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Berlinale 2020: Los lobos aúllan en territorio alemán

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Confesión: a mí también me encantó Los lobosNo es verdad que los que escribimos de cine y somos mexicanos hemos sido en todo momento imparciales cuando nos aproximamos a lo que se filma en el país. De manera sobre todo inconsciente, a todas y todos los que nos dedicamos a este oficio nos ha ganado el deseo de que a la cinematografía nacional y a la gente que trabaja en ella le vaya bien. Ese impulso en ocasiones nos lleva a sobrevalorar una obra, aunque sea con dosis mínimas. La sentimos próxima, cercana, propia, y tal factor de identificación puede ser tan poderoso que es capaz de nublarnos el juicio.

Pese a lo dicho, y, por lo mismo, más que nunca reducido a título personal, me atrevo a decir que hace mucho no veía una película que me enterneciera tanto como Los lobos, de Samuel Kishi. Lo curioso o, digamos, aquello que me hace confiar con mayor fuerza en mi percepción, es que se me acaban los dedos de la mano -y de los pies- cuando hago el ejercicio de contar a las personas que experimentaron algo similar. Entre los que me compartieron su punto de vista puedo citar a colegas, artistas plásticos, diplomáticos, científicos, cineastas y otros individuos de los que nunca supe su profesión, algunos de ellos inmigrantes, otros de paso en Berlín, todos unidos únicamente por el amor que prodigamos al cine.

Los lobos se presentará en marzo en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara y tiene previsto su estreno comercial en México en abril.

La mayoría de los citados, por demás, tuvo el privilegio atender a la premiere de la película en el mítico cine Urania. Y si lo menciono como un privilegio es porque, dado que formaba parte de la sección Generation Kplus, Los lobos era apta para toda la familia, con lo que en la sala se encontraban grupos de infantes de edad escolar, niños y niñas que, pese a ser alemanes, no mostraron dificultad alguna en ponerse en los pies de los protagonistas (Maximiliano y Leonardo Nájar). Gracias a la sencillez -que no es sino una complejidad bien articulada-, pero sobre todo a la honestidad del trabajo de Kishi, estos pequeños espectadores sufrieron y gozaron en consonancia con sus pares mexicanos y, con ellos, se dieron cuenta de que, aunque las circunstancias de la vida pueden ser atroces, siempre hay algo que nos permite sobrellevarlas, imponernos a ellas, convertirnos en héroes del día a día.

Ojalá y Los lobos en los meses venideros dé de qué hablar en México y allí donde se la exhiba. Y espero que el criterio de esas audiencias futuras sea similar a la que he expresado desde mi humilde opinión y con los riesgos que ello conlleva.

Undine: romanticismo alemán

Ignoro con exactitud cuántas veces una película de Christian Petzold ha competido en la Berlinale pero han sido muchas. El director teutón es, sin duda, alguien querido por el festival, aunque tal vez no lo suficiente como para que los jurados en turno lo hayan premiado con un Oso de Oro. De hecho la última película con producción alemana, cuya trama se desarrolla mayoritariamente en el país europeo, y donde la lengua de Goethe sea la dominante, fue la memorable Contra la pared, de Fatih Akin, y eso ocurrió en el ya lejano 2004. Con dichos factores como antecedente, pero sobre todo frente al indiscutible hecho de que Undine, la película más reciente de Petzold, quizá es su obra más lograda, uno no puede sino preguntarse si no ha llegado la hora de que su talento sea reconocido de manera oficial.

El filme retrata la historia de un amor que nace entre la guía de un museo urbanístico de Berlín y un buzo que se dedica a hacer reparaciones de estructuras submarinas. Curiosamente, y pese a su planteamiento sobre todo realista, hay ciertos elementos fantásticos en la película que Petzold logra introducir con certeza quirúrgica, auxiliado en mucho por la actuaciones de Paula Beer y Franz Rogowski, al que no pocos llaman “el Joaquin Phoenix alemán”. El conjunto logrado es encomiable y fue aplaudido a rabiar por la prensa internacional. De allí, pues, que quizá haya llegado la hora de que el equipo local se lleve el premio mayor.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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