Cine y Tv
Game of Thrones y las dos caras de su polémico final

Hubo un tiempo en el que Game of Thrones (2011) fue considerada una de las series más gloriosas en la historia de la televisión, así como la gran joya en la corona de HBO. Una etiqueta nada despreciable cuando recordamos el largo historial de éxitos de la cadena norteamericana, que incluye títulos como The Sopranos (1999) y The Wire (2002).
Esto no significa que la relación entre el show y el público fuera perfecta, pues surgieron muchas protestas a lo largo de los años: un distanciamiento cada vez más marcado con el impreso, cambios abruptos en el ritmo narrativo y huecos argumentales por nombrar algunos. Todos fue perdonable, hasta que la octava y última temporada mostró a una Daenerys Targaryen aquejada por la pérdida, el rechazo de los norteños y la incapacidad para hacerse con el Trono de Hierro, montada a lomos del único dragón que le sobrevive para hacerse con Desembarco del Rey siguiendo el lema de su casa: Fuego y sangre.

Reina de las cenizas
La historia de las series está plagada de desenlaces controvertidos, pero ninguno con las repercusiones de Game of Thrones, cuya condición de fenómeno televisivo magnificó la polémica hasta generar sensaciones de decepción, frustración e incluso ira del público. Los primeros síntomas de malestar se palparon en redes sociales y foros de discusión donde incontables aficionados protestaron por el cruel destino de los personajes. La inconformidad creció tanto que incluso inspiró terapias [vía] para “digerir los sentimientos e interpretación del espectáculo, que puede ir desde la ira y la confusión hasta la tristeza y el dolor”. Finalmente, se creó una solicitud en Change.org para un remake de la octava temporada alegando que “David Benioff y D.B. Weiss han demostrado ser escritores lamentablemente incompetentes cuando no tienen material fuente (es decir, los libros) a los que recurrir”. Ésta acumula más de 1.8 millones de firmas, pero más sorprendente es que sigue creciendo hasta nuestros días.
Los argumentos más comunes atribuyen esta inconformidad a los pobres cierres en los arcos de Daenerys Targaryen y Jon Snow. La primera pasó de ser una libertadora a una auténtica tirana; el segundo fue reducido a un verdugo que desechó sus responsabilidades al preferir el exilio por encima del Trono de Hierro. No fueron los únicos afectados, pues mucho se ha hablado sobre cómo Tyrion Lannister y Brienne de Tarth se tornaron intrascendentes, Arya Stark perdió su encanto, Jamie Lannister no completó su redención, Cersei Lannister nunca recibió el castigo que realmente merecía y Bran Stark resultó coronado sin ningún mérito.
La Dra. Zeynep Tufekci [vía], profesora asociada en el Escuela de Información y Biblioteconomía de la Universidad de Carolina del Norte, considera que los problemas se remontan mucho antes de la última temporada, cuando los guionistas se quedaron sin novelas que adaptar. Esto porque George RR Martin construyó una narración sociológica donde “los personajes evolucionan en respuesta a los entornos institucionales más amplios, los incentivos y las normas que los rodean”, mientras que la forma más recurrente en cine y televisión es la psicológica que se centra en la identificación con los personajes “en lugar de mirar la imagen más amplia de la sociedad, las instituciones y las normas con las que interactuamos y que nos dan forma”. Una alteración que, desde la perspectiva de la teórica, arruinó los dos conflictos principales construidos a lo largo de siete temporadas: la amenaza externa plasmada en los Caminantes y que terminó con una simple estocada de la valerosa Arya Stark, así como la corrupción del poder reflejada en Cersei Lannister y finalmente trasladada a Daenerys.

La caída de la dragona
La tragedia de Daenerys no fue la primera vez que Game of Thrones generó inconformidad entre las audiencias, pues el mérito corresponde a la Boda Roja que terminó con la vida de Rob Stark en la que parecía marcar la caída definitiva de los heroicos lobos de Invernalia. El suceso no fue bien recibido por amplios sectores de la audiencia cuyo malestar quedó registrado en incontables videos a cargo de aquellos familiarizados con la obra impresa original.
En su momento, George RR Martin explicó a EW que “me gusta que mi ficción sea impredecible […]. Maté a Ned en el primer libro y sorprendió a mucha gente. Maté a Ned porque todos piensan que él es el héroe y que, seguro, se va a meter en problemas, pero de alguna manera saldrá de eso. La próxima cosa predecible es pensar que su hijo mayor se levantará y vengará a su padre. Y todos van a esperar eso. Entonces, inmediatamente [matar a Robb] se convirtió en lo siguiente que tenía que hacer”.
Una vez concretado el deceso del Rey en el Norte, el estatus de favorito fue ocupado por Daenerys Targaryen y Jon Snow, la primera por su condición de rompedora de cadenas y el segundo como el único capaz de enfrentar la amenaza de los caminantes. Una posición que favoreció sus vínculos emocionales con el público, pero que imposibilitó su ascenso al Trono de Hierro al resultar demasiado predecible.
Martin también advirtió sobre “un final agridulce”, pero ni siquiera esto permitió anticipar que la Madre de Dragones pasaría de heroína a villana en un abrir y cerrar de ojos. Al respecto, DB Weiss explicó [vía] que el detonante fue la Fortaleza Roja, “que es, para ella, el hogar que su familia construyó cuando llegó a esta tierra hace 300 años. Es en ese momento, a las puertas de Desembarco del Rey, cuando ve ese símbolo de todo lo que le fue arrebatado, cuando toma la decisión de hacerlo personal”.
Una ruta improbable para un héroe tradicional y como tal, incomprensible para una audiencia que por años conectó con la dragona. Así lo considera la psicóloga Janina Scarlet [vía], especialista en los lazos entre aficionados con los personajes de ficción que le “ayudan a sentirse menos solos en sus conflictos mentales al inspirar esperanza y crear un diálogo sobre trauma y recuperación”. En el caso de Daenerys, “ver a una persona que vino de una infancia abusiva, que experimentó violencia y tragedia puede inspirar a muchos otros sobrevivientes de traumas, especialmente a las mujeres, a comprender y procesar mejor sus experiencias. [Mientras que] este cambio repentino puede ser confuso y angustiante emocionalmente. Puede parecer que esta clase quita la cercanía que muchos sobrevivientes de trauma pudieron desarrollar”.
Finalmente, los defensores de la última temporada argumentan que la violencia mostrada por Daenerys ni siquiera debe ser considerada como un giro final, sino resultado de su evolución a lo largo de siete temporadas: una mujer emocionalmente frágil a causa de la traición, el dolor y la pérdida, pero también una princesa guerrera equipada con el arma más poderosa de su mundo. Una caída lógica cuando es vista en retrospectiva, pero engañosa en el primer visionado como consecuencia de la destreza narrativa del autor, cuya introducción de una víctima en ascenso generó una empatía inmediata con el público, que nunca dudó en perdonar la falta de piedad con los que se negaban a arrodillarse ante ella. Una auténtica manipulación del Viaje del Héroe de Joseph Campbell que ha sentado las bases de incontables historias, pero que en este caso fue distorsionada para explorar el tortuoso camino de una joven dispuesta a todo para “romper la rueda”.

El legado de Game of Thrones
El mago de Oz (1939), Ciudadano Kane (1941), Blade Runner (1982), Sueño de fuga (1994)… existe una lista interminable de títulos que fracasaron en su estreno y luego terminaron convirtiéndose en grandes favoritos del público. Más compleja es la situación con títulos pertenecientes a franquicias preestablecidas como fue el caso de Star Wars: Los últimos Jedi (2017) acusada de atentar contra el legado de la saga o Avengers: Endgame (2019) comparada hasta el cansancio con Infinity War (2018).
A pesar de su carácter televisivo, Game of Thrones se ha ganado un lugar en este último grupo tras ser señalada por un polémico desenlace que presuntamente tiró por la borda todos los calificativos que la posicionaban como la mejor serie de la historia. Una situación frustrante para los aficionados, pero que pierde valor para la Profesora de Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid, Concepción Cascajosa [vía], al considerar que “con las series hay mucha prisa por coronar obras maestras […].Esto ha llevado a que haya mucha exageración, que se saquen conclusiones prematuras y que haya muchas personas que hablen de televisión sin conocérsela”.
El tiempo y las múltiples revisiones ayudarán a determinar si Game of Thrones es la mejor serie o la mayor decepción en la historia de la televisión. O como bien dijera Emilia Clarke [vía], “todos tienen su propia opinión y tienen todo el derecho a ello. Es arte y puede ser diseccionado y asumido de la manera individual que desee”. La única certeza es su carácter de fenómeno plasmado en la frialdad de los números, pero sobre todo en la pasión de incontables aficionados que convirtieron esta trama en un auténtico estilo de vida, que seguramente estarán ahí con la expansión del show a través de spinoffs y que siempre recordarán el impacto que esta saga tuvo en sus vidas.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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