Cine y Tv
El gabinete del doctor Caligari: la primera película que fue más allá del cine
Las bases del terror se remontan a las leyendas de la antigüedad, mientras que su consolidación como género en la ficción comenzó en el siglo XVII con la literatura. En el caso del cine, creativos como Georges Méliès recurrieron a elementos macabros para distintos proyectos, pero no fue hasta 1920 que se afianzó de lleno en pantalla grande con El gabinete del doctor Caligari. La cinta nos introduce con el hipnotista titular, el cual emplea sus habilidades para convertir a Cesare en su herramienta para la ejecución de atroces crímenes. Una trama oscura y perturbadora que, aunada a su inconfundible estética, le convertiría en la primera película de terror de toda la historia.
Las bases de Caligari se remontan a 1913, cuando Hans Janowitz vio cómo un extraño sujeto seguía a una joven hasta detrás de unos arbustos, donde la encontraron muerta a la mañana siguiente. No menos importantes fueron las de Carl Mayer, quien dispuesto a todo por evitar el reclutamiento para la Gran Guerra, resistió una serie de hostiles evaluaciones psiquiátricas que le permitieran alegar locura. Varios años después, la dupla visitó un espectáculo circense en Berlín y quedó sorprendida por el número de un hombre en estado de hipnosis que era capaz de realizar toda clase de proezas físicas. Fue así como, sin ninguna experiencia cinematográfica previa, ambos creativos se dieron a la tarea de escribir un guion que quedó listo en tan solo seis semanas.
La originalidad de la historia llamaría la atención de Erich Pommer, uno de los productores más importantes de su tiempo, lo que fue determinante para la incorporación de los experimentados Werner Krauss y Conrad Veidt en los respectivos papeles de Caligari y Cesare. No menos destacados fueron los esfuerzos de Pommer por contar con la dirección de un joven y muy prometedor Fritz Lang, quien finalmente abandonó el proyecto en beneficio de Die Spinnen, 1. Teil – Der Goldene See (1919), lo que provocó que su lugar fuera ocupado por Robert Wiene.
Mención especial para la tercia integrada por Walter Reimann, Walter Röhrig y Hermann Warm, cuyo brillante diseño de producción construido a base de sombras pintadas sobre los escenarios y ángulos afilados resultó en un crudo reflejo de la locura que aquejaba a su personaje titular. Una propuesta simbólica que permitió la inmersión del celuloide en el expresionismo, lo que marcó el inicio del periodo más brillante de la industria alemana y consolidó al cine como una expresión artística equiparable a la pintura o la escultura.
Un mundo caligarista
Caligari fue abrazada por la crítica alemana que no vaciló en acreditarla como una de las mejores películas realizadas hasta entonces. La opinión norteamericana fue más dividida, pues algunos aplaudieron su frescura y la consideraron una importante llamada de atención para su industria fílmica local que parecía sumirse en el estancamiento creativo; otros la consideraron una película impropia de la posguerra que requería “una ficción sana y útil, no dosis alopáticas de morbo y extravagancias” [vía]. La respuesta de las audiencias norteamericanas fue aún más violenta, pues su estreno motivó manifestaciones contra la proyección de películas alemanas al considerarlo una auténtica ofensa tras la Gran Guerra y una afrenta contra la cultura americana. Fue así como se convirtió en una de las primeras afectadas de la xenofobia cinematográfica que aún sigue manifestándose en algunos sectores de la sociedad estadounidense.
Estas reacciones le permitieron hacer historia desde muy temprano, pero su verdadera leyenda se generó más de veinte años después, cuando empezó a ser vista como un poderoso referente del contexto en el que fue realizada: una Alemania atormentada tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, así como por las penalizaciones establecidas en el Tratado de Versalles que le atribuyeron toda la responsabilidad del conflicto, le privaron de buena parte de sus colonias y le obligaron a pagar toda clase de indemnizaciones a los Aliados. Esto resultó en una severa crisis social, política y económica, así como en una sensación de aislacionismo del resto de Europa.
El propio Janowitz reconoció en The Story of a Famous Story que “muchos años después de que terminamos el guion me percaté de nuestra intención subconsciente (…): la conexión entre el doctor Caligari y el gran poder autoritario de un gobierno que odiábamos y que nos había sometido a un juramento, reclutado de manera forzosa a aquellos que se oponían a sus fines bélicos, y obligado a asesinar y ser asesinados”.
No menos perturbador fue que en 1947, el crítico Siegfried Kracauer [vía] consideró que la cinta era más que un reflejo simbólico de su tiempo, pero también una cruda premonición de los horrores venideros al considerarla una muestra de la pérdida de la voluntad suscitada en el pueblo germano que desencadenó la necesidad de control a cargo de una figura de autoridad. “Una premonición específica en el sentido que [Caligari] usa poderes hipnóticos para forzar su voluntad en su herramienta [Cesare], una técnica que anticipaba en contenido y propósito, la manipulación del alma que Hitler fue el primero en practicar a gran escala”.
Es así como Caligari en una advertencia incomprendida sobre un modo de pensar que llevó al Holocausto y la II Guerra Mundial. Irónicamente, esto desembocó en una nueva crisis sociopolítica para Alemania que aún batalla por asimilar su culpa en el momento más oscuro en la historia moderna de la humanidad. Quizá por ello, hay quienes piensan que una mejor lectura de su mensaje habría podido cambiar el curso de la historia.
Legado cinematográfico de Caligari
David J. Skal [vía] describe a Caligari como “una especie de Sputnik cultural lanzado por Europa” que facilitó la expansión de diversas manifestaciones artísticas entre las que destacó el expresionismo alemán. Esto fue determinante en la narrativa y estética de numerosos títulos entre los que resaltan Nosferatu (1922) y Metrópolis (1927), consideradas las más importantes herederas de la corriente y ubicadas hasta nuestros días entre las películas más importantes en toda la historia del cine.
No pasó mucho tiempo para que su legado rebasara la tendencia artística y las fronteras germanas hasta convertirse, junto con Acorazado Potemkin (1925), en una de las cintas más influyentes del celuloide. Fue una importante fuente de inspiración para la concepción de Universal Monsters, tanto en la parte estética que puede apreciarse claramente en los decorados de Drácula (1931) y Frankenstein (1931), como en el posicionamiento de arquetipos como el científico loco. Su estética fue imitada hasta el cansancio por el cine negro, que terminó siendo su heredero para convertirse en uno de los géneros más exitosos del mundo entero con títulos como Al borde del abismo (1946) o El tercer hombre (1949) entre sus grandes exponentes. Historiadores coinciden en que tuvo una gran influencia en la obra de Ingmar Bergman, mientras que realizadores como Charles Laughton y Orson Welles admitieron que Caligari fue fundamental para algunas de sus cintas, siendo Ciudadano Kane (1941) la más relevante al ser considerada por algunos sectores de la crítica como la mejor película de todos los tiempos.
Más recientemente, cineastas como Tim Burton, Alex Proyas y Christopher Nolan han emulado lo visto en Caligari en algunas de sus obras más importantes. Incluso el cine de superhéroes tiene mucho que agradecerle, pues el clásico alemán impulsó la carrera de Conrad Veidt, quien tiempo después emigró a los Estados Unidos donde participó en títulos como Dark Journey (1937) y Casablanca (1942). Su mayor aportación a la industria norteamericana fue El hombre que ríe (1928), adaptación de la novela homónima de Victor Hugo y cuya brillante caracterización inspiró la apariencia de Joker, el villano más popular del cómic estadounidense cuyas encarnaciones a cargo de Heath Ledger y Joaquin Phoenix han dado al subgénero sus dos únicos Premios de la Academia en ternas histriónicas.
Presente y futuro de Caligari
La obra maestra del expresionismo alemán estrenó en su país bajo el tagline de “Te convertirás en Caligari”. Una frase que se empeña en tornarse profética, lo que ha permitido que a más de un siglo de distancia, El gabinete del Doctor Caligari continúe entre los grandes clásicos del cine gracias a la perdurabilidad de sus valores.
En el aspecto técnico, historiadores aseguran que su estreno bien merece ser ubicado entre los mayores saltos evolutivos del cine, equiparable al sonido y superior al color. No conforme con ello, su inconfundible estética le ha convertido en una de las películas más reconocibles de todos los tiempos, pues incluso quienes no la han visto son capaces de saber a qué película pertenecen sus fotogramas.
Más importante aún es su mensaje simbólico, que parece recobrar su fuerza inicial en un mundo que se acerca peligrosamente al viejo autoritarismo con políticas extremistas y mandatarios que han encontrado diversas fórmulas para ejercer un control casi absoluto de las masas. Fuerzas de potencia casi sobrenatural que, tal y como dicta el primer intertítulo de la película “están a nuestro alrededor” y que sólo pueden ser derrotadas con el despertar de la sociedad.
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Guía Ambulante 2024: Fechas, horarios, tips y ruta de películas para disfrutar de la gran fiesta del documental
La edición 2024 de Ambulante Gira de Documentales, la fiesta por excelencia del documental en México, llega nuevamente con una gira itinerante que llevará más de 90 títulos a cuatro estados de la República. Su selección está compuesta por producciones de 23 países distintos, que incluyen largometrajes, cortometrajes, animaciones, estrenos nacionales y un estreno mundial. Además de las proyecciones, también se realizarán eventos como clases magistrales, jornadas infantiles, conversatorios con creadores, instalaciones artísticas, talleres, funciones de teatro documental, entre otras actividades dedicadas a abrir la conversación alrededor de los documentales y llevarlos a territorios de impacto. La gran mayoría de los eventos serán gratuitos.
Desde su primera edición en 2006, Ambulante ha sido un catalizador en la formación de públicos para el género documental. Ha fungido como umbral, como puerta, como bienvenida. Es uno de los festivales ideales para empezar a empaparnos de las historias que capturan nuestra realidad, pero también para reflexionar sobre las formas en que podemos contarnos a nosotros mismos, nuestras memorias y la de nuestras comunidades.
La 19 edición nos presenta una nueva oportunidad para dejarnos llevar por el cine documental. Aquí te decimos todo lo que debes saber para sacarle el máximo provecho.
¿Cuándo y dónde?
Primero lo primero. Antes de hacer tu itinerario asegúrate de conocer los días que la gira estará en tu estado. Ambulante 2024 visitará Ciudad de México, Veracruz, Michoacán y Querétaro, entre el 10 de abril y el 26 de mayo. Estas son las fechas de cada parada.
- Ciudad de México– del 10 al 21 de abril
- Veracruz- del 2 al 12 de mayo
- Michoacán- del 8 al 19 de mayo
- Querétaro- del 15 al 26 de mayo
¿Hay forma de disfrutar de Ambulante si la gira no pasará por mi estado o localidad?
La buena noticia es que parte de la programación estará disponible de manera gratuita en el sitio nuestrocine.mx, durante los siguientes días de mayo: del 2 al 5, del 9 al 12 y del 16 al 19.
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¿Qué ver en Ambulante 2024?
Una vez que has tomado en cuenta las fechas de la gira, recomendamos hacer un itinerario de las películas que te gustaría ver, aunque sabemos que al principio no es tan fácil. Cuando nos enfrentamos a la programación de un festival de cine es difícil no abrumarse con los listados de proyecciones, sedes y horarios. Sobre todo cuando se trata de nuestra primera vez y la mayoría de los títulos y nombres nos son en su mayoría desconocidos (pues no cuentan con los mismos niveles de notoriedad o marketing que las grandes producciones que nos llegan de Hollywood).
Afortunadamente, existen estrategias sencillas que nos ayudan a orientarnos. Una de ellas es revisar los caminos que el mismo festival propone a sus espectadores.
Históricamente, Ambulante ha dividido su selección de películas en nueve secciones: Pulsos, que son documentales mexicanos; Intersecciones, que agrupa documentales internacionales; Resistencias, que presenta documentales enfocados en la justicia y la defensa de los derechos humanos; Retrovisor, películas que le dan vida al archivo cinematográfico; Sonidero, películas que homenajean lo sonoro y unen música y cine; Ambulantito, una sección dirigida a las infancias; Invocaciones, que cada año presenta retrospectivas de creadores; Injerto, que presenta cine de vanguardia, y Coordenadas, una sección formada por películas realizadas en cada región que visita el festival (veracruzanas para Veracruz, michoacanas para Michoacán, etc).
Las secciones, además de categorizar, nos proponen rutas cinematográficas, de modo que si lo que te interesa son los documentales mexicanos puedes seguir las proyecciones y los horarios de la sección Pulsos, o si estás más interesado en aquellos trabajos sobre protagonistas que resisten al statu quo, puedes seguir la sección Resistencias. Y así con cada una.
Otra forma eficaz de orientarte es poner atención a las recomendaciones de tu crítico, medio o analista de cine favorito. A continuación te presentamos una ruta curada, que puedes seguir o tomar como referencia.
Ruta Cine PREMIERE- Ciudad de México
Ambulante ya cuenta en su página con un programa de mano completo para sus actividades y proyecciones en Ciudad de México. La siguiente propuesta de ruta retoma las actividades ahí mencionadas y toma en cuenta horarios y distancias entre cada sede para que puedas sacarle el mayor provecho a la programación de cada día, mientras cumples con tus jornadas laborales y demás compromisos diarios.
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Miércoles 10 de abril- función inaugural
Tres promesas (Dir. Yousef Srouji)
¿Por qué verlo? Una madre palestina filma en videos caseros la vida cotidiana de su familia, mientras el ejército israelí emprende una ofensiva contra la Segunda Intifada a principios del año 2000. Años después, su hijo retoma el pietaje para construir un documental que ofrece un vistazo distinto al conflicto israelí-palestino, y que nos ayuda a entender las dinámicas de ocupación de la región.
A qué hora y dónde- 19:30 hrs, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Para tomar en cuenta: La entrada es gratuita, por lo que te recomendamos llegar con tiempo de anticipación. La taquilla abrirá desde las 4:00 pm.
Jueves 11 de abril- Elige entre una película o una masterclass
Función: Soundtrack para un golpe de estado (Dir. Johan Grimonprez)
¿Por qué verlo? Es un documental innovador, que yuxtapone la música jazz con la historia del asesinato del líder africano Patrice Lumumba y la forma en que un golpe de estado acabó con un sueño y permitió que los poderes colonialistas siguieran explotando la región. Es una lección de historia, pero de esas que no te dejan despegar los ojos de la pantalla.
Habrá una sesión de preguntas y respuestas después de la función.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Le Cinema IFAL
Masterclass: Cine y poesía con Lynne Sachs
A partir de fragmentos de sus propias películas, la realizadora experimental Lynne Sachs compartirá reflexiones sobre cómo trenzar cine y poesía: la visualización de textos poéticos, el ensayo cinematográfico, y cómo usar la imagen para expandir la realidad a partir de lo poético.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cineteca Nacional
Viernes 12 de abril- disfruta de una función doble
1. El Eco (Dir.ª Tatiana Huezo )
¿Por qué verlo? Documental ganador en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, en él la realizadora mexicana Tatiana Huezo explora la fragilidad del campo y de la niñez a partir de la vida cotidiana del pueblo El Eco, en donde el viento transporta murmullos y las infancias aprenden a coexistir con el mudo natural.
Habrá sesión de preguntas y respuestas.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinépolis Universidad
2. Favoriten (Dir.ª Ruth Beckermann)
¿Por qué verlo? Este documental sigue las aventuras, los triunfos y las fascinantes personalidades de un grupo de niños, hijos de migrantes, que asisten a una escuela primaria de alto riesgo en un barrio marginal de Viena. El salón de clase es una comunidad, un retrato de la sociedad europea actual a pequeña escala, que nos enternece, nos divierte, y nos sorprende con la lucidez y magnetismo de sus pequeños protagonistas.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinépolis Universidad
Sábado 13 de abril- Choose your own adventure
Opción 1- Para los cinéfilos y amantes de las imágenes:
Y el rey dijo: Qué máquina tan fantástica (Dirs. Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck)
¿Por qué verlo? Este documental nos sumerge en la historia de las imágenes y reflexiona sobre la relación que las personas hemos construido con la cámara a lo largo de la historia: ¿para qué la hemos usado? ¿cómo nos hemos retratado a nosotros mismos? ¿y cómo ha cambiado nuestra relación con las imágenes y la cámara a lo largo del tiempo y de cara a los avances tecnológicos?
Habrá un conversatorio al finalizar la función, con los creadores de contenido: Sofía Poiré, Kristian Gabriel, Rodrigo Vázquez Venegas y Marbella Figueroa.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Le Cinema IFAL
Opción 2- Para quienes disfrutan de trabajos que unen cine y gastronomía:
El menú de los placeres: La familia Troisgros (Dir. Frederick Wiseman)
¿Por qué verlo? Esta película nos da la oportunidad de asistir a una experiencia inmersiva, en donde un grupo de talentosos artistas culinarios hacen magia: después de todo, preparar platillos de gran calidad es un asunto de disciplina, creatividad e imaginación.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cine Tonalá
Domingo 14 de abril- otra función doble
1. Queendom (Dir.ª Agniia Galdanova)
¿Por qué verlo? Este es el retrato de Gena Marvin, una activista queer temeraria, que protesta contra el gobierno ruso de formas que retan y absorben nuestros sentidos. Sus performances son extensiones de su mundo interno: resistencias contra la guerra en Ucrania que visten zapatos de plataforma y pintura en el cuerpo. Nos recuerda que la valentía puede adoptar muchas apariencias.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinepolis Universidad
2. Malqueridas (Dir.ª Tana Gilbert)
¿Por qué verlo? Este trabajo de la directora chilena Tana Gilbert muestra la vida de madres que cumplen sentencias en las cárceles, a través de las grabaciones de sus propios teléfonos móviles. Es un vistazo a la maternidad desde el encierro, que despierta reflexiones sobre las condiciones a las que se enfrentan estas mujeres.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinepolis Universidad
Jueves 18 de abril
El guardián de las monarcas (Dir. Emiliano Ruprah de Fina)
¿Por qué verlo? Este documental investiga la muerte y desaparición del activista ambientalista Homero Gómez González, mientras expone los intereses criminales que amenazan el Santuario de la Mariposa Monarca en Michoacán.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Centro Cultural José Martí
*Conforme se den a conocer las programaciones de los otros tres estados de la República, publicaremos las rutas para cada uno.
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En el universo de Star Wars, el color del sable de luz es definido por el cristal Kyber, el cual refleja la personalidad y habilidades del portador. Recordemos que, como parte del entrenamiento, un Jedi debe fabricar su propio sable de luz y seleccionar el cristal que le dará vida. Estos cristales son sensibles a la Fuerza, por lo que su verdadero color es revelado al entrar en conexión con un Jedi o un Sith.
¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars? Al inicio de la saga era más sencillo: rojo para los malos y verde o azul para los buenos. Sin embargo, con el paso del tiempo y la expansión del universo, conocimos nuevos colores y a cada uno se les dio un significado diferente.
El canon actual no cuenta con significados especiales para estas armas, por lo cual nos basaremos en el significado de Legends y en algunos conceptos que nos ha dado el canon.
Azul
Este color es usado por los guardianes Jedi: se enfocan en el uso de la Fuerza de manera táctica y física. Por esa razón es que es el color más común.
Los portadores más conocidos: Anakin Skywalker, Obi-Wan y Leia Organa.
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Verde
Son utilizados por los Consul Jedi: pensadores que se dedican a estudiar los misterios de la Fuerza. Representan la sabiduría, la armonía y son utilizados por los Jedi más sabios y de mayor rango.
Los portadores más conocidos: Yoda, Qui-Gon Jinn y Luke Skywalker.
Rojo
Este color representa la ira, la maldad y el tormento. Después de ser corrompido por el lado oscuro, un Sith no establece conexión con el cristal Kyber, sino que lo doblega hasta hacerlo “sangrar”, de ahí el color rojo.
Los portadores más conocidos: Darth Vader, Darth Sidious, El gran inquisidor, Darth Maul y todo aquel usuario del lado oscuro.
Amarillo
En el universo Legends, son usados por los Centinela Jedi: miembros de la orden que se enfocan en los estudios de combate, medicina y tecnología. En la serie animada de Clone Wars los vemos empuñados por los guardianes del templo Jedi en Coruscant.
Naranja
Este color no ha sido utilizado por algún Jedi del canon actual. No obstante, en Legends es utilizado por los Jedi de gran fuerza física y de carácter oscuro.
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Este color podía ser seleccionado por un jugador del videojuego Star Wars Jedi: Fallen Order si se reservaba en preventa.
Morado
Es un color usado por los Jedi que pueden balancearse entre el lado oscuro y de la luz sin llegar a ser corrompidos. El morado representa la ambigüedad moral del portador y es un color muy raro entre los miembros de la orden.
La historia original nace a partir de la petición de Samuel L. Jackson a George Lucas de que su personaje portara un sable de color morado, ya que es el color favorito de Samuel.
El portador más conocido: Mace Windu.
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Dorado
Es portado por todo aquel Jedi entregado en su totalidad al lado luminoso, representa la compasión y la sabiduría.
Después del final del Episodio IX, quedó la duda de qué significado tendría este color de sable de luz dentro del canon, pues al final de la cinta Rey crea su propio sable dorado. Muchos fanáticos han llegado a la conclusión de que significa el balance entre el lado oscuro y de la luz, ya que Rey nace con la sangre de Palpatine, pero su entrenamiento corrió a cargo de un Skywalker.
Blanco
Ahsoka Tano es la única portadora de este color en toda la franquicia. Sus sables de luz fueron creados a partir de su pelea con el sexto hermano inquisidor: Ahsoka tomó sus cristales y utilizó la fuerza para purificarlos.
Negro
Es el color de un sable único creado por Tarre Vizsla, el primer Jedi mandaloriano. Después de la muerte de Tarre Vizla, el sable fue ocultado en el templo Jedi y robado por el Clan Vizsla. Su primer aparición fue en la serie de Clone Wars.
Su color representa el poder absoluto, supremacía y orgullo. Por lo tanto, se convirtió en un símbolo de liderazgo para los mandalorianos. Según sus costumbres, todo aquel que empuñe el sable negro obtendrá el titulo de Mand’alor, gobernante de Mandalore. La única forma de obtenerlo es derrotando al portador anterior en un combate a muerte.
El sable ha sido portado por Tarre Vizsla, Pre Vizsla, Bo-Katan entre otros. Din Djarin es el actual poseedor del sable negro.
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Robert De Niro, leyenda viva del cine, se ha consolidado como uno de los actores más influyentes y respetados de su generación. Nacido el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, De Niro ha dedicado su vida al arte de la actuación, convirtiéndose en un verdadero camaleón de la pantalla grande. Su capacidad para interpretar a los personajes, desde el más despiadado mafioso hasta el padre más comprensivo, ha dejado una gran huella en la historia del cine.
Una trayectoria de éxitos y personajes memorables
La carrera de Robert De Niro es un conjunto de actuaciones que han definido géneros y eras. Desde sus primeros días bajo la dirección de Martin Scorsese en Taxi Driver hasta su papel icónico como Vito Corleone en El Padrino II, De Niro ha demostrado una versatilidad asombrosa. Su colaboración con Scorsese, en particular, ha dado lugar a algunas de las películas más recordadas del cine, incluyendo Toro Salvaje y Goodfellas. Sin embargo, su capacidad para adaptarse no se limita a los dramas intensos; también ha brillado en comedias como Los padres de ella.
Además, otra de sus actuaciones más destacadas la encontramos en el papel que hizo en Casino, una película que introduce al espectador en el mundo de las apuestas, el poder y la codicia en Las Vegas. En este drama épico, De Niro interpreta a Sam «Ace» Rothstein, un profesional de las tragamonedas y juegos de azar que es llamado para dirigir uno de los casinos más importantes de la ciudad.
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Alto Knights, la nueva aventura de De Niro
Robert De Niro regresa al género que lo vio nacer como estrella con Alto Knights, una película que se espera que esté entre las destacadas de la larga lista de éxitos del actor en el cine de mafia. Dirigida por Barry Levinson, Alto Knights se sumerge en la historia de dos de los jefes de la mafia más notorios de Nueva York, Frank Costello y Vito Genovese, interpretados por De Niro, quien asume el reto de dar vida a ambos personajes.
La película, que inicialmente llevaba el título The Wise Guys, ha sido rebautizada como Alto Knights y está programada para estrenarse el 15 de noviembre de 2024. Este cambio de nombre y la postergación de la fecha de lanzamiento se debe a que los creadores quieren que salga todo perfecto con este proyecto. Aunque aún no se ha lanzado un tráiler, la anticipación crece día a día.
Por otro lado, el elenco de Alto Knights se complementa con talentos como Debra Messing y Kathrine Narducci, quienes, junto a De Niro, prometen llevar al público a un viaje inolvidable a través de las complejidades del poder y la traición en el mundo del crimen organizado. La dirección de Levinson, combinada con el guión de Nicholas Pileggi y la producción de Irwin Winkler y Jason Sosnoff, asegura que esta producción será una pieza imprescindible para los aficionados al género de la mafia y para aquellos que aprecian el cine de alta calidad.
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