Para muchos, no existe mejor medidor de tiempo que la música. Y es que basta con escuchar alguna canción –que tenemos bastante tiempo sin escuchar– para recordar buenas o malas experiencias que nos ha dejado la vida. Pero no sólo eso, también en ocasiones nos ayuda a darnos cuenta de que el tiempo ha pasado y que uno ya no es el mismo que hace 5 o 10 años, aunque pocas veces seamos conscientes de ello.

Sin duda, es a final de año cuando comenzamos a recordar todas esas canciones que marcaron alguna etapa por la que atravesamos, sin embargo, este 2019 la dinámica es un tanto diferente, ya que además de que se nos va este año, también le decimos adiós a la década.

Justo para recordar esas piezas musicales que nos acompañaron desde hace 10 años, acá en Sopitas.com nos dimos a la tarea de escoger, de acuerdo a nuestro criterio, las 100 mejores canciones de la década, las cuales ya sea porque sonaron en nuestro reproductor varias veces o simplemente se volvieron importantes en su momento por alguna razón, consiguieron un lugar en el conteo.

Eso sí, antes que nada les aclaramos que la siguiente lista no cuentan con un orden específico (no las rankeamos, pues), para que no vayan a empezar los reclamos de “¿Por qué pusieron “x” canción en ese lugar y “y” está antes?”. Sólo son las que escogimos y ya. Ahora si, aclarado eso, ahí les van las primeras 50 rolas de nuestra lista:

“Pumped Up Kicks” – Foster The People  (Torches, 2010)

Lanzada como su primer sencillo promociona en septiembre de 2010, “Pumped Up Kicks” fue la canción que puso a Foster The People en el radar de bandas a las que debíamos seguir la pista, gracias a su sonido fresco que al igual que esta pieza, se encontraba a lo largo de su disco debut Torches.

Si bien la rola se hizo popular por su sonido y coro pegajosos, tiempo después tomó más fama debido a su contenido. Como saben, la letra de la canción habla del tiroteo en una escuela (para ser más específicos se refiere a la masacre de la Escuela Secundaria de Columbine, ocurrida en 1999), una cuestión que se presenta con demasiada frecuencia en Estados Unidos y que ha llevado a la agrupación a ya no interpretarla en sus shows.

“Rolling in the Deep” – Adele  (21, 2011)

La británica Adele ya era conocida en sus rumbos por allá del 2007, pero no hay duda de que “Rolling in the deep” le dio esa proyección mundial que todo artista desea tener.

Con la poderosa voz de la intérprete, una instrumentación impecable y con varios géneros musicales como el blues, el pop y el soul conviviendo en un solo espacio, “Rolling in the Deep” no sólo llevó a Adele a ser una de las cantantes más importantes de la década y a encabezar festivales importantes como el Glastonbury, también consiguió convertirse en la quinta canción más vendida de 2011.

“Bad Guy” – Billie Eilish (When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, 2019)

Mientras a los 17 años varios de nosotros estábamos lidiando con dramas adolescentes de la preparatoria, Billie Eilish, a esa misma edad, comenzó a ser una de las artistas revelación más fuerte y joven que la industria musical ha visto en los últimos años, convirtiéndose un fenómeno musical y mediático que pocas veces hemos visto.

Mucho de lo antes mencionado fue en gran parte a la canción “Bad Guy”, el cuarto sencillo de su disco When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, con el que Billie dio el paso al mundo de los hits mundiales. Eso sí, aunque algo de eso también tuvo que ver la viralidad que internet tiene hoy en día, no negamos que Billie tiene mucho talento, algo que muchos comprobamos en su presentación en el Corona Capital 2019.

“Latch” – Disclosure Ft Sam Smith (Settle, 2017)

Uniendo fuerzas con el cantante británico Sam Smith, en 2013 los hermanos Guy y Howard Lawrence lanzaron “Latch”, el primer sencillo de su álbum debut Settle, que les trajo muy buenas criticas por los aires de techno, house y un electro garage que con el tiempo se han convertido en uno de los sellos característicos de Disclosure.

Y ya ni hablar del video que nos plasma varias situaciones amorosas donde las personas involucradas tienen una tensión sexual más grande que la que tenías tú con tu primer novio/a en la casa de tus suegros. O bueno, eso dicen.

“Stereo Hearts” – Gym Class Heroes  (The Papercut Chronicles II,  2011) 

Acompañados de la voz de Adam Levine, líder de la banda Maroon 5, Gym Class Heroes se convirtió en una sensación de las radios y los programas de televisión de música a principios de la década con “Stereo Hearts”, canción lanzada en el 2011 que marcó el regreso de Travis McCoy y compañía con una placa discográfica en donde por primera vez, el rapero no sintió presión alguna por lanzar nuevo material, y que incluso le ayudó a mejorar su técnica de composición.

“Swimming Pools” – Kendrick Lamar (Good Kid, M.A.A.D. City, 2012) 

Kendrick Lamar siempre ha sido abierto en cuanto a los contenidos de sus creaciones musicales, afirmando que en ellas plasma las vivencias que tuvo de niño y cómo las decisiones que ha tomado lo han llevado hasta donde está. Claro que este hitazo de 2012 no fue la excepción.

Lo decimos porque fue en “Swimming Pools”, donde Lamar retrató cómo la presión de un grupo y otras actitudes auto-destructivas pueden influir a una persona a beber sin control, algo a lo que él siempre estuvo vulnerable. “¿Qué mejor manera de hacer algo universal que hablar sobre beber? Vengo de un hogar donde tuviste que tomar una decisión: eras un bebedor casual o ebrio. De eso es de lo que se trata ese disco, de que yo lo experimente de niño y tome mis propias decisiones.”, mencionó el rapero a la revista Complex en 2012.

“Bloodbuzz Ohio” – The National  (High Violet, 2010)

Perteneciente al High Violet, considerado hasta ahora como uno de los mejores discos en la carrera de The National, “Bloodbuzz Ohio” fue lanzada en mayo de 2010 y se convirtió en un himno al sentimiento encontrado y agridulce de regresar a ese lugar que te vio crecer.

Tal como lo mencionó el frontman, Matt Berninger, en varias entrevistas y contrario a lo que muchos creían –no, no es la historia sobre alguien que está en la cárcel–, esta canción básicamente habla sobre esa sensación de regresar a casa y darte cuenta de lo mucho que has cambiado, al grado de sentirte extraño con esos hábitos que no recordabas tener y hasta con la manera en la que te comportas con las personas que te vieron dar tus primeros pasos.

“Somebody That I Used To Know” – Gotye ft. Kimbra (Making Mirrors, 2011) 

Siempre es doloroso terminar una relación sentimental, y aunque dicen que el tiempo lo cura todo, a veces es inevitablemente no sentir coraje e ira al ver que la otra persona no está pasándola tan mal como nosotros. Ese sentimiento está perfectamente plasmado en “Somebody That I Used To Know”, una melodía que en 2011 sonó hasta en la sopa y que se volvió popular por el simple pero peculiar video en el que Gotye y Kimbra pertenecen a un mosaico en la pared y se cantan sus verdades.

“Ready to Start” – Arcade Fire (The Suburbs, 2010) 

Este es sin duda uno de los sencillos más conocidos de los canadienses de Arcade Fire, comandados por Win Butler y Régine Chassagne, y que forma parte de su exitoso tercer disco de estudio The Suburbs, el cual en 2011 se ganó el premio a ‘Disco del Año’ en los Premios Grammy, una categoría en la que competían con sensaciones de la música de ese entonces como Lady Gaga y Katy Perry.

Aquí la banda nos regaló un himno poderoso que anima a la gente a levantar la voz en situaciones donde se están aprovechando de ellos, con una letra que puede aplicar tanto a una relación sentimental dominante, hasta a un jefe explotador. Una de nuestras pistas favoritas de Butler y compañía.

 

“Buzzcut Seasons” – Lorde (Pure Heroine, 2013) 

Otra de las promesas jóvenes que nos dejó esta década fue Lorde, quien a sus 17 años lanzó su primer álbum de estudio Pure Heroine, un disco con tintes de dream pop e indie rock, que llevaron a la cantante neozelandesa a mostrar una nueva faceta dentro del pop y la música alternativa que poco conocían hasta entonces.

Además de eso, fue en esta placa de estudio donde Lorde expresó abiertamente su sentir acerca del amor romántico, la ansiedad y el temor de ser señalados por otras personas en la sociedad, sentimientos que probablemente varios experimentamos con más intensidad durante la adolescencia.

“Forever & Ever Amen” – The Drums (The Drums, 2010)  

The Drums es una de las bandas que vivió muchísimos cambios durante la década. El proyecto de Jonny Pierce que comenzó como un dúo, luego se convirtió en una banda, y que terminó siendo un proyecto solista, se dio a conocer por ahí de 2010 gracias a su primer disco homónimo, en donde varias canciones pegajosas llenas de sonidos surf, indie y post-punk, como es el caso de “Forever & Ever Amen”, llevaron a The Drums a ser una de las bandas favoritas del público, sobre todo del mexicano, que los ve cada que pueden en nuestro país.

“Seasons (Waiting On You)” – Future Islands (Singles, 2014)

Future Islands es una banda que con el paso del tiempo se ha dedicado a tener un sello especial en toda la música que hace, algo en gran medida gracias a la incomparable voz de Samuel T. Herring. Aunque sabemos que la banda estadounidense nos ha regalado varios tracks memorables, el que marcó la década para muchos fue “Seasons (Waiting On You)”, una metáfora sobre la evolución del amor como si fueran estaciones del año.

“Seasons fue una idea para explicar el paso del tiempo en una relación difícil que estuvo intermitente durante dos años y medio. Significa que a medida que el invierno se desmorona, para el verano volveremos a sentir amor. Luego, cuando llegue el invierno, se librará de esas cosas a las que nos aferramos”, mencionó Samuel en una entrevista para NME.

“Do I Wanna Know?” – Arctic Monkeys (AM, 2013)

Nos guste o no, Arctic Monkeys es una de las bandas más sobresalientes de la música alternativa. Y sí, a pesar de que en los últimos años sus discos han generado opiniones encontradas, incluso entre los fans, su quinto disco AM -inspirado en gran parte por The Velvet Underground y en donde hasta participó Josh Homme de QOTSA– fue uno de los más relevantes de la década, al grado de que en la actualidad posee el título del álbum de la banda con más ventas. Y no tenemos duda alguna de que mucho de eso, fue gracias a composiciones de Alex Turner y cía. como “Do I Wanna Know?”.

“Odessa” – Caribou (Swim, 2010) 

El músico canadiense Dan Snaith, bajo el nombre de Caribou, en 2010 dejó un poco de lado el sonido psicodélico y le regaló a sus fans una nueva faceta más encaminada al house y la música electrónica en su disco Swim, del cual se desprende la rola “Odessa”, una de las más populares de Snaith que hasta llegó a oídos de los gamers debido a su aparición en el FIFA 11.

“Oblivion” – Grimes (Visions, 2012)

Si conocieron a Grimes por haber sido novia de Elon Musk, el director ejecutivo de Tesla, entonces es porque jamás escucharon “Oblivion”. Este sencillo de la cantante –cuyo nombre real es Claire Elise Boucher–, a pesar de tener una tonada feliz, llena de sintetizadores, fue creada gracias al miedo de Grimes de ser agredida sexualmente, un sentimiento que la mayoría de las mujeres han experimentado alguna vez.

“La canción trata sobre ser asaltado violentamente y me volvió loca durante unos años. Me puse realmente paranoica al caminar por la noche y comencé a sentirme realmente insegura. Trata más sobre empoderarme físicamente entre el poder masculino, y el odio de sentirme impotente, aligerar el poder físico masculino, hacerlo jovial y no amenazante. Tomé una situación cultural típicamente violenta y la hice pop y feliz”, comentó en una entrevista a un medio de Australia en 2012.

“Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)” – Arcade Fire (The Suburbs, 2010)

Con la voz de Régine Chassagne como protagonista, otro de los tracks de The Suburbs con los que Arcade Fire nos enamoró, fue “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”, que tal cual retrata algunos pasajes de la infancia de Régine en la ciudad de Montreal, donde creció, y que a la vez contrastan con los problemas y sentimientos agobiantes que nos regala la vida adulta. ¡Nos representa!

“Animal” – Neon Trees (Habits, 2010) 

El cuarteto de indie rock proveniente de Utah, Estados Unidos, comenzó la década con el pie izquierdo y se ganó inmediatamente al público con “Animals”, de su disco debut Habits en donde el frontman de la banda , Tyler Glenn, hablaba abiertamente de lo masoquista que es en el amor, ya que al parecer le encanta que las chicas “complicadas” le roben el corazón. “Parece que necesito dolor. Pero, en general, cuando los humanos estamos enamorados, somos como animales”, dijo en su momento al diario australiano, The Examiner, sobre el origen de esta pieza.

 

“Breezeblocks” – alt-J (An Awesome Wave, 2012) 

Para muchos, An Awesome Wave, de los ingleses de Alt-J, es considerado uno de los discos debut más exitosos de la década, tanto que en 2012 incluso se ganó un Mercury Prize y ocupó un lugar en varios charts importantes de música en el mundo.

Y aunque todas las melodías de esta placa discográfica tienen su encanto, es “Breezeblocks” –inspirada en un libro infantil llamado ‘Where the Wild Things Are’, del estadounidense Maurice Sendak– la pieza musical que alcanzó un nivel más alto de popularidad entre los fans, sobre toco con el conocido videoclip en donde podíamos ver, al revés, una pelea violenta provocada por un aparente triángulo amoroso.

“What You Know” – Two Door Cinema Club (Tourist History, 2010) 

Aunque en la actualidad los integrantes de Two Door Cinema Club no se parecen ni tantito de cómo los conocimos al inicio de la década –tanto personal como musicalmente hablando–, sería una mentira decir que “What You Know” no ayudó a la banda proveniente de Irlanda del Norte a obtener el éxito del que gozan ahora.

Y es que a pesar de que la banda en 2010 ya había lanzado otros cuatro sencillos de su exitoso álbum debut Tourist History, fue con “What You Know” con la que la agrupación conformada por Alex Trimble, Sam Halliday y Kevin Baird, se hizo más conocida, y que a los fans les regaló una línea memorable que dice “You don’t want to be alone”, la cual ha sido coreada por miles de personas en el mundo.

 

“Lonely Boy” – The Black Keys (El Camino, 2011) 

Nunca nos dio tanta alegría el decir “Estoy solito y qué”, como cuando The Black Keys sacó al mercado “Lonely Boy”, de su séptimo disco El Camino (sí, ese que en la portada tiene una camioneta), una canción con un ritmo optimista, en donde alguien canta a ese amor imposible que sabe, jamás va a obtener, pero que aún así está decidido a esperar durante el tiempo que le sea necesario. ¡De las mejores canciones de la década! Ah, y también el mejor baile que alguien ha hecho en un videoclip musical.

“The Man” – The Killers (Wonderful, Wonderful, 2017)

Para muchos el título de la canción suena como una oda al genero masculino, sin embargo, para Brandon Flowers y The Killers, “The Man” fue más una manera de reflejar lo importante y frágil que puede ser el ego para algunos hombres, un golpe de realidad que aparentemente el frontman de la agrupación experimentó en los inicios de The Killers.

Perteneciente a Wonderful, Wonderful, el quinto disco de la banda proveniente de Las Vegas Nevada, y con un video en el que cuatro personajes diferentes encarnados por Flowers se obsesionan con el éxito y se rehúsan a dejar masculinidad a un lado, hicieron de “The Man” una de las rolas más escuchadas de esta década.

“Dance Yrself Clean” – LCD Soundsystem (This Is Happening, 2010) 

Nueve minutos no son suficientes cuando se trata de una canción como “Dance Yrself Clean”, de LCD Soundystem. En 2010 y como parte de la promoción de This is Happening, LCD lanzó esta pieza en la que James Murphy unió dos canciones en una sola, una con un rango vocal tan alto que casi le cuesta la voz (en serio).

En una entrevista para NME, el frontman mencionó que esta rola le dañó las cuerdas vocales al grado de que después de grabarla tuvo que tomar esteroides. “Esta es la canción que perdí la voz tratando de hacer. Es el registro de canciones más alto que he cantado … Prometí no escribir nada tan alto para mí. Pero entonces yo me entusiasmé con el sonido de un sintetizador y olvidé todo sobre mi rango vocal, y tuve que cantarlo con una voz que se apagó, pero tomé muchos esteroides“, mencionó.

“Blurred Lines” – Robin Thicke Ft. Pharrell & T.I (Blurred Lines, 2013) 

En marzo de 2013, no hubo un lanzamiento más escuchado que el de “Blurred Lines”, en donde el compositor y músico estadounidense Robin Thicke unió fuerzas con los raperos Pharrell y T.I. Y sí, aunque en su momento fue un hitazo y le dejó a Thike ganancias millonarias, poco le duró el gusto,

Como recordarán, Robin Thicke y compañía fueron demandados por plagio, ya que los hijos del mismísimo Marvin Gaye aseguraban que “Blurred Lines” era un plagio de la canción “Got To Give It Up”, compuesta en 1977 por el famoso cantante estadounidense.

Al final, un juez falló a favor de la familia de Gaye, por lo que tanto Robin como Pharell (quien fungió también como productor), tuvieron que desembolsar la cantidad de 7.3 millones de dólares a la parte afectada por el concepto de regalías, una pérdida de casi la mitad de lo que la canción generó en ganancias (hasta eso, les fue bien).

“Marks To Prove It” – The Maccabees (Marks To Prove It, 2015)

Esta década que está a punto de finalizar, nos dejó la dolorosa y sorpresiva separación de The Maccabees, una banda que a pesar de su innegable talento e ingenio musical, siempre pareció estar a la sombra de otras agrupaciones que nacieron casi a la par de ellos, como Foals y The Kooks, por mencionar a algunas, algo que terminó por pesarle a la banda.

Pese a todo, en 2015 la agrupación inglesa presentó su cuarto disco Marks To Prove It, del que se desprende uno de los singles que lleva el mismo nombre, y en el cual en su momento nos mostró una de las grabaciones más completas de The Maccabees, con más matices musicales que en trabajos anteriores y una de las composiciones favoritas de la década para varios.

“Safe and Sound” – Capital Cities  (In a Tidal Wave of Mystery, 2013)

Lanzada en Estados Unidos en el año 2011 y estrenada a nivel mundial hasta 2013, Capital Cities se ganó un puesto en el lugar de las canciones memorables de la década con “Safe and Sound”, incluida en el disco debut del duo, In a Tidal Wave of Mistery.

A diferencia de otras canciones, “Safe and Sound” sí expresa lo que da a entender su alegre ritmo. De acuerdo con los integrantes de Capital Cities, la pista fue creada como una especie de antídoto musical con el que querían que la gente dejara de ver al mundo como si estuviera en una especie de apocalipsis, y en su lugar se enfocaran en ver las cosas positivas que la humanidad goza actualmente.

 

“On Hold” – The xx (I See You, 2017)

Producida por el miembro de la banda Jamie xx, y utilizando samples de “I Can’t Go for That (No Can Do)”, de Hall & Oates, The XX convirtió a “On Hold” en uno de sus sencillos más exitosos hasta el momento, en el cual la agrupación inglesa ilustra una relación sentimental desgastada a más no poder, en donde uno de sus miembros se niega a dejarla ir y mejor prefiere ponerla “en pausa”. Eso casi ni pasa, ¿o no?

“I Will Wait” – Mumford & Sons (Babel, 2012) 

Babel es indudablemente uno de los mejores discos de Mumford And Sons en lo que llevan de carrera, tanto que en 2013 la Recording Academy los condecoró con un Grammy a ‘Álbum del Año’.

Al igual que varias de las pistas en esa placa de estudio, “I Will Wait” habla sobre la dificultad y disposición de una persona de mantener una relación a flote a pesar de la distancia o el tiempo, algo con lo que Marcus Mumford y los demás integrantes de la banda lidiaron durante la creación de dicho disco, el cual compusieron mientras se encontraban de gira por todo el mundo.

“Drunk In Love” – Beyoncé Ft. Jaz Z (Beyoncé, 2013) 

Conocida por ser una de las parejas más poderosas de la industria musical, en 2013 Beyoncé y Jay-Z decidieron unir su talento para lanzar “Drunk in Love”, en donde casi le gritaron al mundo entero que estaban muy enamorados y eran una de las parejas más fuertes y estables dentro del mundo.

No negamos que muchos les compramos esa historia, sin embargo, tres años después aparecieron los rumores de una infidelidad por parte de Jay-Z. Como la amiga que no se quiere dar cuenta, Beyoncé perdonó todo lo que su querido esposo le hizo, aunque también supo sacarle provecho, pues fue eso lo que inspiró su disco Lemonade, de 2016. Regresando al tema, de que “Drunk In Love” es una rolota, eso no lo vamos a negar.

 

“Pompeii” – Bastille (Bad Blood, 2013) 

Bastille es una banda que sigue activa en la actualidad, y aunque cuentan con varios sencillos y discos de estudio, es “Pompeii” la canción más conocida del grupo liderado por Dan Smith.

Perteneciente a su álbum de estudio debut Bad Blood, “Pompeii” está inspirada en la tragedia de Pompeya, en donde una gran erupción del volcán Vesubio terminó con la vida de miles de habitantes de las ciudades de Pompeya y Herculano, quienes quedaron enterrados en toneladas de material volcánico.

En una entrevista con la estación RadioX, en Reino Unido, Smith comentó que la composición se le ocurrió luego de imaginarse a dos personas atrapadas en la ceniza, y lo aburrido que seguro fue para ellos el quedarse en la misma posición durante cientos de años “La canción es una especie de conversación imaginaria entre estas dos personas que están atrapadas una al lado de la otra en su pose de muerte trágica”, detalló.

“The House That Heaven Built” – Japandroids (Celebration Rock. 2012) 

Llena de adrenalina y nacida bajo la idea de aferrarse a sus inicios, Japandroids sorprendió a propios y extraños con “The House Thay Heaven Built” en 2012, considerada por muchos como una de las piezas más épicas del dúo canadiense.

Su éxito fue tanto que incluso ganó un concurso organizado por los Vancouver Canucks, un equipo de la Liga Nacional de Hockey, convirtiéndose en el himno de entrada de éste y reemplazando a “Where the Streets Have No Name”, de U2.

“My Number” – Foals (Holy Fire, 2012) 

Lanzada al mercado en diciembre de 2012, “My Number”, track de su tercer LP Holy Fire, se volvió una de las canciones más conocidas de Foals, ya que a comparación de otras piezas del álbum, ésta mantenía la esencia característica que la banda dejó a sus seguidores en su trabajo anterior, Antidotes.

Repleta de ritmos rápidos y bailables, en conjunto con varios matices y velocidades en toda su duración, “My Number” fue, es y será una canción que será recordada como una de las mejores cosas que nos regaló la década.

“Love Interruption” – Jack White (Blunderbuss, 2012)

Probando suerte como solista, Jack White estrenó en 2012 la canción “Love interruption”, el primer sencillo de su disco en solitario Blunderbuss, en donde el músico estadounidense –conocido por tener otros proyectos musicales como The White Stripes y The Raconteurs– se guió de una guitarra y un teclado para cantarle al amor de una forma oscura y extraña.

Bajo la idea de que el ser humano puede ser capaz de sabotear todo lo que ama, White interpretó una pieza que marcó una nueva faceta en su vida como músico, y en la que estuvo acompañado de Ruby Amanfu, una cantante originaria de Nashville, Estados Unidos.

“See You Again” – Wiz Khalifa ft. Charlie Puth (Furious 7: Original Motion Picture Soundtrack, 2015)

Más allá de haber formado parte del soundtrack de The Fast and the Furious, en su séptima entrega, “See You Again” se convirtió en un himno póstumo dedicado a Paul Walker, protagonista de la franquicia que le daba vida al personaje de Brian O’Conner, y quien falleció en 2013 a consecuencia de un accidente automovilístico ocurrido en California.

La canción de Wiz Khalifa y Charlie Puth fue en un éxito rotundo, pues además de que la letra de “See You Again” hablaba sobre el deseo de volver a ver a un amigo muy querido, también estuvo acompañada de un video con varias escenas que Walker protagonizó en las cintas de The Fast and the Furious, en donde al final dan a entender que Brian O’Conner tomó su propio camino para dedicarse a su familia.

 

“Stay With Me” – Sam Smith (In The Lonely Hour, 2014) 

Quizá a muchos les parezca increíble, pero la realidad es que fue hace apenas cinco años cuando Sam Smith hizo su aparición triunfal en la música a nivel internacional gracias a la canción “Stay With Me”, de su aclamado disco debut In The Lonely Hour, en donde Smith, a través de una balada, expresó ese sentimiento de vacío que te deja el sexo casual.

“La canción trata sobre el momento de la mañana después de una aventura de una noche, cuando la persona con la que estás sale de tu casa, y entonces te quedas solo, y es solo un segundo donde estás como: ‘Deseo, deseo ‘. Ni siquiera los amas, realmente no te gustan tanto, sólo te es lindo tener a alguien en la cama a tu lado”, comentó Sam Smith en una entrevista con NME durante ese año.

“On Melancholy Hill” – Gorillaz (Plastic Beach, 2010)

La década comenzó con el pie derecho gracias a la publicación del disco Plastic Beach, de Gorillaz, una producción en donde la famosa banda virtual realizó una fuerte crítica a los estereotipos musicales de la actualidad, la sociedad en general, y que acompañó con una explosión de sonidos y la calidad musical que ha llevado a Gorillaz a ser un referente dentro de la música y la cultura pop. 

De todas las canciones que componen el álbum, destaca “On Melancoly Hill”, una pieza popera optimista pero a la vez triste, que de acuerdo con una entrevista que Murdoc –quien por cierto en septiembre de 2018 salió de la cárcel– brindó a NME, le hace honor a su títulos, pues es “ese sentimiento, ese lugar, lo que a veces entras en tu alma, como si alguien te bajara las llantas”. ¡Qué poético!

“The Look” – Metronomy (The English Riviera, 2011)

Cuando uno piensa en Metronomy, lo primero que se le viene a la cabeza es el pegajoso sonido del teclado en “The Look”, esa pista con tintes ochenteros, fresca, llena de matices musicales, y estrenada en 2011 para promocionar The English Riviera, el tercer disco de la agrupación de synthpop proveniente de Inglaterra.

Uno de los hits infalibles en la década de más de una persona, y de una que otra gaviota hecha a mano y animada con stop motion. No tenemos pruebas pero tampoco dudas.

“Retrograde” – James Blake (Overgrown, 2013) 

Inspirado por la relación que mantuvo con Theresa Wayman, de Warpaint, James Blake nos presentó en 2013 “Retrograde”, el primer single de su segunda placa discográfica Overgrown, en el que el cantante y compositor y productor inglés se inspiró del amor luego de una llamada mañanera que tuvo con Wayman.

Al menos así lo confirmó James Blake al sitio Pigeons & Planes, en una entrevista donde detalló cómo es que la gente pudo conectar con su creación musical gracias al sentimiento del amor. “Cuando escribo, ‘Estamos solos ahora’, se trata exactamente de eso, así que por eso la gente se relaciona con eso. Quizás tengan a alguien o quieran que les hablen así. Es gracioso cuando escribes una canción de amor; de repente te das cuenta de por qué el 99% de las canciones son canciones de amor, porque la reacción es tan poderosa”, mencionó.

“Midnight City” – M83 (Hurry Up, We’re Dreaming, 2011)

“Midnight City” del grupo de origen francés, M83, en 2011 se convirtió en una pieza musical donde tal cual, la banda habla sobre la belleza de la vida nocturna y cómo parece que ésta toma un sentido diferente cuando el sol se oculta.

Además de los elementos de dream pop, synth pop y electropop que se escuchan claramente en la rola, “Midnight City” también tomó relevancia en esta década gracias a su videoclip musical, en donde podemos ver a grupo de niños superdotados con poderes mentales, que más allá de todo son una referencia clarísima a varios filmes famosos como Village of the Damned, de John Carpenter, y Close Encounters of the Third Kind, de Steven Spielberg.

“Get Lucky” – Daft Punk ft. Pharrell Williams and Nile Rodgers (Random Access Memories, 2013)

Otros franceses que sobresalieron esta década fueron Daft Punk. Y es que luego de ocho años de ausencia –no estamos contando su participación en el soundtrack de la película Tron: Tron Legacy, de 2010– el dúo musical conformado por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, sorprendió a sus seguidores con el lanzamiento de “Get Lucky”, el primer sencillo de su disco Random Access Memories en el que contaron con la participación de Pharrell Williams –a quien conocieron en una fiesta de Madonna– y del legendario Nile Rodgers.

Una colaboración tan buena que incluso les hizo ganar varios premios Grammy, uno de ellos en la categoría Mejor Dúo, por allá de 2014, y con la que Daft Punk hizo el regreso triunfal de la década que muchos estábamos esperando.

 

“Ni**as In Paris” – Kanye West Ft. Jay-Z (Watch The Throne, 2011) 

Como sabemos que Kanye West no puede hacer las cosas de manera sencilla, entre 2010 y 2011 el rapero juntó su talento con el de Jaz-Z, para hacer un disco colaborativo que sin escucharlo, muchos ya sabían que sería uno de los más relevantes de 2011, en gran medida gracias a la fama de buenos productores que tienen estos dos personajazos.

De ahí salió “Ni**as In Paris”, himno que fue grabado por ambos músicos en Francia (obvio Kanye tenía que dejar en claro la idea) y el cual hasta cuenta con un cameo del actor Will Ferrell, pues en la canción se muestra una parte de la película Blades Of Glory (2007), donde participa el comediante y actor estadounidense.

“Firework” – Katy Perry (Teenage Dream, 2010) 

No hay nada mejor que escuchar una canción donde se nos recuerda la importancia del amor propio, y en esta década fue “Firework”, de Katy Perry la encargada de empodera a más de una persona con la letra de este track, en donde la cantante afirma, todas las personas tenemos una chispa que nos convierte en algo tan bello como los fuegos artificiales, incluso si a veces no lo notamos.

Una de las creaciones musicales más conmovedoras y emotivas que nos ha dado Katy Perry a lo largo de su carrera, y una pieza musical que fue producto de la inspiración que la cantante norteamericana encontró luego de leer la novela On the Road, de Jack Kerouac. ¡Simplemente es hermosa!

“Shake It Out” – Florence + the Machine (Ceremonials, 2011) 

Probablemente una de las baladas más hermosas que nos ha dado Florence + The Machine, ha sido “Shake It Out”, perteneciente a du segundo álbum Ceremonials, y la cual además de sobresalir por utilizar elementos musicales barrocos y hasta góticos, también se hizo famosa por la forma en la que fue concebida: Durante una resaca (a.k.a. cruda) que a Florence Welch le dio un día. ¡Es en serio!

La cantante de origen británico comentó a NME ese año que “Shake It Out” fue el resultado de una resaca que tuvo luego de haber bebido de más y que aunque la pieza fue lo que resultó de su inusual método para dejar de sentir los estragos del alcohol al día después, con el tiempo y sin imaginarlo se convirtió en una de sus melodías más famosas (y también una de nuestras favoritas).

“Diane Young” – Vampire Weekend (Moderns Vampires of the City, 2013)

Perteneciente al disco Moderns Vampires of the City –considerado por críticos como la obra cumbre de Vampire Weekend y uno de los discos más maduros y mejor pensadas de la agrupación encabezada por Ezra Koening–, “Diane Young” es un juego de palabras al término ‘Die Young’ (morir joven), muy ad hoc al concepto de este disco en donde Vampire Weekend toca ese tema en diferentes tracks y en el que además, hicieron un intento exitoso al mezclar conceptos de sonido antiguos con algunos más recientes. Una joya en toda la extensión de la palabra.

“Malamente” – Rosalía (El Mal Querer, 2018) 

Una cantante que fue una bocanada de aire fresco y un fenómeno mundial, tanto musical como mediáticamente hablando, durante esta década fue Rosalía. La intérprete española de 26 años de edad conquistó al público de todo el mundo en 2018 gracias a su disco El Mal Querer, una especie de tésis que Rosalía escribió para completar el Título Superior de Flamenco en la Escuela Superior de Música de Cataluña, y que a través de cada uno de sus tracks, relata las etapas de un amor enfermizo y violento. 

Con fuertes cargas simbólicas y referencias a la cultura gitana y andaluza, “Malamente” es el primer sencillo de El Mal Querer, y relata los efectos de un mal augurio (iniciando con la idea de que los espejos rotos dan mala suerte) así como la forma en la que esas señales sobre el futuro pueden afectar a las personas, al grado de afectar otras áreas de su vida.

“Queen” – Perfume Genius (Too Bright, 2014) 

Mike Hadreas, más conocido por su nombre artístico Perfume Genius, es un músico indie pop estadounidense con sede en Seattle que en 2014 lanzó “Queen”, una balada en donde Hadreas muestra su lado más popero, pero también una que puede llegar a ser extraña para quien la escucha.

De acuerdo con Pitchfork, Perfume Genius describe a esta pieza como una que plasma el “pánico gay”, y “el poder que uno puede obtener al conocer su mero ser, haciendo que todos los que están a su alrededor se sientan extremadamente incómodos”. 

“True Love Waits” – Radiohead (A Moon Shaped Pool, 2016)

Sí, ya sabemos que “True Love Waits” fue compuesta hace muchísimos años –de hecho Radiohead la tocó por primera vez por allá de 1995– pero es importante mencionar que fue esta la década en la que finalmente la agrupación de Thom Yorke decidió ponerla en un álbum de manera formal, siendo A Moon Shaped Pool la grabación elegida para ello.

Se dice que la canción fue escrita en el tiempo en el que Yorke estuvo con Rachel Owen, su pareja sentimental durante varios años y de quien se separó en 2015. Y sinceramente las teorías no suenan nada descabelladas, pues es bien sabido que Rachel –quien falleció en 2016 luego de una larga batalla contra el cáncer– fue la musa del cantante y compositor durante varios años.

De hecho así fue incluso cuando decidieron tomar caminos separados, pues Thom Yorke aprovechó todos los sentimientos que le dejó su ruptura sentimental para crear A Moon Shaped Pool, en donde encontramos la nueva versión sentimental y emotiva de “True Love Waits”.

 

“Hotline Bling” – Drake (Views, 2016) 

Más allá de que la rola de Drake nos de a entender que el rapero aún no supera a su ex novia y se la vive pensando en ella y en las llamadas que le hacía para invitarla a hacer quien sabe qué cosas (eso o  del buen ritmo que la canción tiene), no vamos a negar que “Hotline Bling” se volvió popular en la década gracias al baile que se muestra en el videoclip musical, que incluso convirtió a Drake en un meme muy memorable de los últimos 10 años.

“Chandelier” – SIA (1000 Forms of Fear, 2014)

Uno de los himnos musicales más sonadas de la década y también, ese en el que SIA mostraba el gran rango vocal que tiene. “Chandelier” plasmó los problemas con alcohol y drogas que la cantante australiana enfrentó en el pasado, ya que la canción habla sobre la vacía y triste vida de una chica que sólo se la vive en las fiestas, y es una respuesta a todas esas pistas que celebran los excesos.

Asimismo, la pista se hizo famosa gracias a la viralidad de su videoclip -protagonizado por Maddie Ziegler, del programa de televisión Dance Moms–, tanto que llegó a ser uno de los videos más vistos en toda la historia de la famosa plataforma. ¡Órale!

“Under the Pressure” – The War on Drugs (Lost in the Dream, 2014) 

Así como las cosas consideradas como buenas o bonitas de la vida pueden inspirar las más bellas canciones, también es posible lograr el mismo resultado con esas cuestiones oscuras y deprimentes que a veces el mundo nos pone en el camino.

Eso lo demostró mejor que nadie The War on Drugs en 2014 cuando lanzó “Under the Pressure”, un track que nació luego de la ruptura sentimental que Adam Granduciel, líder de la agrupación, tuvo con la que en ese entonces era su novia, además del aislamiento que eso le provocó durante varias semanas. Una canción basada prácticamente en la paranoía y depresión a la que Granduciel se enfrentó hace un par de años.

 

“All the Stars” – Kendrick Lamar Ft.  SZA (Black Panther: The Album, 2018) 

El año pasado Kendrick Lamar se aventó la gran misión de escribir varias canciones para la banda sonora de la película Black Panther, esto como una petición especial por parte del director de la cinta, Ryan Coogler, quien le encargó las letras al rapero estadounidense.

Éstas le dieron paso a Black Panther: The Album,  un disco musicalizado por el productor musical de origen sueco, Ludwig Göransson, y que a través de 14 canciones –algunas de ellas con colaboraciones de artistas como James Blake, The Weeknd, Travis Scott, entre otros– rinden tributo a la cultura africana, teniendo a “All the Stars”, como tema principal de la cinta producida por Marvel Comics, en donde Lamar volvió a colaborar con la cantante americana SZA.

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