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Amores modernos: El primer estreno mexicano en la nueva normalidad

Este fin de semana se estrenó Amores modernos, una cinta dirigida por Matías Meyer, por lo menos en las ciudades donde ya hay cines abiertos. El largometraje sigue la historia de diversos personajes y explora la forma en la que se conectan. Entre el reparto está Ludwika Paleta, Leonardo Ortizgris, Ilse Salas, Andrés Almeida y Raúl Briones. El momento en el que llega a los cines no es lo único fuera de lo común. Amores modernos es un tipo de película que no solemos ver en la cartelera comercial de nuestro país: cine de autor con actores de renombre.
Un caso extraño de cine de autor
Amores modernos es un caso extraño. Es un drama sobre los distintos tipos de amor, con poco humor, muy apoyado en su guion, con un ritmo sosegado y con varios actores reconocidos como Ilse Salas, Ludwika Paleta y Leonardo Ortizgris. Es el tipo de propuesta que no solemos ver en las salas comerciales de nuestro país. Una propuesta completamente de autor, apoyándose en su elenco y su temática para llegar a más personas.
Amores modernos refleja las diferentes facetas que puede tomar el amor, desde el amor familiar y de amistad hasta el romántico, con más de un matiz en medio. Hay algo admirable en el realismo de su mensaje: “Que el público se vaya con la idea de que hay que aceptarnos los unos a los otros. Que todos estamos llenos de defectos, pero que así somos, y al mismo tiempo necesitamos el uno del otro en esta sociedad híper individualista. Cómo podemos seguir manteniendo la relación con el otro”, reflexiona su director, Matías Meyer.
Matías ni siquiera tenía experiencia con actores profesionales. Este es sin duda su proyecto más comercial. “Aquí mi deseo sí era llegar a más gente, pero no era un deseo mercantil. No se trataba de hacer un producto, se trataba de hacer una obra de arte, pero que fuera menos cerrada en su lenguaje, más accesible”. Amores Modernos es un mosaico de historias donde lo valioso está en apreciar las relaciones entre los personajes.
“La puesta de actores fue muy buena”, nos dice Matías, recordando su experiencia. “Desde la escritura del guion yo les quise dar un material bastante emotivo, con bastantes diálogos, cosa que con actores no profesionales se vuelve un poco más complicado”. Las actuaciones realmente son un pilar de Amores Modernos, pues cargan con mucha de la caracterización y la empatía que sentimos por los personajes. Matías lo sabe y los pone al frente de su cinta. “Es una película que te confronta mucho. Desde la utilización de los close ups, que puede ser intimidante en pantalla grande, porque estás entrando a la intimidad de los personajes. Los tienes ahí enfrente y cada pliegue de su rostro te comparte una emoción”.
Matías espera que Amores modernos no se quede como un caso aislado, sino que cada vez haya más propuestas de este tipo, cintas que no sacrifiquen su complejidad temática y su cualidad autoral por proyectarse en las salas de cine de nuestro país. “Mi intención era hacer una película popular pero inteligente. Que pudiera llegar al gran público pero que también se fuera con mucha reflexión a su casa y con mucha identificación”. Cierra su reflexión con una metáfora que escuchó por ahí: “El cine es un océano y las películas son barcos. Y hay barcos de todo tipo, desde el trasatlántico, hasta el pequeño velero o la lanchita con la que te escapas del Titanic que se hunde”.
La perspectiva de Ludwika Paleta
¿Qué te llamó la atención del proyecto?
Me gustó que fuera una película diferente. Es distinta a las que yo comúnmente leo, los guiones que se están haciendo en el cine últimamente. Me gustó que fuera una película en donde la historia no se centra en uno o dos personajes protagónicos, sino que hay varias historias que se entrelazan. Me gusta mucho cuando te das cuenta que tú tienes que ver con el vecino y a veces ni siquiera lo conoces, y si le empiezas a rascar pues todos estamos entrelazados. Me llamó mucho la atención que fuera la primera película de Matías trabajando con actores profesionales. Y el elenco, que me pareció increíble.
¿Por qué crees que no se suelen hacer este tipo de películas, más pequeña en escala pero con actores de renombre?
Justamente por chiquitas. Uso la palabra “chiquita” pero no sé si se entienda el término. Me refiero a una película más personal, más de director, en donde un autor quiere contar su historia. No remakes o historias que ya se han contado antes. No se hace porque es menos redituable, menos comercial.
¿Cómo fue la experiencia en el set con Matías Meyer, considerando que no había trabajado con actores profesionales?
Fue curioso que la hicimos de manera cronológica. Eso yo nunca lo había hecho. Me imagino que fue una petición de Matías, pero es difícil para la producción lograr eso. Debe ser complicado organizar una película en orden cronológico. A mí me pareció increíble. Lograrlo es casi como hacer teatro. Tener la oportunidad como actor de tener una progresión dramática y emocional a lo largo de tu historia como personaje es un privilegio.
¿Hubo alguna escena que fuera particularmente desafiante para ti como actriz?
Lo desafiante fue que Matías quería que todo fuera muy natural. La cámara estaba muy cerca, sus planos son muy cerrados. Entonces actuar que como que no actúas. Uno siempre está actuando, pero el chiste es que parezca que no. Actuar es reaccionar a estímulos no reales de manera verdadera. Ese creo que es el secreto. El tener la película un tono muy naturalista y realista, requiere que pienses. A mí lo que me gusta de cuando ves a alguien en un plano tan cerrado en una pantalla grande es que en la mirada le veas todo. Eso habla de un actor que está pensando y que estás viendo casi sus pensamientos.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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