde interpretó una versión de ‘Jardín del Paraíso’.
Mira: Así cotiza el peso frente al dólar la mañana de este miércoles
*Mantente al día con las noticias, únete a nuestro canal de WhatsApp.
AO
ues de anuncios individuales.
Source link
-
Musica2 días agoMonsieur Periné anuncia nueva gira internacional; llegará a América y Europa
-
Deportes2 días agoMéxico vence en amistoso a Ghana, que jugó sin sus principales figuras
-
Tecnologia2 días agograban reuniones, crean notas automáticas y traducen conversaciones en tiempo real
-
Musica2 días agoAlejandro Markovhich en coma: Estas son las enfermedades que ha enfrentado el músico
-
Musica2 días agoNo importa que lo hagas mal: hacer ESTO reduce tus niveles de estrés sin importar tu talento
-
Actualidad2 días agoHay una ciudad medieval en Alemania construida en un cráter de meteorito. Sus muros esconden 72.000 toneladas de diamantes
-
Musica1 día agoZapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
-
Actualidad2 días agoEstilista de Fátima Bosch fue detenido en Cannes por agresión, YosStop hablará de su paso por prisión en un libro y Karla Souza estrenará la cinta “México 86”