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El gabinete del doctor Caligari: la primera película que fue más allá del cine

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Las bases del terror se remontan a las leyendas de la antigüedad, mientras que su consolidación como género en la ficción comenzó en el siglo XVII con la literatura. En el caso del cine, creativos como Georges Méliès recurrieron a elementos macabros para distintos proyectos, pero no fue hasta 1920 que se afianzó de lleno en pantalla grande con El gabinete del doctor Caligari. La cinta nos introduce con el hipnotista titular, el cual emplea sus habilidades para convertir a Cesare en su herramienta para la ejecución de atroces crímenes. Una trama oscura y perturbadora que, aunada a su inconfundible estética, le convertiría en la primera película de terror de toda la historia.

Las bases de Caligari se remontan a 1913, cuando Hans Janowitz vio cómo un extraño sujeto seguía a una joven hasta detrás de unos arbustos, donde la encontraron muerta a la mañana siguiente. No menos importantes fueron las de Carl Mayer, quien dispuesto a todo por evitar el reclutamiento para la Gran Guerra, resistió una serie de hostiles evaluaciones psiquiátricas que le permitieran alegar locura. Varios años después, la dupla visitó un espectáculo circense en Berlín y quedó sorprendida por el número de un hombre en estado de hipnosis que era capaz de realizar toda clase de proezas físicas. Fue así como, sin ninguna experiencia cinematográfica previa, ambos creativos se dieron a la tarea de escribir un guion que quedó listo en tan solo seis semanas.

La originalidad de la historia llamaría la atención de Erich Pommer, uno de los productores más importantes de su tiempo, lo que fue determinante para la incorporación de los experimentados Werner Krauss y Conrad Veidt en los respectivos papeles de Caligari y Cesare. No menos destacados fueron los esfuerzos de Pommer por contar con la dirección de un joven y muy prometedor Fritz Lang, quien finalmente abandonó el proyecto en beneficio de Die Spinnen, 1. Teil – Der Goldene See (1919), lo que provocó que su lugar fuera ocupado por Robert Wiene.

Mención especial para la tercia integrada por Walter Reimann, Walter Röhrig y Hermann Warm, cuyo brillante diseño de producción construido a base de sombras pintadas sobre los escenarios y ángulos afilados resultó en un crudo reflejo de la locura que aquejaba a su personaje titular. Una propuesta simbólica que permitió la inmersión del celuloide en el expresionismo, lo que marcó el inicio del periodo más brillante de la industria alemana y consolidó al cine como una expresión artística equiparable a la pintura o la escultura.

El gabinete del doctor Caligari Das Cabinet des Dr. Caligari

Un mundo caligarista

Caligari fue abrazada por la crítica alemana que no vaciló en acreditarla como una de las mejores películas realizadas hasta entonces. La opinión norteamericana fue más dividida, pues algunos aplaudieron su frescura y la consideraron una importante llamada de atención para su industria fílmica local que parecía sumirse en el estancamiento creativo; otros la consideraron una película impropia de la posguerra que requería “una ficción sana y útil, no dosis alopáticas de morbo y extravagancias” [vía]. La respuesta de las audiencias norteamericanas fue aún más violenta, pues su estreno motivó manifestaciones contra la proyección de películas alemanas al considerarlo una auténtica ofensa tras la Gran Guerra y una afrenta contra la cultura americana. Fue así como se convirtió en una de las primeras afectadas de la xenofobia cinematográfica que aún sigue manifestándose en algunos sectores de la sociedad estadounidense.

Estas reacciones le permitieron hacer historia desde muy temprano, pero su verdadera leyenda se generó más de veinte años después, cuando empezó a ser vista como un poderoso referente del contexto en el que fue realizada: una Alemania atormentada tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, así como por las penalizaciones establecidas en el Tratado de Versalles que le atribuyeron toda la responsabilidad del conflicto, le privaron de buena parte de sus colonias y le obligaron a pagar toda clase de indemnizaciones a los Aliados. Esto resultó en una severa crisis social, política y económica, así como en una sensación de aislacionismo del resto de Europa.

El propio Janowitz reconoció en The Story of a Famous Story que “muchos años después de que terminamos el guion me percaté de nuestra intención subconsciente (…): la conexión entre el doctor Caligari y el gran poder autoritario de un gobierno que odiábamos y que nos había sometido a un juramento, reclutado de manera forzosa a aquellos que se oponían a sus fines bélicos, y obligado a asesinar y ser asesinados”.

No menos perturbador fue que en 1947, el crítico Siegfried Kracauer [vía] consideró que la cinta era más que un reflejo simbólico de su tiempo, pero también una cruda premonición de los horrores venideros al considerarla una muestra de la pérdida de la voluntad suscitada en el pueblo germano que desencadenó la necesidad de control a cargo de una figura de autoridad. “Una premonición específica en el sentido que [Caligari] usa poderes hipnóticos para forzar su voluntad en su herramienta [Cesare], una técnica que anticipaba en contenido y propósito, la manipulación del alma que Hitler fue el primero en practicar a gran escala”.

Es así como Caligari en una advertencia incomprendida sobre un modo de pensar que llevó al Holocausto y la II Guerra Mundial. Irónicamente, esto desembocó en una nueva crisis sociopolítica para Alemania que aún batalla por asimilar su culpa en el momento más oscuro en la historia moderna de la humanidad. Quizá por ello, hay quienes piensan que una mejor lectura de su mensaje habría podido cambiar el curso de la historia.

El gabinete del doctor Caligari Das Cabinet des Dr. Caligari

Legado cinematográfico de Caligari

David J. Skal [vía] describe a Caligari como “una especie de Sputnik cultural lanzado por Europa” que facilitó la expansión de diversas manifestaciones artísticas entre las que destacó el expresionismo alemán. Esto fue determinante en la narrativa y estética de numerosos títulos entre los que resaltan Nosferatu (1922) y Metrópolis (1927), consideradas las más importantes herederas de la corriente y ubicadas hasta nuestros días entre las películas más importantes en toda la historia del cine.

No pasó mucho tiempo para que su legado rebasara la tendencia artística y las fronteras germanas hasta convertirse, junto con Acorazado Potemkin (1925), en una de las cintas más influyentes del celuloide. Fue una importante fuente de inspiración para la concepción de Universal Monsters, tanto en la parte estética que puede apreciarse claramente en los decorados de Drácula (1931) y Frankenstein (1931), como en el posicionamiento de arquetipos como el científico loco. Su estética fue imitada hasta el cansancio por el cine negro, que terminó siendo su heredero para convertirse en uno de los géneros más exitosos del mundo entero con títulos como Al borde del abismo (1946) o El tercer hombre (1949) entre sus grandes exponentes. Historiadores coinciden en que tuvo una gran influencia en la obra de Ingmar Bergman, mientras que realizadores como Charles Laughton y Orson Welles admitieron que Caligari fue fundamental para algunas de sus cintas, siendo Ciudadano Kane (1941) la más relevante al ser considerada por algunos sectores de la crítica como la mejor película de todos los tiempos.

Más recientemente, cineastas como Tim Burton, Alex Proyas y Christopher Nolan han emulado lo visto en Caligari en algunas de sus obras más importantes. Incluso el cine de superhéroes tiene mucho que agradecerle, pues el clásico alemán impulsó la carrera de Conrad Veidt, quien tiempo después emigró a los Estados Unidos donde participó en títulos como Dark Journey (1937) y Casablanca (1942). Su mayor aportación a la industria norteamericana fue El hombre que ríe (1928), adaptación de la novela homónima de Victor Hugo y cuya brillante caracterización inspiró la apariencia de Joker, el villano más popular del cómic estadounidense cuyas encarnaciones a cargo de Heath Ledger y Joaquin Phoenix han dado al subgénero sus dos únicos Premios de la Academia en ternas histriónicas.

El gabinete del doctor Caligari Das Cabinet des Dr. Caligari Cesare

Presente y futuro de Caligari

La obra maestra del expresionismo alemán estrenó en su país bajo el tagline de “Te convertirás en Caligari”. Una frase que se empeña en tornarse profética, lo que ha permitido que a más de un siglo de distancia, El gabinete del Doctor Caligari continúe entre los grandes clásicos del cine gracias a la perdurabilidad de sus valores.

En el aspecto técnico, historiadores aseguran que su estreno bien merece ser ubicado entre los mayores saltos evolutivos del cine, equiparable al sonido y superior al color. No conforme con ello, su inconfundible estética le ha convertido en una de las películas más reconocibles de todos los tiempos, pues incluso quienes no la han visto son capaces de saber a qué película pertenecen sus fotogramas.

Más importante aún es su mensaje simbólico, que parece recobrar su fuerza inicial en un mundo que se acerca peligrosamente al viejo autoritarismo con políticas extremistas y mandatarios que han encontrado diversas fórmulas para ejercer un control casi absoluto de las masas. Fuerzas de potencia casi sobrenatural que, tal y como dicta el primer intertítulo de la película “están a nuestro alrededor” y que sólo pueden ser derrotadas con el despertar de la sociedad.

El gabinete del doctor Caligari Das Cabinet des Dr. Caligari Stairs

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Conoce al reparto de Los Caballeros del Zodiaco: ¿Quién es quién en el live-action hollywoodense?

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los caballeros del zodiaco reparto live-action

¿Listo para encender tu Cosmo? Toei y Sony estrenarán el próximo año la adaptación cinematográfica de una de las serie de manga /anime más veneradas de la historia. Si estás leyendo esto, es probable que ya hayas visto el primer adelanto del live-action de Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco en donde, si bien, figuran algunos rostros bastante conocidos en el reparto, también hay estrellas jóvenes que saltarán al ojo del público mainstream con esta producción que promete no dejar a nadie indiferente. Así que si posees curiosidad acerca de quién es quién en esta versión hollywoodense, aquí te presentamos todo lo que debes saber del talento involucrado que ha sido confirmado.

Saint Seiya live-action

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Arata Mackenyu es Seiya

El héroe titular de la saga. Seiya es un huérfano callejero en busca de su hermana, quien, un día, despierta una energía mística en su interior conocida como ‘Cosmos’. Seiya derberá aprender a usar sus nuevos poderes y tratar de conseguir la Armadura de Pegaso para defender a la reencarnada diosa Athena. ¿Podrá dejar atrás su pasado y abrazar su destino como un Caballero del Zodiaco?

Hijo de la leyenda de las artes marciales Sonny Chiba, Mackenyu es bastante conocido entre los amantes de la cultura pop japonesa. El histrión de 32 años ha participado en varias películas live-action basadas en exitosos manga en el país del sol naciente. Destacan sus papeles como Wataya Arata en la trilogía de Chihayafuru, Enishi Yukishiro en Rurouni Kenshin: The Final (2021) o Cicatriz en las cintas más recientes de Fullmetal Alchemist. El histrión debutó en Hollywood con Titanes del Pacífico: La insurrección (2018) y también lo veremos próximamente como Roronoa Zoro en la serie live-action de One Piece.

los caballeros del zodiaco reparto live-action
Arata Mackenyu encabeza el reparto del live-action de Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco.

Sean Bean es Alman Kiddo

Con una carrera de casi cuatro décadas en teatro, televisión y cine, Sean Bean es tal vez la figura con mayor cartel en todo el reparto del live-action de Los Caballeros del Zodiaco. Sus roles más memorables incluyen a Boromir en El Señor de los Anillos y a Ned Stark en Juego de Tronos.

Aquí el actor británico será Alman Kiddo, el mentor de Seiya, quien le revela las historias sobre antiguos Caballeros que peleaban por los dioses y le enseñará a dominar su Cosmo para que cumpla su encomienda como protector de Sienna / Athena.

los caballeros del zodiaco reparto live-action
Madison Iseman y Sean Bean.

Madison Iseman es Sienna / Athena

La actriz nativa de Carolina del Sur dará vida a una chica que tiene dificultades para dominar sus poderes divinos y aceptar la enorme responsabilidad que recae sobre sus hombros. Enviada para velar por la humanidad, la reencarnación de la diosa Athena debe dirigir a sus Caballeros en la Guerra Sagrada contra los dioses que quieren aniquilar a la humanidad. 

Madison ganó fama como Bethany Walker en las películas de Jumanji. Asimismo, tiene créditos en producciones como Escalofríos 2 (2018), Annabelle 3: Viene a casa (2019) y Nocturno (2020), además de protagonizar la serie Sé lo que hicieron el verano pasado para Prime Video.

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Madison Iseman como Athena en el live-action de Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco.

Mark Dacascos es Mylock

Dacascos, por su parte, tendrá el papel de Mylock (Tatsumi Tokumaru en el manga / anime). Su personaje fue la mano derecha de Mitsumasa Kido, quien dirigía la Fundación Graude. Tras la muerte de su amo, Tatsumi pasó a ser mayordomo y asistente de la nieta adoptiva de Mitsumasa, Sienna.

Antes de buscar una carrera en Hollywood, el intérprete hawaiano se consolidó como un especialista en artes marciales al entrenar y ganar varios campeonatos de karate y kung fu durante su niñez y adolescencia. Quizá lo recuerden como Eric Draven en la serie El Cuervo: Escalera al cielo, Wo Fat en Hawaii Five-0 o como Zero en John Wick: Capítulo 3 (2019). 

Mark Dacascos.

Nick Stahl es Cassios

 En la obra original de Masami Kurumada, Cassios es un discípulo de Shaina de Ofiuco entrenado para obtener la Armadura de Pegaso, lo cual le convierte en el primer gran oponente de Seiya. Lo hemos visto como John Connor en Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003), Roark Junior en Sin City: La ciudad del pecado (2005) y Jason Riley en la serie Fear the Walking Dead.

Nick Stahl.

Diego Tinoco es Nero

Actor de ascendencia mexicana y ecuatoriana, Tinoco encarnará a uno de los favoritos de los fans, Nero (a.k.a. Ikki de Fénix). Este lobo solitario es enviado al principio para asesinar a Sienna. Se trata de la primera gran amenaza de los Caballeros de Bronce y, más adelante, un poderoso aliado.

El actor de 25 años tiene aún una carrera discreta en Hollywood con su papel más importante como César Díaz en la serie On My Block para Netflix. También ha actuado en los cortometrajes Drizzle of Hope (2015), Welcome to Valhalla (2017) y R#J (2021), además de ser invitado especial en un episodio de Teen Wolf.

Diego Tinoco.

Famke Janssen es Guraad

La otra estrella de renombre para el público occidental en el reparto del live-action de Saint Seiya es la neerlandesa Famke Janssen. Inolvidable en su rol como la primera Jean Grey de las películas de X-Men o como Lenore, la esposa del personaje de Liam Neeson en la saga de acción Búsqueda implacable.

Janssen será la villana principal, una versión femenina de Vander Graad. En el material de origen, ella era una amiga cerca de Alman Kido, pero el descubrimiento de una profecía sobre la diosa Athena la lleva a tomar un camino distinto. Guraad se convierte en la lideresa de una organización secreta que busca robar el poder de la diosa para tomar en sus propias manos el destino de la humanidad.

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Famke Janssen

¿Qué tal luce el reparto del live-action de Saint Seiya: Los Caballeros del Zodiaco? La película llegará a cines de todo el mundo en algún punto del 2023.

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Hasta los huesos: Taylor Russell y las dificultades de vivir un amor caníbal

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Hasta los huesos llegó a los cines con los rostros de Taylor Russell, Timothée Chalamet, Mark Rylance y Michael Stuhlbarg, entre otros. Una película de amor desarrollada en un mundo caníbal probablemente solo podría ser lograda por un director como Luca Guadagnino. Aunque el argumento de la cinta proviene de la novela escrita por Camille DeAngelis, el cineasta, con ayuda de su equipo, logró cimentar la premisa sobre el género del romance, la road movie, e incluso un poco del coming of age

Describir exactamente de qué trata la cinta es un tanto complejo. Sus múltiples capas de significado y las intenciones de sus personajes son tan cambiantes e inesperadas como cualquier viaje sin rumbo por carretera. Sin embargo, lo que quizás sea el eje definitorio es el romance de dos adolescentes que tienen un particular gusto por devorar carne humana. 

«Es una historia de amor entre dos personas que son tragadas por la otredad, y tal vez, ya sabes, su capacidad para salir de ello o no salir de ello», explicó Taylor Russell en entrevista con Cine PREMIERE. «Así que sí, para mí es una historia de amor, pero también creo que va más allá de eso. Va a muchas otras cosas. Quiero decir que no hay ninguna interpretación equivocada de la película, creo».

Taylor Russell Hasta los huesos entrevista

Taylor Russell, nacida en 1994 en Vancouver, entiende mucho de su personaje. No solo porque lo interpreta en la pantalla. Sino porque desde pequeña conoció lo que es mudarse de una ciudad a otra de manera constante, justo como le sucede a Maren. Su participación en varias series de televisión como Lost in Space le colocó en el mapa. Pero fueron películas como Escape Room o el drama Waves las que le llevaron a la mira de un director como Guadagnino. 

Ahora interpreta en Hasta los huesos a Maren, una joven que emprende un viaje por la Estados Unidos de los ochenta para buscar a su madre y entender su aflicción canibal. No obstante, en el camino conoce a Lee (Chalamet) otro adolescente que al igual que ella comparte su amor por la carne humana y esa necesidad de encontrar su lugar en el mundo. 

«La historia no es la más fácil con la cual lidiar todos los días», continuó la actriz. «Y lo digo con toda la gratitud y la gracia de haber tenido la suerte de vivirla y estar allí por un corto período de tiempo. Y no estar afligida por toda mi vida de la manera en que ella [Maren] lo está. Obviamente no en la parte del canibalismo, me refiero a emocionalmente, ya sabes. Hay mucho trauma con el que está lidiando y yo no tengo que lidiar con eso a diario».

Taylor Russell Hasta los huesos entrevista

Hasta los huesos presenta a menudo escenas de violencia gráfica y sangre explícita. Pero no por ello es una película de terror o gore. Al contrario, la cinta se enfoca en las emociones de sus personajes y busca romantizar el canibalismo para hacer con ello reflexiones más profundas sobre la condición humana. 

Para una actriz de 28 años como Russell, protagonizar una narrativa como tal es complicado. Especialmente cuando el hambre por la carne humana es más una necesidad, que un impulso maligno de los personajes. La actriz acepta que el reto fue complicado, pero no imposible. Lograr desprenderse de Maren, a pesar de entender sus emociones ,es una de sus grandes satisfacciones como intérprete. 

Taylor Russell Hasta los huesos entrevista

«Por el mundo en el que está, siempre tiene hambre todo el tiempo y esa no es una cosa fácil con la cual levantarse de la cama», dijo la actriz. «Aunque diré que tengo los mejores compañeros conmigo en todo el mundo que me cuidan y definitivamente no me quedo en el personaje y tengo mis formas de protegerme a mí misma. Así que no fue peligroso. Pero si hay bastantes elementos distintos y duros ahí y escoger solamente alguno sería complicado».

De acuerdo con Taylor Russell, Hasta los huesos se filmó sobre todo en locaciones al aire libre. Al ser una suerte de road movie, la película necesitaba de grandes paisajes y virajes por carretera que expresaran el viaje físico y emocional de los personajes. Los protagonistas de fondo fueron los estados de Ohio, Kentucky o Nebraska. Según la actriz, estos lugares tenían «un aire específico y salvaje» que contribuyeron de manera magnífica a darle realismo a la película. 

Taylor Russell Hasta los huesos entrevista

«Y también creo que, desde la actuación y queriendo retratar a la gente con mucha precisión, siempre piensas en la realidad y en lo que realmente están pasando», explicó Russell. «Ahí es donde está la preocupación, así que el viaje emocional estaba siempre en mi mente. Y sólo quería hacer lo correcto para este personaje y sentir que estaba diciendo todo lo que quería decir. Tuve que centrarme en la realidad de lo que estaba lidiando desde sus emociones y aprovecharlo».

Hasta los huesos es dirigida por Luca Guadagnino (Llámame por tu nombre). Russell comparte créditos sobre todo con el actor Timothée Chalamet, con quien comparte una historia de amor incipiente en medio de un contexto salvaje y brutal. La película está disponible en la salas de cine desde el 1 de diciembre de este año. Puedes leer la crítica de Cine PREMIERE dando clic aquí. 

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El club de la medianoche: ¿Qué habría sucedido en la cancelada temporada 2?

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El pasado jueves, se reportó que Netflix no seguiría adelante con una temporada 2 de El club de la medianoche, la serie de horror y misterio del creador Mike Flanagan (La maldición de Hill House, Misa de medianoche) que llegó al catálogo de la plataforma digital en octubre de 2022.

Por su parte, Flanagan —quien firmó esta semana un acuerdo de varios años con Amazon Studios, el cual lo compromete a generar contenidos originales para Prime Video a través de su casa productora Intrepid Pictures— lamentó a través de Twitter que la «N» roja haya tajantemente decidido no darle continuidad a su última colaboración.

Asimismo, el guionista recordó a sus seguidores que si una temporada 2 de El club de la medianoche quedaba en el limbo, él aclararía los misterios de la serie en internet para no dejarlos sin respuestas.

Y así lo hizo.

«Estoy muy decepcionado por el hecho de que Netflix haya decidido no realizar una segunda temporada de El club de la medianoche, pero como prometí, aquí están las respuestas a los misterios no resueltos de la primera temporada (junto con nuestros planes para la segunda)», se lee en el tuit anterior.

Mediante una extensa entrada de Tumblr, Mike Flanagan brindó información muy completa sobre qué habría pasado en la siguiente tanda de capítulos, que en teoría ya no debería catalogarse como spoiler, ¡pero están advertidos! Y si quieren saber qué es realmente esa Sombra o la tétrica Mujer de las Cataratas, están a punto de descubrirlo.

Lean a continuación un resumen del texto original publicado por el creador de la serie.

¿Qué iba a pasar en la próxima temporada?

Primero… Ilonka (Iman Benson) le cuenta a su amado Kevin (Igby Rigney) una nueva historia para “animarlo a seguir vivo”. Esta historia resulta ser la de Remember Me, auténtica serie de novelas de Christopher Pike, donde el fantasma de una adolescente debe resolver el misterio de su asesinato. Sin embargo, aunque Ilonka es la narradora, no es ella quien interpreta a la protagonista del metarrelato, sino Anya (Ruth Codd). Es de esta manera que se revela “uno de los mejores mecanismos del show”, en palabras de Flanagan: un personaje ya muerto en la línea argumental principal —como es el caso de Anya, que falleció en la temporada uno— puede vivir a través de las historias de aquellos que lo recuerdan.

Segundo… Una nueva paciente llega al hospicio Brightcliffe y deviene la nueva compañera de cuarto de Ilonka. Y si bien en un inicio la protagonista se muestra fría con la recién llegada —al punto de oponerse a que se integre al club— finalmente surge entre ambas una amistad muy bella.

El club de la medianoche: ¿Qué habría sucedido en la cancelada temporada 2?

Tercero… Al final de la temporada dos, Spencer (Chris Sumpter) deja de estar catalogado como paciente terminal, gracias a los avances para el tratamiento del VIH de los años 90. Por ende, abandona Brightcliffe para seguir con su vida, del mismo modo que Sandra (Annarah Cymone) en la primera entrega.

Cuarto… Los enamorados Amesh (Sauriyan Sapkota) y Natsuki (Aya Furukawa), al igual que Ilonka y Kevin, mueren en esta temporada dos. En sus últimos momentos, los cuatro ven al enigmático conserje de la primera temporada, quien les dice cosas reconfortantes, y finalmente son engullidos por la Sombra.

«La serie terminaría con Cheri [Adia] contando esta historia a toda una nueva mesa de pacientes, incluidos nuestros nuevos protagonistas de la serie», agrega Flanagan en sus anotaciones. «La mayor parte de nuestro elenco original existiría ahora como historias; una historia contada a la siguiente ‘clase’ de narradores en la mesa, todos los cuales habremos conocido al final de la temporada. Una historia llamada El club de la medianoche«.

¿Qué misterios se iban a resolver?

Primero… La Dra. Stanton (Heather Langenkamp), directora de Brightcliffe, resulta ser la hija de Aceso, líder original de Paragon. En su juventud, ella formó parte del culto; de ahí que posea el tatuaje. Además, fue Stanton quien escribió el diario que encuentra Ilonka en la temporada uno. Pero eventualmente se distanció del culto por las atrocidades que éste cometía y optó por reclamar la propiedad y convertirla en un lugar que celebrara la vida.

Segundo… La razón de que la Dra. Stanton porte una peluca al final de la temporada uno es la quimioterapia, pues al igual que sus pacientes, ella padece cáncer. Pero más adelante en la historia, consigue entrar en remisión.

El club de la medianoche: ¿Qué habría sucedido en la cancelada temporada 2?

Tercero… El conserje —un personaje que sólo ven los pacientes— es en realidad la Muerte, mientras que la Sombra es lo Desconocido, y no implica algo malo. Al absorber a las personas en sus últimos momentos de vida, lo que hace la Sombra es llevarlas a un lugar de comprensión y catarsis, el cual varía según los deseos y creencias de cada individuo, y así prepararlas para dar el siguiente paso.

Cuarto… El Hombre del Espejo y la Mujer de las Cataratas eran en vida Stanley Oscar Freelan y su esposa, los responsables de la construcción de Brightcliffe. Pero no son estrictamente fantasmas… Resulta que Ilonka solía ser Freelan, y Kevin, su cónyuge. Entonces tales “espectros” son en realidad vistazos a las vidas pasadas de ambos jóvenes. Y debido a que son almas gemelas, están destinados a siempre reencontrarse.

La serie El club de la medianoche, compuesta de una única temporada de diez episodios, está actualmente disponible a través del catálogo de Netflix.

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