Cine y Tv
Creadores de La vieja guardia comparten su opinión sobre la adaptación de Netflix
En febrero de 2017, el escritor Greg Rucka y el dibujante argentino Leandro Fernández publicaron el primer número de la novela gráfica La vieja guardia (The old guard), bajo el sello de la editorial independiente Image Comics. La historia acerca de un grupo de soldados aparentemente inmortales que han vagado por la Tierra durante varios siglos pronto atrajo la atención de la industria cinematográfica y, este fin de semana, Netflix finalmente estrena la adaptación fílmica dirigida por Gina Prince-Bythewood (Beyond the Lights) y protagonizada por Charlize Theron.
Cine PREMIERE tuvo la oportunidad de conversar con los autores de la novela gráfica en el marco del estreno del filme de acción en la plataforma. Ambos artistas cuentan con una larga trayectoria en el mundo de los cómics, incluyendo aclamados trabajos para editoriales como Marvel y DC. La vieja guardia representó su tercera colaboración tras el título independiente Queen & Country Vol. 3 Operation: Crystal Ball en 2002, y Wolverine Vol. 2: Coyote Crossing de Marvel Comics en 2004. Ambos volúmenes les valieron diversas nominaciones a los Premios Eisner, los galardones más prestigiosos en la industria del cómic estadounidense.
Greg Rucka y Leandro Fernández nos hablaron acerca de la concepción de la novela gráfica, su participación dentro de la versión cinematográfica, su opinión sobre el producto final y sus planes para dar seguimiento a esta historia en los cómics.
Greg Rucka
Novelista y autor de cómics múltiples veces ganador del Premio Eisner, Greg Rucka es uno de los escritores más célebres dentro del mundo gráfico, recordado particularmente por sus trabajos con personajes como Batman, Superman y la Mujer Maravilla para DC Comics, así como la creación de aclamadas obras como la mencionada Queen & Country y Lazarus. Rucka también estuvo a cargo de escribir el guion de La vieja guardia.
¿Cómo nació el concepto de La vieja guardia?
Surgió de un par de conceptos. Primero, yo era consiente de cierto tipo de historias de fantasmas que pueden encontrarse por todo el mundo acerca de soldados que nunca mueren y reaparecen en momentos de necesidad. Esas son la clase de historias de «fantasmas» en las que siempre he estado interesado. La otra parte es que tuve esta idea durante mucho tiempo sobre una mujer que fuese increíblemente longeva y estuviese llena de tristeza, y la razón por la que ella estaba triste era porque había vivido tanto que ha visto a todos a su alrededor morir, una y otra vez. Este par de ideas se unieron y eventualmente dieron origen a Andy. Así es como inició todo.
Esta historia se ha vendido al público como la travesía de unos guerreros inmortales, sin embargo, en los momentos iniciales tanto de la novela gráfica como de la película descubrimos que, pese a su longevidad, estos personajes también pueden morir, sólo que no saben cuándo. ¿Por qué era importante establecer esta regla?
No habría ningún peligro. Si ellos saben que jamás van a morir, desde el punto de vista dramático, tus elecciones se vuelven limitadas. Creo que era importante, al menos para mí, que ellos supieran que pueden morir, pero no saben cuándo y, aún más importante, no saben el por qué. En cierto modo esa es la manera en que todos vivimos. No sabemos cuándo nuestras vidas llegarán a su fin. Por supuesto, las reglas son distintas ya que aquello que nos mataría a nosotros no parece afectarles a ellos. Debía existir tensión y una posibilidad de que aquello que podría considerarse inicialmente como una bendición –su incapacidad de morir–, con el paso del tiempo se convierta para ellos en una maldición. Pero también debía haber una forma de escape para ellos.
Ahora, cuéntanos acerca del viaje de La vieja guardia hasta Netflix. ¿Fue una de tus peticiones para la adaptación encargarte personalmente del guion?
Tuve la idea [de La vieja guardia] por un largo tiempo y la compartí con Leandro Fenández. En ese punto, yo no había escrito nada aún. Tenía algunas notas para los personajes, pero no había escrito formalmente ninguno de los cómics. Terminé escribiendo el primer número durante el curso de una o dos noches. Cuando me senté a hacerlo fue un ejercicio de diversión total y sabiendo que Leandro lo ilustraría tenía una idea de como luciría. El arte de Leandro es muy dinámico y un poco caricaturesco, así que funcionaría para los elementos fantásticos de la historia. Lo hicimos y la gente respondió con mucha fuerza cuando salió a la venta, así que comenzamos a recibir llamadas de personas que estaban interesadas en adaptarlo. Al final, tuve una conversación con la gente de Skydance, con unos caballeros llamados Matt Grim y Don Granger. Ellos estaban muy entusiasmados por nuestros cómic, además de que ellos fueron quienes abogaron por la idea de que yo lo adaptase, que era algo que, por supuesto, yo quería hacer. Trabaje en un guion y el resultado de esto trajo a Gina [Prince-Bythewood] para dirigirla. Ambos trabajamos juntos en la película y el resultado de esa colaboración trajo abordo a Netflix y Charlize [Theron]. Esa es la versión corta del viaje. Dentro de mis experiencias en Hollywood hasta ese punto, especialmente de lado de las películas, muy rara vez he visto algo moverse tan rápido como lo hizo La vieja guardia.
¿Cuáles fueron los mayores desafíos al adaptar tu obra gráfica para un formato audiovisual? Es la primera vez que firmas un guion para un largometraje, ¿correcto?
Ya había escrito algunos trabajos menores en televisión y videojuegos, así como algunos guiones para películas, pero éste es el primero que realmente iba a producirse. Así que fue mucho menos sobre desarrollar las habilidades para escribir un guion, porque he trabajado en esto por 30 años. He escrito novelas, cómics y guiones, y todos requieren cosas diferentes. Puedes tener un cómic que es razonablemente exitoso para lo que quiere ser en las viñetas, si está bien contado, pero eso no significa que va a traducirse por si sólo en una buena película. Hay cambios que deben realizarse cuando estás cambiando de un medio a otro, porque una novela no es un cómic y un cómic no es una película. Si tu pretendes que todo es lo mismo, terminarás con un guion desastroso y terminas insultando a cada medio en el proceso. Una película basada en una novela gráfica no puede ser simplemente el cómic en movimiento. Así que se hicieron cambios para sacar provecho de las fortalezas del medio.
La película se mantienen bastante fiel al material de origen, pero como lo mencionas hubo algunas modificaciones. ¿Qué esperas destacar de los personajes y el mundo de La vieja guardia con estos cambios?
Una de las grandes cosas que puedes hacer cuando adaptas de un cómic, al menos en mi experiencia, es que las historias en los cómics son muy condensadas porque no tienes mucho espacio. En una película también tienes restricciones sobre cuanto puedes hacer y eso se traduce en tiempo, pero no en espacio. En el cómic teníamos un número limitado de páginas en las que podíamos trabajar y eso delimita cuanta atención podías dedicarle a ciertos elementos de la historia. En una película puedes transmitir de una forma más eficiente los aspectos de la historia, a veces dos segundos de una actuación pueden decirte todo lo que necesitas saber sobre el estado mental de un personaje, lo que quieren o lo que sienten; algo que es más difícil de hacer en un cómic. Para mí, lo más gratificante fue ser capaz de expandir el mundo que ya había sido bien definido en el cómic. Nile, Nicky, Booker, Joe y Coopley, en particular, no estaban tan bien aterrizados en el cómic, y la película ciertamente trabaja en eso. Ahora todos son personajes vibrantes y complejos por propio derecho. Es un placer ser capaz de ver eso.
De las modificaciones en la adaptación, ¿hubo algo de la novela gráfica que por alguna razón no se te permitió llevar a la pantalla?
Hicimos una secuencia en el cómic que tenía lugar en [el rascacielos] Burj Khalifa y Skuydance nos pidió no hacer eso porque allí filmaron parte de [Misión Imposible] Protocolo Fantasma (ríe). Una de las cosas más increíbles es que hubo un par de momentos en los que fui con Matt Grim y Don Granger, y les dije: «¿qué piensan acerca de quitar esto?». Su respuesta era: «no, esa es la razón por la que queríamos que tu te hicieras cargo de esta propiedad. Si lo eliminas estaríamos muy molestos». Sé que no es normal en Hollywood obtener esa clase de respuesta, pero honestamente no recuerdo algo más en lo que ellos me dijeran: «no, no puedes hacer eso». Hicimos cambios y esos son los cambios que tienes que hacer cuando estás adaptando para un medio distinto, pero el corazón de la historia es el mismo y no podría haber pedido más.
¿Cómo describirías tu colaboración con la directora Gina Prince-Bythewood?
Yo vivo en Portland, Oregón, así que volé a Los Ángeles para conocer a Gina en las oficinas de Skydance. Llegué allí un poco antes que ella. Cuando Gina entró en la sala de conferencias traía una copia de la novela gráfica y comenzó a cuestionarme de inmediato: «¿por qué esto está en la novela y no en el guion?, y ¿por qué esto no está en la novela y si en el guion?» Eso definió el tono de nuestra colaboración de una forma fantástica porque era claro, desde el comienzo, que ella no sólo tenía una visión para la película que quería hacer, sino que además le importaba mantenerse fiel al corazón del cómic. Trabajamos de forma muy cercana. Hay muchos directores que cuando llegan al proyecto le dicen al guionista: «muchas gracias, ya puedes retirarte». Gina nunca me hizo sentir que me entrometí más de la cuenta. Me siento honrado de haber podido trabajar con ella.
¿Qué opinión te merece la película?
Me encantó. Yo soy probablemente el espectador más dócil y, al mismo tiempo, el más crítico de la producción. No es la novela gráfica, es su propia producción. Creo que es encantadora y más allá de ser una adaptación de algo que Leandro y yo creamos, si ignoró ese hecho, es simplemente una gran película, con actuaciones extraordinarias. Hay emoción genuina en ella, es divertida y emocionante, pero creo que también generará debates ya que pone sobre la mesa muy buenas preguntas. Soy consiente de como sonará esto, pero, genuinamente, no podría estar más feliz con ella.
¿Veremos más de La vieja guardia en la gran pantalla?
No es mi decisión. Será una decisión que tomará la audiencia. Yo sospecho que si es una película exitosa habrá discusiones sobre continuar la historia.
Leandro Fernández
Durante las últimas dos décadas, Leandro Fernández se ha convertido en uno de los dibujantes más solicitados dentro de Marvel Comics, trabajando en historias de personajes como Spider-Man, el increíble Hulk, Punisher, Deadpool o los X-Men, además de colaborar con aclamados escritores como Peter Milligan (The Discipline, The Names), Bryan Hill (American Carnage) y, de nueva cuenta, Greg Rucka.
¿Cómo ha evolucionado tu relación profesional con Greg Rucka a través de los años, desde Queen & Country hasta La vieja guardia?
Conocí a Greg hace mucho años en la Comic-Con de San Diego, donde me ofreció la oportunidad de dibujar uno de los arcos de Queen & Country, que era una creación suya y lo que solía hacer era llamar a diferentes artistas para que colaborarán haciendo una historia en particular de esa serie. Hicimos el arco Crystal Ball para Queen & Country, al cual le fue muy bien. Me gustó mucho colaborar con Greg, me gustó mucho la historia y este libro incluso fue nominado a un [premio] Eisnner. Posteriormente, se dio la oportunidad de hacer Wolverine para Marvel Comics, por ahí del año 2003. Después estuve haciendo otras cosas para Marvel y, más tarde, para Vertigo en DC Comics. Entonces, empecé a buscar la oportunidad de hacer trabajos de autores, entiéndase trabajos que creamos con el escritor, donde trabajamos en conjunto para dar forma al universo de la historia que queremos contar, la situación, los personajes. Hice varios trabajos con estas características hasta que Greg vino a mí con una idea, me hizo un planteamiento bastante simple, de una sola oración: «son un grupo de guerreros inmortales, muy distintos el uno del otro». A partir de ahí iniciamos con un trabajo libre, sin restricciones, para delinear a La vieja guardia.
¿Qué fue lo que más te atrajo del concepto de La vieja guardia?
La simple palabra «inmortales» me pareció muy atractiva desde el punto de vista gráfico, ya que para un dibujante que tiene interés por hacer obras históricas es fascinante. Por una parte, me daba la oportunidad de trabajar en distintos períodos de la la historia y, bueno, también el hecho de trabajar con una historia de inmortales dentro del entorno actual, donde en la ciencia se está hablando de extender los límites de la vida natural biológica, ese era un contexto muy atractivo para empezar a trabajar visualmente por la diversidad de escenarios y situaciones.
¿Cómo cambia el proceso de darle vida a un universo gráfico desde cero, a diferencia de trabajar con propiedades preexistentes en Marvel y DC Comics?
Justamente al tratarse de una historia nuestra la libertad es total porque empezamos a trabajar desde el diseño de los personajes hasta la forma en que queríamos contar la historia. Cuando empezamos a sacar los primeros números una de las cosas con las que rompimos fue la estructura del cómic mensual, como suele publicarse en la industria norteamericana, donde alguien me envía un guion de 24 páginas y yo le devuelvo un primer número de 36 páginas, por ejemplo. Aquí nos tomamos nuestro tiempo para contar la historia, para ampliarla y pulir los detalles. Esa libertad se traduce en cosas que se pueden cuantificar en cierto modo, como la longitud de los capítulos. A partir de eso comenzamos a trabajar la historia centrándonos en la diversidad de un grupo muy heterogéneo. Sacamos el máximo provecho de esa libertad, esa apertura.
¿En qué momento te enteras del interés de Skydance por adaptar esta obra?
El momento preciso no lo recuerdo. Ya estaba terminado el primer volumen completo y de a poco unos productores mostraron interés y otros nombres comenzaron a unirse a la conversación: Netflix, Charlize [Theron]. Y de repente, era reunirnos y ver que el proyecto iba creciendo paso a paso. Cuando nos dimos cuenta la película ya estaba hecha. Estamos ansiosos de que salga y la pueda ver la gente.
¿Tuviste la oportunidad de involucrarte creativamente en la producción?
Estuve trabajando en la producción, pero no en lo que tiene que ver con la adaptación. Hice algunos dibujos para la producción, varios de los dibujos que se ven en la historia, que tiene relación con el respeto que [los productores] tienen por la obra original, por el cómic. Incluso hay una parte en la que un personaje dibuja en la película y tanto el dibujo como las manos que se ven son mías. Entonces, me filmaron a mí dibujando. En eso trabajé en la película. También visite el set en los estudios y en diferentes locaciones en Inglaterra y Marruecos.
¿Qué te pareció el resultado final?
Vi la película hace relativamente poco. Estoy muy contento, impresionado gratamente y sobre todo muy emocionado en relación al respeto que hay por la obra original, nuestra creación. Me parece que la película es muy buena, me gusta mucho ver el trabajo de Gina [Prince-Bythewood], la directora, y de los actores que tienen una química en cámara que es muy entrañable. Lo puede ver personalmente en el set y lo veo ahora en la pantalla. Me gusta mucho verlos actuar juntos, le dan una magia a la película que es alucinante. Y todo el equipo de producción, desde aquellos en los cargos más importantes hasta el técnico detrás de cámaras, todos estaban muy comprometidos. Estoy muy contento.
Ahora, háblanos del segundo arco de la historia, lo que sucede después de los eventos de la película: Force Multiplied. ¿Qué planes tienen en mente Greg Rucka y tú para dar seguimiento a esta historia en los cómics?
Del contenido en realidad no puedo decir mucho todavía, hay algunas cosas que faltan por verse. Pero en el cómic el plan es realizar tres volúmenes y apenas estamos terminando de producir el segundo, que va a salir completo dentro de poco. En un principio, Greg quería hacer un sólo volumen, pero cuando empezamos a trabajar esta historia nos dimos cuenta que es algo que tiene mucho más por desarrollar. Pero la idea es que esta historieta se componga de tres volúmenes. Y después veremos qué pasa.
La vieja guardia ya está disponible en Netflix.
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La popular serie Oshi no Ko hace su cierre en la gran pantalla. La intriga y enredos de Aqua, Ruby y su madre Ai se desenlazan en un evento cinematográfico. Aquí te contamos lo que debes saber sobre la película Oshi no Ko: El último acto:
¿De qué trata Oshi no ko: El último acto?
La historia de Oshi no ko comienza con el doctor Gorou Amamiya, un ginecólogo-obstetra que ayuda en secreto a la famosa idol Ai Hoshino a dar a luz a sus hijos gemelos. La noche del parto un fanático obsesivo de Ai aparece y asesina a Gorou, pero algo inesperado sucede. Gorou reencarna como Aqua, uno de los gemelos de Ai, y él está consciente de los recuerdos de su vida anterior. Sin saberlo, su hermana Ruby también es la reencarnación de otra persona; Sarina Tendōji, una paciente de Gorou que era fanática de Ai.
Cuatro años después del nacimiento de los gemelos, Ryōsuke, el fanático que asesinó a Gorou reaparece molesto por que la idol ha traicionado su amor teniendo hijos en secreto y mata a Ai. El fanático se quita la vida, pero Aqua cree que su padre biológico es cómplice del asesino y le proporcionó la información de dónde encontrar a su madre. Así que el niño decide vengar la muerte de la idol.
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Doce años más tarde, Miyako Saitō, la dueña de la agencia de talentos de Ai, Strawberry Productions, ha adoptado a los niños. Aqua y Ruby ya adolescentes, han seguido los pasos de su madre en el entretenimiento. Ruby trabaja en convertirse una idol, mientras que Aqua se ha desenvuelto en la actuación. Utilizando su posición dentro del espectáculo, Aqua pretende utilizar sus contactos y amistades para localizar a su padre y cobrar cuentas.
La película tiene lugar después de los eventos de la serie. La distribuidora Madness Entertainment comparte la siguiente sinopsis:
En Oshi no Ko: El último acto, la búsqueda de venganza de Aqua Hoshino alcanza su clímax mientras secretos del pasado y traiciones salen a la luz. Dividido entre hacer justicia y proteger el legado de su madre Ai, Aqua se enfrenta a las sombras del despiadado mundo del entretenimiento. Mientras tanto, Ruby brilla como estrella, pero su éxito oculta heridas profundas. Cuando sus caminos se cruzan en una revelación que sacude la industria, deberán elegir: ¿destruir la oscuridad que los une o dejar que los consuma? Un final impactante lleno de drama, giros y emociones desgarradoras”.
Producción de la película Oshi no Ko: El último acto
Oshi no Ko originalmente fue creada en el año 2020 como una serie de manga publicada en la revista Shūkan Young Jump de Shūeisha. Es una historia escrita por Akasaka Aka (Kaguya-sama wa Kokurasetai: Tensai-tachi no Ren’ai Zunōsen) e ilustrada por Mengo Yokoyari (Kuzu no Honkai). Ha sido adaptada a anime por el estudio Doga Kobo (YuruYuri) y recientemente serializada como drama de televisión para Amazon Prime Video.
La película Oshi no ko: El último acto cuenta con el mismo equipo de producción de Ryûsuke Imoto para la serie live-action. Smith retoma su posición en la dirección para la película, Ayako Kitagawa como guionista y la banda sonora compuesta por Fox Capture Plan. El elenco está compuesto por Kaito Sakurai (Vivant) como Aqua Hoshino, Nagisa Saito (Algún día seré la novia de alguien) como Ruby Hoshino, Asuka Saito (Light of My Lion) como Ai Hoshino, Nanoka Hara (Suzume) como Kana Arima, Mizuki Kayashima (To Be Killed by a High School Girl) como Akane Kurokawa, y Ano (Adam by Eve: A Live in Animation) como Mem-cho.
¿Dónde puedo ver la serie Oshi no ko?
La serie live-action de ocho episodios está disponible en Amazon Prime. Además puedes encontrar las dos temporadas de la serie de anime en Netflix. Una tercera temporada del anime está planeada para estrenarse en el año 2026.
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¿Dónde ver la película Oshi no ko: El último acto?
Cinépolis tendrá en exclusiva la película Oshi no Ko: El último acto únicamente un fin de semana, los días 21, 22 y 23 de febrero de 2025.
Póster oficial
Tráiler de Oshi no Ko: El último acto
Victor Recinos “El Collecto” El cine me ha acompañado toda mi vida en un viaje de emociones, a través del tiempo, la imaginación y mundos mágicos de colores; desde galaxias muy lejanas hasta la realidad. Gracias al cine soy: creativo, otaku, Jedi, replicant, Batman y parte Cine PREMIERE.
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Corría 1996 cuando la periodista, novelista y guionista Helen Fielding lanzó El diario de Bridget Jones, novela escrita en forma de diario donde una mujer con más de treinta años hacía un recuento de su vida profesional, familiar y amorosa. De inmediato se convirtió en un éxito, pues le hablaba con veracidad a mujeres que, como su protagonista, enfrentaban más de un obstáculo para realizarse en todos los sentidos. Varias décadas después, Bridget Jones se convirtió en la protagonista de queridas y exitosas películas, demostrando que más de una persona se identificaba con ella.
Working Title Films adquirió los derechos en 1997, y pronto se puso en marcha la primera adaptación cinematográfica. Nombres como Helena Bonham Carter, Cate Blanchett y hasta Kate Winslet fueron considerados, y al final Renée Zellweger se convirtió en la elegida. Más de 25 años después, no queda duda de cuán acertada fue la decisión.
¿Cuántas películas de Bridget Jones se han hecho?
El diario de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2001)
Bridget Jones es una treintañera soltera y llena de complejos, cuya vida sentimental es un desastre. Tiene sólo dos ambiciones: adelgazar y encontrar el amor verdadero. El día de Año Nuevo toma dos decisiones: perder peso y escribir un diario. Pero muy pronto su vida amorosa se vuelve a complicar, pues se encuentra dividida entre dos hombres. Por un lado, Daniel Cleaver, su jefe, un tipo encantador y sexy, pero peligroso; por otro, Mark Darcy, un viejo amigo de la familia, que al principio le parece demasiado reservado y aburrido.
La película se convirtió en un éxito de taquilla en Estados Unidos, donde mantuvo caídas pequeñas durante varias semanas gracias al boca a boca. En el Reino Unido su taquilla fue una locura, y a pesar de las críticas por la elección de Zellweger (que no era británica), el público cayó rendido. La cinta consiguió una nominación a los BAFTA, y Zellweger incluso llegó a contender por el Óscar a la Mejor actriz, algo no muy común para las comedias románticas.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bridget Jones: Al borde de la razón (Dir. Beeban Kidron, 2004)
Todo parece felicidad en la vida de Bridget. Vive con Mark Darcy y ya dejó a Daniel, su mujeriego exjefe. De pronto llega la atractiva Rebeca, quien pone problemas en la relación de Bridget y Mark. Los celos, la inseguridad y la tentación laboral -esta última de nuevo junto a Daniel- amenazan con pisotear el sueño de Bridget en un enredo que involucra malos consejos, peores malentendidos y verdaderos desastres que sólo le podían pasar a ella.
A pesar de sus locaciones en Austria y hasta las referencias a Orgullo y prejuicio (en su versión creada por la BBC), las críticas fueron terribles. Se le acusó de ser predecible, abusar de los gags sin sentido, y de convertir a su protagonista prácticamente en un chiste. Su taquilla bajó en Estados Unidos, pero creció a nivel mundial, llevándola a ser aún más exitosa que su antecesora. Renée Zellweger repitió su nominación a los Globos de Oro como Mejor actriz en una película musical o de comedia.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
El bebé de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2016)
El cuento de hadas parece haber terminado. Bridge terminó su relación con Mark, por lo que se encuentra soltera y recibiendo los 40 años. Decidida a empezar un nuevo capítulo, se concentra en el trabajo y aprovecha para rodearse de todos sus amigos. or una vez en su vida, Bridget parece tenerlo todo bajo control. Pero su vida amorosa toma una nueva dirección cuando conoce a un elegante estadounidense llamado Jack, un galán que tiene todo lo que no tiene el Sr. Darcy. Al descubrir que está embarazada, Bridget entra en pánico: no sabe quién es el padre del hijo que espera.
La cinta se anunció un lustro después de la segunda película, pero con su historia se tomó una decisión inesperada: basarla en las columnas escritas por Helen Fielding, no en la tercera novela de la saga. Hugh Grant no participó en esta entrega, pues mostró su descontento con la primera versión del guion, y posteriormente no se le encontró una forma de encajar en la trama. Las críticas fueron tan positivas como con la primera cinta, pero no hubo presencia en grandes premiaciones.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Bridget Jones: Loca por él (Dir. Michael Morris, 2025)
En la cuarta entrega de la saga se vive una tragedia. Bridget ahora es madre soltera de Billy, de 9 años, y Mabel, de 4. Tristemente, quedó viuda cuando Mark murió en una misión humanitaria en Sudán hace cuatro años. Acompañada por sus leales amigos: Shazzer, Jude, Tom, su compañera de trabajo Miranda, su madre y la Dra. Rawlings, Bridget intenta encontrar un nuevo camino hacia el amor y la vida. Gracias a las apps de citas y sus nuevas relaciones laborales, un joven decide cortejarla. Al mismo tiempo, el maestro de ciencias de Billy mostrará un ligero interés en ella.
La película se confirmó a finales de 2022, y se basa en el tercer libro de la serie. Cuando el tráiler confirmó la muerte de Mark, no muchos fans quedaron satisfechos. Hugh Grant regresa a la franquicia, mientras que Chiwetel Ejiofor Y Leo Woodall se suman como los intereses amorosos.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
¿Habrá más películas de Bridget Jones?
En 2016, Helen Fielding publicó el último libro (hasta ahora) de Bridget. Curiosamente, no se trata de Loca por él, sino de aquel donde se habla sobre su embarazo. Ya hubo una película inspirada en otras publicaciones de la autora, pero los planes siempre han sido respetar el material original y la visión de Helen. Ante las peticiones de una quinta entrega y lo que podría deparar el futuro, así respondió Renée Zellweger (vía).
“Digo todo el rato que sí, pero Helen terminó ya de escribir todas las historias de este personaje y creo que es justo. Me encanta el personaje, sus experiencias vitales y me gusta reencontrarme con amigos en el set de rodaje. Creo que devolver a la vida a Bridget en cada película es algo mágico y, encima, hago nuevos amigos. Digamos que no es un mal día en la oficina”.
¿Cuál es el orden cronológico de las películas?
- El diario de Bridget Jones (2001)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (2004)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
- Bridget Jones: Loca por él (2025)
¿Cuál es el orden de lanzamiento de los libros?
- El diario de Bridget Jones (1996)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (1999)
- Bridget Jones: Loca por él (2013)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
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Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
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Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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