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Berlinale 2020: The Assistant y su incómodo relato de abusos en la industria del cine

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The Assistant, exhibida en la sección Panorama de la Berlinale, no es el primer filme de la australiana Kitty Green, quien teje un ambiente perturbador. Hace un par de años filmó el documental Casting JonBenet, el cual, de manera por demás original, se centró en el irresuelto asesinato de una niña ocurrido en 1996 y que levantó ámpula en la sociedad estadounidense. The Assistant, por su parte, es ficción y en ella no muere nadie, pero igualmente podría calificarse de inquietante o, en aras de ser lo más preciso posible, de incómoda: necesariamente incómoda.

En la historia, también escrita por Green, seguimos en todo momento a Jane (una impecable Julia Garner), una chica un tanto ingenua y relativamente nueva en la compañía. Su lugar es el último de la escala alimenticia de lo que pronto entendemos es una empresa productora cinematográfica. Contemplamos lo agobiante de su rutina y las consecuencias de su puesto: el bullying al que todo dios la somete, las humillaciones que sufre y, aun sin ser demasiado suspicaces (basta la sutil información que Green nos da a cuentagotas), caemos en cuenta de que nos hallamos en tiempos previos al Me Too. Que cada quien, entonces, saque sus propias conclusiones.

Por cierto, según se nos ha informado, The Assistant llegará a México en este año.

First Cow: Dos hombres y una vaca

A estas alturas todos conocemos la forma en la que Martin Scorsese confrontó el tipo de cintas realizadas por Marvel (y allegados). Pues bien, se esté o no de acuerdo con los argumentos del genio detrás de Taxi Driver, nadie puede negar que el cine estadounidense perdería mucho al dejar de producir películas como las de Kelly Reichardt. Sería una  lástima, pues sus títulos pertenecen a la verdadera manufactura independiente norteamericana, ésa a la que actrices y actores con nombre acuden prácticamente por mero placer cuando se cansan de participar en superproducciones millonarias. Además de Reichardt estarían los hermanos Zellner o Miranda July, por mencionar a otros cineastas similares que han sido invitados a la Berlinale. Ellos, al igual que Reichardt, se distinguen por narraciones pequeñas, relatos que en su aparente simpleza proyectan una absoluta seguridad de lo que se quiere decir. First Cow entraría de lleno en esa tradición.

Sin más recursos que el uso de una pantalla cuadrada y dos actores sólidos y un tanto desconocidos (John Magaro como Cookie y Orion Lee como King Lu), Reichardt arma un western que rinde homenaje a la amistad entre dos hombres que parecían condenados a la absoluta soledad. Es tan sencillo como se oye o como la misma Reichardt lo subrayó en la conferencia de prensa: “Yo únicamente quería contar la historia de dos hombres y una vaca”.

Ello, pues, hace de First Cow una suerte de antiwestern que, hay que decirlo, cosechó un considerable número de aplausos tras su proyección para la prensa internacional y se convirtió en una de las favoritas tempranas. Menos suerte tendría la francesa Le sel des larmes, del mítico director francés, Philippe Garrel quien, pese a su vasta trayectoria, no había competido nunca para el Oso de Oro. Bellamente fotografiada en blanco y negro, plantea asimismo una historia elemental pero quizá poco acorde para los tiempos actuales. O al menos había la impresión de que eran pocos los periodistas entusiasmados con el relato de un mujeriego incapaz de sentar cabeza o pensar en algo más que su satisfacción sexual. Son tiempos de corrección política y, en todo caso, aquellos que hacen cine tienen el derecho de manifestarse a favor de ella. O, claro, absolutamente en contra.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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