Cine y Tv
Desde el set: Feeling Randy, una cinta independiente con 30 años de historia
5:18PM – 24 Mar 22 @MarkDuplass tweet
“El mayor programa de televisión del año vino de fuera de los EE.UU. Una pequeña película independiente, la actual favorita a Mejor Película. Una película japonesa de 3 horas sobre los sentimientos está nominada a múltiples premios Oscar. No hay “grandes nombres” en ninguno de ellos. Nadie sabe nada más. Está abierto. Vayan a hacer sus cosas.”
(CODA ganó Mejor Película; Drive My Car ganó Mejor Película Internacional.
Tomando en cuenta lo difícil que es hacer cualquier película, este año, los Premios de la Academia – no importa si te haya gustado el programa o no- fueron un símbolo de esperanza para todos los que aspiramos a ser cineastas independientes. En estos días más que nunca, en el negocio del cine – porque es un negocio antes que todo- , lograr hacer una película sin presupuesto y estrellas es un milagro. Así que estaba particularmente emocionada de que mi amigo Dean Lent finalmente hubiera recaudado los fondos para hacer su debut cinematográfico como director con una película muy personal y de muy bajo presupuesto: una comedia coming of age sobre su propia experiencia.
Ya escribía esta historia cuando nos conocimos hace 25 años, Dean nos la contó sentados alrededor de una hoguera, bebiendo cervezas, después de que un sábado por la noche terminamos de filmar nuestra propia película, The Dogwalker. Yo era la productora, mi entonces novio, ahora esposo, Paul Duran, era el escritor y director, y habíamos contratado a Dean como nuestro director de fotografía – debido a sus créditos visualmente estilizados, como el clásico de culto punk de 1987, Border Radio (que también codirigió), y la icónica indie de 1992, Gas Food Lodging.
Desde entonces, le había insistido por años para que siguiera trabajando en su historia, así que cuando, para los fines de esta historia, le pregunté cómo surgió este proyecto, ya sabía la respuesta. Él sonrió y tranquilamente respondió:
“Me tomó 30 años escribir. Filmar Gas Food me inspiró. Vi nacer ante mí un éxito que yo había ayudado a crear. Entonces me dije: ¿Qué podría hacer? Bueno, ya sé, creo que debería escribir mi versión de Gas Food Lodging para chicos. Escribiré sobre cuando fui a Mustang Ranch a los 17 años y perdí mi virginidad heterosexual”.
Wow, esa es una línea bastante larga. (Para su información, el notorio Mustang Ranch se convirtió en el primer burdel- prostíbulo -con licencia de Nevada, en 1971.]
El set de Feeling Randy al que estoy invitada es una casa destartalada en expansión dentro del Valle de San Fernando, el epítome de la basura de remolque que encaja en la historia, al igual que la bochornosa temperatura de 88 grados Farenheit. Es una producción con un presupuesto tan bajo, que se quedó sin hielo para las bebidas del elenco y el equipo, así que tuvieron que correr por más. Pero nadie se queja, todos están emocionados por hacer esta película y la camaradería es palpable. Los “chicos” están aquí, Reid Miller (de Joe Bell), también Tyler Lawrence Gray, O. Hibbs Wyman y Shane Almagor. El cast también incluye a Jonathan Silverman (Good Girls), Chris Mulkey (Twin Peaks) y Marguerite Moreau (Wet Hot American Summer).
Sé la respuesta, pero de todos modos pregunto: “Después de tantos años y de filmar tantas películas de otras personas, ¿qué fue lo que realmente te mantuvo en pie para llegar a donde estás ahora?”. Se ríe a carcajadas.
“Porque tú y Paul me dijeron que siguiera adelante, siguieron creyendo en mí. Hacer despegar tu propio proyecto es muy complicado. Antes de la pandemia estaba a punto de rendirme y simplemente volver a subir la montaña para hacer mi fotografía. Fue un camino largo y loco y no sabía qué diablos estaba haciendo respecto al financiamiento y todo eso. No sabía cómo lograrlo. Sí, fui director de fotografía durante veinte, treinta años, pero eso era completamente diferente. Vas a una entrevista, consigues un empleo y luego trabajas en la visión de otra persona”.
Pero Dean había estado en sets de cine casi toda su vida adulta. Entonces, incluso cuando no estudiaba técnicamente cine en UCLA (Universidad de California, Los Ángeles), él estudiaba películas, cineastas y cinematografía. Aprendía de primera mano cómo iluminar, filmar y tratar con los actores. No se daba cuenta qué tan listo estaba. Y luego consiguió un increíble productor independiente que comparte su pasión por el proyecto.
“Rodé Fast Sofa, de Salome Breziner, en 2001, luego perdimos contacto durante 8 o 9 años cuando me mudé a Nueva York y Chicago para filmar reality shows para Tyra Banks y Nate Burkus. Luego, cuando publiqué en Facebook que estaba reescribiendo el guion y dando un último empujón, ella comentó: “Oh, Dios mío, tengo que leer esto, dame algo tan pronto como lo tengas”. Pero cuando lo leyó, dijo: “Solo estaba tratando de ser una buena amiga, no esperaba nada. Pero ahora que he leído veinte páginas, ¡quiero hacer esto contigo!”.
Entonces, cuando las cosas empezaron a calmarse con la pandemia, ella se fue encima y todas las piezas comenzaron a encajar. Me sorprendo todos los días, ¿Cómo sé cómo hacer esto? Digo, en Border Radio, Kurt (Voss) y Allison (Anders) trataron más con la gente del punk rock y, como yo tenía miedo y era tímido, me encargué de lo visual y me mantuve apartado”.
Claro, no fue tan simple como “y así, él consigue hacer su película”. La realidad es que Dean tomó la drástica decisión de vender su cabaña en las montañas donde estaba viviendo, para alcanzar su minúsculo presupuesto, asegurándose de hacer su película a su manera. Y mientras tanto, Salome logrando milagro mágico tras milagro mágico. Es así que, cuando haces una película pequeña, el impulso sigue creciendo como una bola de nieve rodando colina abajo. Finalmente, cuando le entregó el guion a Reid Miller, el joven actor que le robó todas las críticas a Mark Wahlberg en Joe Bell, y este lo aceptó, fue la pieza del rompecabezas que hizo que el resto de las piezas se alinearan.
Entonces, mientras Dean estaba sentado en mi cama con nosotros para ver los Óscar de este año, como lo hemos hecho durante muchos años, no pude evitar preguntarme dónde estaremos el próximo año (suponiendo que alguna de las entregas de premios sobreviva, pero esa es otra historia). ¿Feeling Randy será el brindis de Sundance? Como dice Mark Duplass en ese tweet, todo es posible. El tiempo es ahora. Así que vayan a hacer sus cosas.
Feeling Randy – Remember the name of this little movie
5:18PM – 24 Mar 22 @MarkDuplass tweets
“Biggest TV show of the year came from outside the US. A tiny indie film the current Best Picture frontrunner. A 3-hour Japanese film about feelings is up for multiple Oscars. No “big names” in any of them. Nobody knows anything anymore. It’s wide open. Go make your stuff.”
(CODA did win Best Picture; Drive My Car won Best International Feature.)
Considering how hard it is to get any movie made, this year’s Academy Awards – whether you liked the show or hated it – were a beacon of hope for all of us aspiring indie filmmakers. Because these days more than ever, in the movie business – and it IS a business first and foremost – managing to make a film with no budget and no stars is a miracle. So I was particularly excited that my friend Dean Lent had finally raised the funding to make his very personal, very low budget, directorial debut movie – a coming-of-age comedy about his own experience.
Already writing this story when we first met 25 years earlier, Dean had told us about it sitting around the fire pit drinking beers after we wrapped shooting one Saturday night on our own film, The Dogwalker. I was the producer and my then boyfriend, now husband Paul Duran was the writer-director, and we had hired Dean as our cinematographer – because of his visually stylized credits like the 1987 punk cult classic Border Radio (which he also co-directed) and the iconic 1992 indie Gas Food Lodging.
Ever since then, I’d been nagging him for years to keep working on his story, so I already knew the answer, when for the purposes of this story I asked him how this project came about. But he smiled and quietly answered, “It took me 30 years to write. I got inspired after shooting Gas Food Lodging. I saw a success born right in front of me that I had helped create. And so I said to myself, What could I do, well I know, I think I should write my version of Gas Food Lodging for boys. I’ll write about when I went to Mustang Ranch as a 17-year-old and lost my heterosexual virginity.” Wow, right there, that’s quite a log line. [FYI the notorious Mustang Ranch became Nevada’s first licensed brothel – house of prostitution – in 1971.]
The Feeling Randy set I’m invited to visit is a sprawling ramshackle house in the San Fernando Valley, the epitome of trailer trash which suits the story, as does the muggy 88 degrees Fahrenheit temperature. It’s such a low budget production they’ve run out of ice for the craft service beverages and someone has to make a run to get more. But no one’s complaining, the cast and crew are excited to be making this movie and the camaraderie is palpable. The “boys” are all here, Reid Miller (from Joe Bell), plus Tyler Lawrence Gray, O. Hibbs Wyman and Shane Almagor. (Other cast includes Jonathan Silverman (Good Girls), Chris Mulkey from Twin Peaks and Marguerite Moreau from Wet Hot American Summer.)
I know the answer but I ask it anyway, “After so many years and shooting so many other people’s movies, what actually kept you going, to get to where you are now?”
He laughs out loud. “Because you and Paul told me to keep going, kept believing in me. Getting your own project off the ground is a really hard thing to do. Just before the pandemic I was about to give up and just go back up the mountain to do my photography. It was a long and insane road and I didn’t know what the hell I was doing, as far as getting it funded and all that stuff. I didn’t know how to get it made. Yes I was a cinematographer for twenty, thirty years but that’s a whole different ball game. You go in for an interview and you get a job and then work on somebody else’s vision.”
But Dean had been on film sets almost his entire adult life. So even when he wasn’t technically studying film at UCLA, he was studying films and filmmakers and filmmaking, learning first hand how to light and shoot and deal with actors. He just didn’t realize how ready he was. And then he landed an amazing indie producer who shares his passion for the project.
“I shot Salome Breziner’s film Fast Sofa in 2001 then we kind of lost touch for 8 or 9 years when I moved to New York and Chicago to shoot reality shows for Tyra Banks and Nate Burkus. Then when I posted on Facebook that I was rewriting the script and making one last push, she commented “OMG I have to read this, give it to me as soon as you have something.” But then when she read it, she said, “I was just trying to be a nice friend, I was not expecting anything.
But now I’ve read twenty pages and I want to make this with you!” So as things started to ease up with the pandemic she jumped on it and all the pieces just started falling into place. I’m shocked every day, like How do I know how to do this? I mean on Border Radio, Kurt (Voss) and Alison (Anders) dealt more with the punk rock people and because I was shy and afraid of them, I handled the visuals and kept to myself.”
Of course it wasn’t as simple as “and just like that he gets to make his movie.” The truth is Dean made a drastic decision to sell his cabin in the mountains where he’s been living, in order to reach his minimum, miniscule budget, assuring he gets to make his film his way. And meanwhile Salome keeps coming up with one magic miracle after the other. Its like that when you make a small movie, the momentum keeps growing, like a snowball rolling down a hill. Finally when she got the script to Reid Miller, the young actor who stole all the reviews from Mark Wahlberg in Joe Bell, and Reid flipped for it, it was the piece of the puzzle that started the rest of the pieces falling in line.
So as Dean sat on my bed with us watching this year’s Oscars, like we’ve done for many years by now, I couldn’t help but wonder where we’ll all be next year (assuming any of the awards shows survive but that’s another story.) And will Feeling Randy be the toast of Sundance? Like Mark Duplass says in that tweet, anything’s possible. The time is now. So go make your stuff.
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Cine y Tv
Guía Ambulante 2024: Fechas, horarios, tips y ruta de películas para disfrutar de la gran fiesta del documental
La edición 2024 de Ambulante Gira de Documentales, la fiesta por excelencia del documental en México, llega nuevamente con una gira itinerante que llevará más de 90 títulos a cuatro estados de la República. Su selección está compuesta por producciones de 23 países distintos, que incluyen largometrajes, cortometrajes, animaciones, estrenos nacionales y un estreno mundial. Además de las proyecciones, también se realizarán eventos como clases magistrales, jornadas infantiles, conversatorios con creadores, instalaciones artísticas, talleres, funciones de teatro documental, entre otras actividades dedicadas a abrir la conversación alrededor de los documentales y llevarlos a territorios de impacto. La gran mayoría de los eventos serán gratuitos.
Desde su primera edición en 2006, Ambulante ha sido un catalizador en la formación de públicos para el género documental. Ha fungido como umbral, como puerta, como bienvenida. Es uno de los festivales ideales para empezar a empaparnos de las historias que capturan nuestra realidad, pero también para reflexionar sobre las formas en que podemos contarnos a nosotros mismos, nuestras memorias y la de nuestras comunidades.
La 19 edición nos presenta una nueva oportunidad para dejarnos llevar por el cine documental. Aquí te decimos todo lo que debes saber para sacarle el máximo provecho.
¿Cuándo y dónde?
Primero lo primero. Antes de hacer tu itinerario asegúrate de conocer los días que la gira estará en tu estado. Ambulante 2024 visitará Ciudad de México, Veracruz, Michoacán y Querétaro, entre el 10 de abril y el 26 de mayo. Estas son las fechas de cada parada.
- Ciudad de México– del 10 al 21 de abril
- Veracruz- del 2 al 12 de mayo
- Michoacán- del 8 al 19 de mayo
- Querétaro- del 15 al 26 de mayo
¿Hay forma de disfrutar de Ambulante si la gira no pasará por mi estado o localidad?
La buena noticia es que parte de la programación estará disponible de manera gratuita en el sitio nuestrocine.mx, durante los siguientes días de mayo: del 2 al 5, del 9 al 12 y del 16 al 19.
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¿Qué ver en Ambulante 2024?
Una vez que has tomado en cuenta las fechas de la gira, recomendamos hacer un itinerario de las películas que te gustaría ver, aunque sabemos que al principio no es tan fácil. Cuando nos enfrentamos a la programación de un festival de cine es difícil no abrumarse con los listados de proyecciones, sedes y horarios. Sobre todo cuando se trata de nuestra primera vez y la mayoría de los títulos y nombres nos son en su mayoría desconocidos (pues no cuentan con los mismos niveles de notoriedad o marketing que las grandes producciones que nos llegan de Hollywood).
Afortunadamente, existen estrategias sencillas que nos ayudan a orientarnos. Una de ellas es revisar los caminos que el mismo festival propone a sus espectadores.
Históricamente, Ambulante ha dividido su selección de películas en nueve secciones: Pulsos, que son documentales mexicanos; Intersecciones, que agrupa documentales internacionales; Resistencias, que presenta documentales enfocados en la justicia y la defensa de los derechos humanos; Retrovisor, películas que le dan vida al archivo cinematográfico; Sonidero, películas que homenajean lo sonoro y unen música y cine; Ambulantito, una sección dirigida a las infancias; Invocaciones, que cada año presenta retrospectivas de creadores; Injerto, que presenta cine de vanguardia, y Coordenadas, una sección formada por películas realizadas en cada región que visita el festival (veracruzanas para Veracruz, michoacanas para Michoacán, etc).
Las secciones, además de categorizar, nos proponen rutas cinematográficas, de modo que si lo que te interesa son los documentales mexicanos puedes seguir las proyecciones y los horarios de la sección Pulsos, o si estás más interesado en aquellos trabajos sobre protagonistas que resisten al statu quo, puedes seguir la sección Resistencias. Y así con cada una.
Otra forma eficaz de orientarte es poner atención a las recomendaciones de tu crítico, medio o analista de cine favorito. A continuación te presentamos una ruta curada, que puedes seguir o tomar como referencia.
Ruta Cine PREMIERE- Ciudad de México
Ambulante ya cuenta en su página con un programa de mano completo para sus actividades y proyecciones en Ciudad de México. La siguiente propuesta de ruta retoma las actividades ahí mencionadas y toma en cuenta horarios y distancias entre cada sede para que puedas sacarle el mayor provecho a la programación de cada día, mientras cumples con tus jornadas laborales y demás compromisos diarios.
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Miércoles 10 de abril- función inaugural
Tres promesas (Dir. Yousef Srouji)
¿Por qué verlo? Una madre palestina filma en videos caseros la vida cotidiana de su familia, mientras el ejército israelí emprende una ofensiva contra la Segunda Intifada a principios del año 2000. Años después, su hijo retoma el pietaje para construir un documental que ofrece un vistazo distinto al conflicto israelí-palestino, y que nos ayuda a entender las dinámicas de ocupación de la región.
A qué hora y dónde- 19:30 hrs, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Para tomar en cuenta: La entrada es gratuita, por lo que te recomendamos llegar con tiempo de anticipación. La taquilla abrirá desde las 4:00 pm.
Jueves 11 de abril- Elige entre una película o una masterclass
Función: Soundtrack para un golpe de estado (Dir. Johan Grimonprez)
¿Por qué verlo? Es un documental innovador, que yuxtapone la música jazz con la historia del asesinato del líder africano Patrice Lumumba y la forma en que un golpe de estado acabó con un sueño y permitió que los poderes colonialistas siguieran explotando la región. Es una lección de historia, pero de esas que no te dejan despegar los ojos de la pantalla.
Habrá una sesión de preguntas y respuestas después de la función.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Le Cinema IFAL
Masterclass: Cine y poesía con Lynne Sachs
A partir de fragmentos de sus propias películas, la realizadora experimental Lynne Sachs compartirá reflexiones sobre cómo trenzar cine y poesía: la visualización de textos poéticos, el ensayo cinematográfico, y cómo usar la imagen para expandir la realidad a partir de lo poético.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cineteca Nacional
Viernes 12 de abril- disfruta de una función doble
1. El Eco (Dir.ª Tatiana Huezo )
¿Por qué verlo? Documental ganador en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, en él la realizadora mexicana Tatiana Huezo explora la fragilidad del campo y de la niñez a partir de la vida cotidiana del pueblo El Eco, en donde el viento transporta murmullos y las infancias aprenden a coexistir con el mudo natural.
Habrá sesión de preguntas y respuestas.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinépolis Universidad
2. Favoriten (Dir.ª Ruth Beckermann)
¿Por qué verlo? Este documental sigue las aventuras, los triunfos y las fascinantes personalidades de un grupo de niños, hijos de migrantes, que asisten a una escuela primaria de alto riesgo en un barrio marginal de Viena. El salón de clase es una comunidad, un retrato de la sociedad europea actual a pequeña escala, que nos enternece, nos divierte, y nos sorprende con la lucidez y magnetismo de sus pequeños protagonistas.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinépolis Universidad
Sábado 13 de abril- Choose your own adventure
Opción 1- Para los cinéfilos y amantes de las imágenes:
Y el rey dijo: Qué máquina tan fantástica (Dirs. Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck)
¿Por qué verlo? Este documental nos sumerge en la historia de las imágenes y reflexiona sobre la relación que las personas hemos construido con la cámara a lo largo de la historia: ¿para qué la hemos usado? ¿cómo nos hemos retratado a nosotros mismos? ¿y cómo ha cambiado nuestra relación con las imágenes y la cámara a lo largo del tiempo y de cara a los avances tecnológicos?
Habrá un conversatorio al finalizar la función, con los creadores de contenido: Sofía Poiré, Kristian Gabriel, Rodrigo Vázquez Venegas y Marbella Figueroa.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Le Cinema IFAL
Opción 2- Para quienes disfrutan de trabajos que unen cine y gastronomía:
El menú de los placeres: La familia Troisgros (Dir. Frederick Wiseman)
¿Por qué verlo? Esta película nos da la oportunidad de asistir a una experiencia inmersiva, en donde un grupo de talentosos artistas culinarios hacen magia: después de todo, preparar platillos de gran calidad es un asunto de disciplina, creatividad e imaginación.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cine Tonalá
Domingo 14 de abril- otra función doble
1. Queendom (Dir.ª Agniia Galdanova)
¿Por qué verlo? Este es el retrato de Gena Marvin, una activista queer temeraria, que protesta contra el gobierno ruso de formas que retan y absorben nuestros sentidos. Sus performances son extensiones de su mundo interno: resistencias contra la guerra en Ucrania que visten zapatos de plataforma y pintura en el cuerpo. Nos recuerda que la valentía puede adoptar muchas apariencias.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinepolis Universidad
2. Malqueridas (Dir.ª Tana Gilbert)
¿Por qué verlo? Este trabajo de la directora chilena Tana Gilbert muestra la vida de madres que cumplen sentencias en las cárceles, a través de las grabaciones de sus propios teléfonos móviles. Es un vistazo a la maternidad desde el encierro, que despierta reflexiones sobre las condiciones a las que se enfrentan estas mujeres.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinepolis Universidad
Jueves 18 de abril
El guardián de las monarcas (Dir. Emiliano Ruprah de Fina)
¿Por qué verlo? Este documental investiga la muerte y desaparición del activista ambientalista Homero Gómez González, mientras expone los intereses criminales que amenazan el Santuario de la Mariposa Monarca en Michoacán.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Centro Cultural José Martí
*Conforme se den a conocer las programaciones de los otros tres estados de la República, publicaremos las rutas para cada uno.
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En el universo de Star Wars, el color del sable de luz es definido por el cristal Kyber, el cual refleja la personalidad y habilidades del portador. Recordemos que, como parte del entrenamiento, un Jedi debe fabricar su propio sable de luz y seleccionar el cristal que le dará vida. Estos cristales son sensibles a la Fuerza, por lo que su verdadero color es revelado al entrar en conexión con un Jedi o un Sith.
¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars? Al inicio de la saga era más sencillo: rojo para los malos y verde o azul para los buenos. Sin embargo, con el paso del tiempo y la expansión del universo, conocimos nuevos colores y a cada uno se les dio un significado diferente.
El canon actual no cuenta con significados especiales para estas armas, por lo cual nos basaremos en el significado de Legends y en algunos conceptos que nos ha dado el canon.
Azul
Este color es usado por los guardianes Jedi: se enfocan en el uso de la Fuerza de manera táctica y física. Por esa razón es que es el color más común.
Los portadores más conocidos: Anakin Skywalker, Obi-Wan y Leia Organa.
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Verde
Son utilizados por los Consul Jedi: pensadores que se dedican a estudiar los misterios de la Fuerza. Representan la sabiduría, la armonía y son utilizados por los Jedi más sabios y de mayor rango.
Los portadores más conocidos: Yoda, Qui-Gon Jinn y Luke Skywalker.
Rojo
Este color representa la ira, la maldad y el tormento. Después de ser corrompido por el lado oscuro, un Sith no establece conexión con el cristal Kyber, sino que lo doblega hasta hacerlo “sangrar”, de ahí el color rojo.
Los portadores más conocidos: Darth Vader, Darth Sidious, El gran inquisidor, Darth Maul y todo aquel usuario del lado oscuro.
Amarillo
En el universo Legends, son usados por los Centinela Jedi: miembros de la orden que se enfocan en los estudios de combate, medicina y tecnología. En la serie animada de Clone Wars los vemos empuñados por los guardianes del templo Jedi en Coruscant.
Naranja
Este color no ha sido utilizado por algún Jedi del canon actual. No obstante, en Legends es utilizado por los Jedi de gran fuerza física y de carácter oscuro.
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Este color podía ser seleccionado por un jugador del videojuego Star Wars Jedi: Fallen Order si se reservaba en preventa.
Morado
Es un color usado por los Jedi que pueden balancearse entre el lado oscuro y de la luz sin llegar a ser corrompidos. El morado representa la ambigüedad moral del portador y es un color muy raro entre los miembros de la orden.
La historia original nace a partir de la petición de Samuel L. Jackson a George Lucas de que su personaje portara un sable de color morado, ya que es el color favorito de Samuel.
El portador más conocido: Mace Windu.
También te podría interesar: Películas y series de Star Wars en orden cronológico y próximos estrenos
Dorado
Es portado por todo aquel Jedi entregado en su totalidad al lado luminoso, representa la compasión y la sabiduría.
Después del final del Episodio IX, quedó la duda de qué significado tendría este color de sable de luz dentro del canon, pues al final de la cinta Rey crea su propio sable dorado. Muchos fanáticos han llegado a la conclusión de que significa el balance entre el lado oscuro y de la luz, ya que Rey nace con la sangre de Palpatine, pero su entrenamiento corrió a cargo de un Skywalker.
Blanco
Ahsoka Tano es la única portadora de este color en toda la franquicia. Sus sables de luz fueron creados a partir de su pelea con el sexto hermano inquisidor: Ahsoka tomó sus cristales y utilizó la fuerza para purificarlos.
Negro
Es el color de un sable único creado por Tarre Vizsla, el primer Jedi mandaloriano. Después de la muerte de Tarre Vizla, el sable fue ocultado en el templo Jedi y robado por el Clan Vizsla. Su primer aparición fue en la serie de Clone Wars.
Su color representa el poder absoluto, supremacía y orgullo. Por lo tanto, se convirtió en un símbolo de liderazgo para los mandalorianos. Según sus costumbres, todo aquel que empuñe el sable negro obtendrá el titulo de Mand’alor, gobernante de Mandalore. La única forma de obtenerlo es derrotando al portador anterior en un combate a muerte.
El sable ha sido portado por Tarre Vizsla, Pre Vizsla, Bo-Katan entre otros. Din Djarin es el actual poseedor del sable negro.
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Robert De Niro, leyenda viva del cine, se ha consolidado como uno de los actores más influyentes y respetados de su generación. Nacido el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, De Niro ha dedicado su vida al arte de la actuación, convirtiéndose en un verdadero camaleón de la pantalla grande. Su capacidad para interpretar a los personajes, desde el más despiadado mafioso hasta el padre más comprensivo, ha dejado una gran huella en la historia del cine.
Una trayectoria de éxitos y personajes memorables
La carrera de Robert De Niro es un conjunto de actuaciones que han definido géneros y eras. Desde sus primeros días bajo la dirección de Martin Scorsese en Taxi Driver hasta su papel icónico como Vito Corleone en El Padrino II, De Niro ha demostrado una versatilidad asombrosa. Su colaboración con Scorsese, en particular, ha dado lugar a algunas de las películas más recordadas del cine, incluyendo Toro Salvaje y Goodfellas. Sin embargo, su capacidad para adaptarse no se limita a los dramas intensos; también ha brillado en comedias como Los padres de ella.
Además, otra de sus actuaciones más destacadas la encontramos en el papel que hizo en Casino, una película que introduce al espectador en el mundo de las apuestas, el poder y la codicia en Las Vegas. En este drama épico, De Niro interpreta a Sam «Ace» Rothstein, un profesional de las tragamonedas y juegos de azar que es llamado para dirigir uno de los casinos más importantes de la ciudad.
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Alto Knights, la nueva aventura de De Niro
Robert De Niro regresa al género que lo vio nacer como estrella con Alto Knights, una película que se espera que esté entre las destacadas de la larga lista de éxitos del actor en el cine de mafia. Dirigida por Barry Levinson, Alto Knights se sumerge en la historia de dos de los jefes de la mafia más notorios de Nueva York, Frank Costello y Vito Genovese, interpretados por De Niro, quien asume el reto de dar vida a ambos personajes.
La película, que inicialmente llevaba el título The Wise Guys, ha sido rebautizada como Alto Knights y está programada para estrenarse el 15 de noviembre de 2024. Este cambio de nombre y la postergación de la fecha de lanzamiento se debe a que los creadores quieren que salga todo perfecto con este proyecto. Aunque aún no se ha lanzado un tráiler, la anticipación crece día a día.
Por otro lado, el elenco de Alto Knights se complementa con talentos como Debra Messing y Kathrine Narducci, quienes, junto a De Niro, prometen llevar al público a un viaje inolvidable a través de las complejidades del poder y la traición en el mundo del crimen organizado. La dirección de Levinson, combinada con el guión de Nicholas Pileggi y la producción de Irwin Winkler y Jason Sosnoff, asegura que esta producción será una pieza imprescindible para los aficionados al género de la mafia y para aquellos que aprecian el cine de alta calidad.
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