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Estos actores odiaron besarse en escena
Todo el mundo ama una buena escena romática. Es ese instante en el que dos personajes celebran el punto cúspide de su amor uniendo sus labios en un dramático beso, generalmente coronado con una pieza musical o un cambio en la iluminación para enfatizar la perfección del momento. Sin embargo, detrás de cámara, la experiencia a veces no es tan placentera como parece en la pantalla. De hecho, en muchas ocasiones, es una verdadera tortura para los actores. Por ello, aquí se presentan algunos casos de intérpretes que definitivamente no disfrutaron al momento de besar a un colega.
Joanna Lumley y Leonardo DiCaprio
A pesar de que besar al protagonista de grandes cintas como Titanic y Romeo + Julieta puede sonar celestial, Joanna Lumley no creyó que la experiencia fuera del todo agradable. Para la película El lobo de Wall Street, ambos actores tuvieron que besarse en repetidas ocasiones. De acuerdo al testimonio de la intérprete de Emma, ya estaba cansada de repetir la escena.
«Besé a Leonardo DiCaprio unas 15 veces, de hecho. Pero déjame decirte un secreto. No hay nada de divertido en besar actores. No es nada divertido», declaró la actriz. «Hay demasiadas tomas y los dos tienen que masticar demasiado chicle. Es como besar a alguien en la sala de espera del dentista».

Patrick Swayze y Jennifer Grey
La pareja de Dirty Dancing es una de las más icónicas del cine. La química entre los dos protagonistas es tan contagiosa, que muchos han idealizado a los personajes como la pareja ideal. Sin embargo, parece que, en realidad, todo fue resultado de una excelente actuación, pues, de acuerdo a Jennifer Grey, no había química entre ella y Swayze.
«Yo me integré al reparto antes que él», explicó Grey. «Él llegó a hacer la prueba con otros sujetos. No creo que tuviéramos química. Pero la tienes o no la tienes. Es extraño, supongo. No tiene que ver con que te guste alguien o no. Es algo que simplemente se tiene o no».

Rupert Grint y Emma Watson
Dentro de la saga de Harry Potter, los personajes de Ron Weasley y Hermione Granger desarrollan una fuerte amistad que eventualmente se convierte en puro amor. Por ello, cuando llegó la adaptación cinematográfica de Las reliquias de la muerte, el beso entre ambos personajes era uno de los elementos más esperados. Sin embargo, mientras se filmaba la escena, Rupert Grint y Emma Watson no se sintieron cómodos besándose entre sí. La razón es que, al haber pasado parte de su niñez juntos, se veían más como hermanos que de otra manera.
«Conozco a Emma desde que teníamos nueve años y tenemos esta relación muy como de hermanos», explicó Grint durante una entrevista. «Fue una experiencia muy surreal. Tengo el recuerdo de su cara acercándose cada vez más y más. No puedo recordar otra cosa además de eso».

Dakota Johnson y James Dornan
Otros actores que no tuvieron química en pantalla fueron los protagonistas de la trilogía Cincuenta sombras de Grey. Esta pareja llama la atención, especialmente, porque Anastasia Steele y Christian Grey tienen una relación asombrosamente apasionada, agresiva y potente dentro de la trama. No obstante, parece que los actores no lograron reflejar la efusión de sus personajes. De hecho, se dice que, durante el tour de prensa de la cinta, ambos se mostraban constantemente incómodos.

Helena Boham Carter y Woody Allen
Al parecer la experiencia de besar a Woody Allen no le fue grata a la intérprete de Sweeney Todd. Por el contrario, fue uno de los aspectos más complicados de filmar Mighty Aphrodite. En una entrevista, Helena Bonham Carter reveló que Woody Allen no es una persona agradable con la cual actuar la escena de un beso.
«Te dice ciertas formas en las que no le gusta besar. Ningún intercambio de líquido está permitido. Puede ser un poco ofensivo, porque él no hace ningún esfuerzo en absoluto. Es como tener que besar al Muro de Berlín», explicó la actriz en una entrevista con Elle.

Julia Roberts y Nick Nolte
Ya se mencionaron varios actores que no tuvieron una buena química de trabajo. No obstante, parece que, en el caso de Julia Roberts y Nick Nolte más que falta de química, los dos actores realmente detestaron tener que trabajar juntos. En realidad, la apatía llegó a tal grado que, durante la filmación de I Love Trouble, los intérpretes filmaron sus escenas por separado. Posteriormente, las secuencias se tuvieron que unir utilizando trucos de montaje.
De hecho, Nolte calificó como «desagradable» la experiencia de besar a Roberts. Adicionalmente, el actor comentó «Ella no es una buena persona, todo el mundo lo sabe».

Alyson Hannigan y Jason Siegel
Dentro de la sitcom How I Met your Mother, Marshall y Lily son la clásica pareja que todo el mundo adora. No obstante, a lo largo de la serie, los personajes no compartieron un gran número de besos. El motivo es que Jason Siegel fuma demasiado, y Alyson Hannigan no soportaba el aliento a tabaco de su contraparte.
En realidad, Siegel trató de controlar su adicción para hacer las cosas más agradables para Hannigan. Sin embargo, al final sus esfuerzos no rindieron fruto. «Cuando empezamos el piloto (Jason) me dijo: ‘ayúdame a dejar de fumar, seré tu mejor amigo’», explicó Hannigan. «Así que hicimos la apuesta de que me debería diez dólares cada vez que prendiera un cigarrillo. Después del primer día, me debía doscientos».

Jennifer Lawrence y Chris Pratt
Alguien más que no disfrutó besando a su contraparte en escena fue Jennifer Lawrence. Sin embargo, en este caso, el problema no fue la falta de química con Chris Pratt, sino que el actor estaba casado, y la intérprete no se sentía cómoda con esa situación.
«Era la primera vez que tenía que besar a un hombre casado, y la culpa es el peor sentimiento en tu estómago», reveló Lawrence durante una entrevista. «Sabía que era mi trabajo, pero no podía decirle eso a mi estómago. Así que llamé a mi mamá, y le dije «¿Puedes decirme que todo está bien?» Simplemente fue un momento muy vulnerable».

Orlando Bloom y Zoe Zaldana
En una situción similar a la Jennifer Lawrence, mientras Orlando Bloom filmaba Haven, no se sintió cómodo besando a Zoe Zaldana. La razón de ello fue que Zaldana tenía novio, y él iba a visitarla al set todo el tiempo. Así que el actor siempre se sentía bastante intimidado cuando necesitaba filmar una escena romántica con la intérprete.
«¡Odié besar a Zoe!», declaró Bloom en una entrevista. «Era como ‘Saca tu lengua de mi boca, por favor. Tu novio está parado ahí’». Muchas personas piensan que besar a tu coprotagonista debe ser genial. Pero siempre es bastante incómodo».

Tobey Maguire y Kirsten Dunst
El beso bajo la lluvia entre Spider-Man y Mary Jane Watson se convirtió en uno de los más legendarios de las películas de superhéroes. Sin embargo, de acuerdo al testimonio de Tobey Maguire, tener que besar a Kirsten Dunst bajo la lluvia mientras colgaba de cabeza fue una de las experiencias más incómodas y desagradables de su vida.
«Había lluvia cayéndome en la nariz. No podía respirar y estaba luchando por tomar aire en el borde de la boca de Kirsten», declaró Maguire. «Pobre chica. Me estaba dando respiración de boca a boca más que besándome. Cuando me levantó la máscara, me cortó la respiración por completo».

De esta forma, mientras que muchos actores tomaron por sorpresa a la audiencia al revelar que no disfrutaron cierta escena besando a un colega intérprete, la apatía de otros se vio reflejada en la entrega final de su trabajo. Finalmente, todo indica que, dentro de la industria cinematográfica, las cosas raras veces son lo que parecen.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
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Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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