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10 razones para ver Love Me Not
En un campamento militar conviven varias lenguas y varios acentos, así como varios personajes motivados por sus deseos. Este lugar incierto, pero en clara alusión a la invasión de Estados Unidos en Irak, es en donde el director Lluís Miñarro ubica a su interpretación de Salomé. En la Biblia, esta mujer pedía a su padre la cabeza de Juan después de bailar ante sus ojos; en la película, la lucha de pasiones toma su propio rumbo, entre imágenes cargadas de simbolismos. Love Me Not es una experiencia a ratos reflexiva y a veces inquietante, una propuesta peculiar en la cartelera.
Aquí te presentamos algunas razones para que te acerques a ella:
1.- ¿Por qué Salomé?
“Esto me permitía unir tradición con modernidad. Podía unificar una cosa que forma parte del sustrato cultural de Occidente, como es la historia de Salomé y la Biblia, y adaptarlo a una situación actual. También tiene unos componentes muy claros, eros y tanatos, y cómo están esos placeres ligados: el erotismo y la necesidad de venganza y sangre. Eso me servía un poco para llevarlo al contexto de la guerra en Irak, los países están en guerra y eso está repercutiendo, principalmente en Europa con estas grandes migraciones, desarrollando armas químicas y con cosas terribles que son fruto de ese momento de 2006”, compartió el director en entrevista.
2.- Por la trayectoria del director
Se trata del segundo largometraje del catalán Lluís Miñarro como director, quien cuenta con una carrera de más de 40 títulos, impulsando la carrera de directores como Isabel Coixet (en Cosas que nunca te dije), Manoel de Oliveira (en la cinta Excentricidades de una joven rubia), Naomi Kawase (Aguas tranquilas) y Apichatpong Weerasethakul (en La leyenda del tío Boonmee, ganadora de la Palma de Oro).
3.- El elenco
La cinta cuenta con las actuaciones de los mexicanos Hugo Catalán (La casa de las flores), Fausto Alzati (El placer es mío) y Luis Alberti (Luciérnagas, Carmín tropical); con la experiencia de los catalanes Lola Dueñas (Volver, Mar adentro) y Francesc Orella (Los ojos de Julia); y con los jóvenes Ingrid García Jonsson y Oliver Laxe (director de Mimosas). Un elenco plural, pero a todas luces talentoso.
4.- Una Babel moderna
Además de que en una base militar estadounidense podrían coexistir varias lenguas y nacionalidades, al director le interesaba resaltar un aspecto del mito de Babel y abordarlo de un modo diferente a como se hace en la Biblia, en donde la multiplicidad de lenguas se presenta como una maldición a la soberbia de intentar construir una torre que llegara al cielo. “Yo creo que es lo contrario, no es una maldición; el que haya varias lenguas y la gente se pueda comunicar en idiomas diferentes es parte de la riqueza y de la diversidad. Por eso el enfoque ha sido una especie de defensa de la singularidad y de la variedad”, comentó Miñarro.
5.- La carga simbólica
Sobre las influencias en Love Me Not, Lluís Miñarro sostiene que no hay una específica, aunque sabe que está permeado del cine que ha visto a lo largo de su vida. “Lo que sí hay en mi obra de ficción, tanto en Stella Cadente (mi obra anterior) y en ésta, es una gran carga simbólica. Signos, señales, simbolismos, incluso en la estructura del montaje y después en imágenes sorprendentes que aparecen y que no forman parte de una narrativa tradicional. Las provoco porque estos simbolismos forman parte del subconsciente colectivo y no hace falta que se comprendan porque está aquí (en la cabeza). Eso ya elabora dentro del misterio que tiene que tener toda obra artística; yo parto de la base de que toda obra de arte tiene que tener cierto misterio, porque es una manera de que el espectador intente develar ese misterio e intente compartir con esa obra, sea una pintura o lo que sea”
6.- El lenguaje de los sueños
A Miñarro no le interesaba hacer una película lineal y convencional. Aunque considera importante que exista una narrativa, piensa que una película no se sostiene únicamente de eso. “Interpreto que el cine es el lenguaje de los sueños, por un lado, y es el lenguaje de la fantasía, de las luces y las sombras. Uno de los problemas que tiene el cine desde los años 40, es la carga literaria. Hay tanto diálogo y te explican todo que al final las películas parecen obras de teatro o story boards de publicidad. Porque no hay sorpresa. Yo intento, no solo con las películas que he dirigido, sino también con las que produzco, que sean películas con algún misterio y que no sean evidentes. Y la prueba es que las ves unos años después y encuentras otras cosas. Creo que parte de la grandeza del cine es apelar al subconsciente y dejar espacio a que el espectador la haga suya”, expresó.
7.- Mezcla de géneros
La película tiende a ser un melodrama tradicional (y, según el director, uno de los años 70), pero también tiene algo de western. “Ese interés en mezclar géneros cinematográficos, por mi formación como cinéfilo, también es algo que me interesa plantear”, afirmó el cineasta.
8.- El cameo de la Ciudad de México
La cinta tuvo locaciones en Chihuahua, cuyos desiertos sirvieron para levantar el escenario de la base militar en la que se encuentran los personajes, que de alguna manera es un espacio incierto y atemporal. Por otro lado, aunque mucho más breves, las secuencias realizadas en la Ciudad de México se identifican con mayor facilidad. Sin ahondar en spoilers, te adelantamos que podrás ver en pantalla al legendario Marrakech Salón.
9.- Las reflexiones sobre el género y las identidades sexuales
Al plantearse la idea de retomar la historia de Salomé, el director se encontró con una idea poco vigente de la mujer como “una mujer mala, que, como no responden a sus deseos, acaba con el individuo”. Miñarro pensó en la posibilidad de que, en un contexto actual, tal vez esa mujer ocultaba algún secreto. “Tal vez por eso se conforma de forma tan violenta y por eso el profeta no quiere acceder a los deseos de esa mujer. Le quise dar la vuelta y acercarlo a un tema de debate actual, que es la cuestión de género y esa idea latente que en inglés se dice body matters, de descriminalizar la diversidad”, agregó.
10.- Coproducción mexicana
En la cinta participa el productor mexicano Julio Chavezmontes, uno de los más destacados en este ámbito, pues en años recientes ha estado detrás de películas que se posicionan en los festivales más importantes del mundo, como La daga en el corazón (Cannes) y Tiempo compartido (que tuvo su premiere en Sundance y en la que también participó como guionista).
“(Chavezmontes) tiene un planteamiento muy parecido al que tenía yo cuando comencé a hacer cine como productor, de escoger muy bien, el tipo de cosa que interesa, priorizarlo desde el punto de vista artístico o cultural y hacer todo lo posible por viabilizar otro tipo de películas que sean abiertas y que, de alguna forma, puedan formar parte de alguna manera inmediata del cine. Porque él ama el cine y eso es fundamental”, agregó Lluís Miñarro.
Love Me Not ya está en cartelera en México.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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