Cine y Tv
FICM 2020: ¡Ánimo juventud!, una película sobre el absurdo de crecer
Vistos a la distancia, múltiples conflictos que se desarrollan en el universo de un adolescente promedio pueden lucir insignificantes. Por supuesto, cuando te toca experimentarlos en carne propia por primera vez, desde el más trivial hasta el más complejo de los dilemas, adquieren una dimensión hiperbólica. En la película ¡Ánimo juventud!, el guionista y director Carlos Armella traza un relato tragicómico, familiar e incómodo, pero ultimadamente esperanzador, acerca de la juventud capitalina del siglo XXI. El filme forma parte de la Sección Oficial de Largometraje Mexicano de la 18ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).
Entre ilusión y penurias, alegría y frustraciones, ¡Ánimo juventud! cuenta las historias de cuatro adolescentes que lidian con las contradicciones, el dolor y el absurdo de ser joven en el México moderno. Martin es un vándalo que está enamorado de una chica que ignora completamente su existencia; Daniel es un músico talentoso que se convirtió en taxista tras embarazar a su novia adolescente; Dulce interpreta el rol de una bravucona en la escuela, pero en el fondo es una chica gentil que desea sólo desea ser amada; y Pedro vive completamente decepcionado del mundo de los adultos, así que ha decidido crear y hablar con su propio lenguaje.
“Me topé con la imagen de un grafiti en una pared. Era una declaración de amor: ‘Cristina, te amo’”, relata Carlos Armella acerca del génesis de su película en entrevista con Cine PREMIERE. “Me quedé pensando en quién lo había escrito, y si la persona a la que iba dirigido lo habría leído, y si le habría causado emoción o no. Luego, me quedé pensando en a quién le pertenecía esa pared y en dónde habían pintado ese grafiti. Sin darme cuenta, ya me estaba creando esta historia, que es la historia de Martin. Me imaginé a este personaje siendo arrestado o detenido por pintar una pared ajena y lo que eso conllevaría. La situación me parecía al mismo tiempo ridícula y cómica, pero también trágica para este personaje. Eso me dio el tono de esta historia y conforme la desarrollé, de repente, apareció este otro personaje, que era Dulce. La empecé a construir, y así se fueron sumando el resto de los personajes, conectados por el hecho de que eran jóvenes que vivían en la Ciudad de México de la actualidad”.
El egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y The London Film School (LFS) es un invitado recurrente del FICM, donde ha competido previamente en cinco ocasiones, con el documental Toro Negro (2005); sus cortometrajes Tierra y Pan (2008) –galardonado con el León de Oro en Venecia–, 29 (2010) y Las manos limpias (2012); además de su película En La Estancia (2014). Una prolífica trayectoria que también incluye varios proyectos documentales para televisión, la serie Club de Cuervos y la controvertida miniserie Cuando Conocí al Chapo. Aunque su segundo largometraje de ficción significa una ruptura con el resto de su filmografía, Armella realiza esta transición temática y de tono con soltura.
“[Esta película] me remitió a mi propia adolescencia, esa adolescencia donde un amor no correspondido es el fin del mundo o un padre que no te atiende puede ser algo que te marque de por vida. Esas pequeñas tragedias que se vuelven tragedias más grandes en la cabeza de uno”, dice el director. La propuesta busca eludir las fórmulas que solemos asociar a la comedia juvenil mexicana, apostando por un humor negro y una construcción dramática, ambientación y caracterización más naturalistas. “Me gusta mucho la comedia oscura, esa que es como una punzada en el estómago, más sarcástica, porque creo que también te invita a reflexionar”, añade.
Dicha reflexión obedece a la preocupación del cineasta por el creciente conformismo que observa en la nuevas generaciones. En su opinión, los adolescentes mexicanos del nuevo milenio son educados cada vez más para adaptarse, aceptar y obedecer normas sociales sin cuestionar a las figuras de autoridad, perdiendo en el camino su libertad y capacidad para soñar. Martin, Daniel, Dulce y Pedro representan a figuras que se rebelan contra este sistema e intentan reclamar su lugar en el mundo en esta etapa de autodescubrimiento continuo y primeras experiencias.
Personajes memorables
La premisa original de la película ¡Ánimo juventud! surgió a finales de 2014 y, en cuestión de solo tres semanas, Carlos Armella ya había escrito una primera versión del guion. El proyecto fue puliéndose paulatinamente tras ser seleccionado para formar parte de prestigiosos talleres como TorinoFilmLab (TFL) en 2015 o Cinéfondation del Festival de Cine de Cannes en 2017. Este pedigrí facilitó que la cinta obtuviese el Apoyo para el Desarrollo de Proyectos del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y, más tarde, el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción y Distribución Cinematográfica Nacional (EFICINE).
Para encontrar a sus protagonistas, el exhaustivo proceso de casting se realizó por medio de una convocatoria masiva, la cual fue difundida por diferentes medios, incluyendo redes sociales. Carlos Armella, junto con sus productores Diego Martínez Ulanosky, Marion d’Ornano y Yadira Aedo, tenían una visión muy clara del tipo de intérpretes que deseaban para la película.
“Quería personajes que fueran memorables, que desde el rostro dijeras: ‘este rostro si representa al mexicano, al latinoamericano’. No quería este retrato aspiracional que solemos ver en la publicidad, donde sólo hay chavos güeritos, blanquitos y delgados, sino que se viera más representado el mestizaje mexicano, el mestizaje latino”, apunta el director. “[Jóvenes] que se vieran muy cotidianos, pero que al mismo tiempo tuvieran ciertas facciones que los hicieran memorables para el público. Quería que existiera una identificación, primero visual, y que eso te lleve como espectador a una identificación emocional también. Que sientas que el retrato es realista, que los personajes tienen una dosis de realismo, aún cuando las situaciones llegan a ser un poco irreales, a veces absurdas”.
Así se sumaron a la película Daniela Arce (Dulce), quien había coprotagonizado Besos de azúcar (2013), de Carlos Cuarón; Rodrigo Cortés (Martin), quien tuvo un pequeño papel en Vuelven (2017), de Issa López; e Iñaki Godoy (Pedro), con roles en producciones televisivas como La querida del Centauro o Blue Demon. Sin embargo, el resto del reparto tenía poca experiencia o carecía de entrenamiento formal en el mundo de la actuación.
Ante este desafío, la producción organizó un taller de dos meses con Viridiana Olvera, directora de casting de películas como Club sándwich (2013), Carmín Tropical (2014) o Esto no es Berlín (2019). Además de trabajar en los fundamentos, durante este ejercicio se brindó a los actores las herramientas específicas que requería para interpretar sus respectivos papeles, tal fue el caso de las clases de trompeta para Mario Palmerin (Daniel) o de grafiti para Rodrigo.
“Nunca ensayábamos las escenas de la película. Más bien, improvisábamos situaciones que emocionalmente fueran similares, que ellos se pudieran identificar, controlar y moldear esas emociones”, acota el realizador capitalino, “para que llegado el momento de filmar hubiera esa naturalidad de ser la primera vez que estaban pasando por eso”. Pero, ¿cómo contar una historia que sintiese fiel a la idiosincrasia de las nuevas generaciones? “El guion estaba definido, estaba cerrado y fue la base, pero la manera de hablar, de actuar, de expresarse y demás [de los personajes], proviene mucho de [los actores], de la interacción que se dio entre ellos y yo”, puntualiza Carlos.
Esa búsqueda de naturalidad también se vio reflejada en la selección de las locaciones de la película ¡Ánimo juventud!, que se apartan de los extremos que solemos ver en la producciones nacionales. Una historia que no tiene lugar ni en los grandes desarrollos urbanos o edificios históricos de postal turística ni en los barrios bravos de la capital. “Quería un retrato contemporáneo de la Ciudad de México, pero en la cotidianidad (…) que se sintiera la vibra, la energía y las texturas de la ciudad. Buscamos diferentes colonias y casas que nos dieran ese eclecticismo que tiene la ciudad, ese desgaste urbano que tiene, que se perciba ‘chilanga’. Editando también el preciosismo en el que a veces caen, sobre todo las comedia mexicanas, de filmar en la Cuauhtémoc, la Roma o la Condesa. Quería que se viera más rasposo, pero sin caer tampoco en una película de arrabal, en irnos a los barrios bajos”.
El rodaje comenzó a finales del verano de 2018, pues la producción requería que los actores se encontraran de vacaciones y una escuela vacía que sirviese como una de las locaciones principales del filme. De hecho, el colegio que vemos durante la película ¡Ánimo juventud!, es el mismo al cual asistió Carlos Armella desde preescolar hasta la preparatoria. El director reconoce que, aunque no podía dejar de imaginar los espacios donde creció al escribir el guion, él no quería usar instalaciones que le resultaban familiares. Tras un infructuoso proceso de scouting, Armella abrazó la posibilidad de volver a sus raíces. Aunque la escuela no permite filmaciones, decidieron hacer una excepción para su exalumno. Carlos describe este proceso como uno “emotivo y muy nostálgico”.
En ese sentido, se trata de una producción que tiene la capacidad para conectar con públicos de distintas generaciones. “Una de las cosas que más me emociona de esta película, desde que leí el guion, es que aplica para diferentes edades y hasta para diferentes etapas de la vida”, expresó la productora Yadira Aedo durante la conferencia de prensa de la cinta. “Una de ellas es cuando eres joven y te identificas con los personajes; otra es cuando ya pasaste por esa juventud, pero que te quedaste con cosas que quieres seguir haciendo; otra como papás, que también dices ¿para dónde van mis hijos?, ¿para dónde va esta juventud?; y como este grito de ‘¡ánimo juventud!’ se necesita ahora más que nunca”.
“Si no es de esta forma, encontraremos otra”
Pese a tener un largo historial en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), esta experiencia será diferente completamente distinta para Carlos Armella. Primero, porque su película ¡Ánimo juventud! fue seleccionada como parte del programa Impulso Morelia en 2018. Allí convivió de cerca con el crítico y programador José María Riva, quien acompañó este proyecto en todo momento, incluso cuando participaron en Cinéfondation en Cannes. El maestro Riva falleció este año y esta edición del certamen fílmico está dedicada a su memoria.
Por otro lado, la crisis sanitaria por COVID-19 hace de esta edición híbrida una celebración mucho más contenida de la cual estamos habituados. No obstante, el director se muestra satisfecho con poder estrenar su película en pantalla grande, en un año que ya consideraba perdido en términos de exhibición. “Personalmente agradezco el esfuerzo que están haciendo. Muchos festivales han tenido que retirarse de la cuestión presencial y hacerlo solo virtual para poder seguir adelante, y Morelia ha hecho un esfuerzo adicional por darle al cine su lugar en las salas”.
Durante la conferencia de prensa, Carlos llegó a coquetear con la posibilidad de realizar una serie o una secuela con estos y otros personajes que aparecen en la película. Lamentablemente, el panorama actual del cine mexicano está lleno de incertidumbre, luego de que la Cámara de Diputados y la Cámara de Senadores aprobasen el dictamen para la extinción de 109 fidecomisos, entre ellos, el Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE). Aunque la administración federal ha asegurado que estos apoyos no desaparecerán, aún existe poca claridad sobre las nueva normas y procesos que existirán para acceder a los mismos.
“Es trágico. Nos aseguran que los fondos van a estar, pero no sabemos a ciencia cierta, no vemos donde está la claridad en eso. Yo creo que se están curando en salud, lo cual es grave porque el cine mexicano estaba atravesando por un muy buen momento. Estamos haciendo muchas películas. Hay un problema de distribución y, en lugar de atender ese problema, estamos rompiendo lo que no estaba roto”, reflexiona Carlos Armella. “Esperemos que vengan contrapropuestas que ayuden a retomar lo que teníamos ganado y a seguir construyendo la parte que nos faltaba. Lo veo ‘lamentable’, esa es la palabra, pero creo que no nos vamos a dejar y si no es de esta manera [el modo de obtener recursos para hacer cine], encontraremos otra”, concluye.
La película ¡Ánimo juventud! se proyectará este viernes en Cinépolis Morelia Centro y también estará disponible en Cinépolis Klic por 24 horas, a partir de las 16:15 horas del 30 de octubre.
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Guía Ambulante 2024: Fechas, horarios, tips y ruta de películas para disfrutar de la gran fiesta del documental
La edición 2024 de Ambulante Gira de Documentales, la fiesta por excelencia del documental en México, llega nuevamente con una gira itinerante que llevará más de 90 títulos a cuatro estados de la República. Su selección está compuesta por producciones de 23 países distintos, que incluyen largometrajes, cortometrajes, animaciones, estrenos nacionales y un estreno mundial. Además de las proyecciones, también se realizarán eventos como clases magistrales, jornadas infantiles, conversatorios con creadores, instalaciones artísticas, talleres, funciones de teatro documental, entre otras actividades dedicadas a abrir la conversación alrededor de los documentales y llevarlos a territorios de impacto. La gran mayoría de los eventos serán gratuitos.
Desde su primera edición en 2006, Ambulante ha sido un catalizador en la formación de públicos para el género documental. Ha fungido como umbral, como puerta, como bienvenida. Es uno de los festivales ideales para empezar a empaparnos de las historias que capturan nuestra realidad, pero también para reflexionar sobre las formas en que podemos contarnos a nosotros mismos, nuestras memorias y la de nuestras comunidades.
La 19 edición nos presenta una nueva oportunidad para dejarnos llevar por el cine documental. Aquí te decimos todo lo que debes saber para sacarle el máximo provecho.
¿Cuándo y dónde?
Primero lo primero. Antes de hacer tu itinerario asegúrate de conocer los días que la gira estará en tu estado. Ambulante 2024 visitará Ciudad de México, Veracruz, Michoacán y Querétaro, entre el 10 de abril y el 26 de mayo. Estas son las fechas de cada parada.
- Ciudad de México– del 10 al 21 de abril
- Veracruz- del 2 al 12 de mayo
- Michoacán- del 8 al 19 de mayo
- Querétaro- del 15 al 26 de mayo
¿Hay forma de disfrutar de Ambulante si la gira no pasará por mi estado o localidad?
La buena noticia es que parte de la programación estará disponible de manera gratuita en el sitio nuestrocine.mx, durante los siguientes días de mayo: del 2 al 5, del 9 al 12 y del 16 al 19.
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¿Qué ver en Ambulante 2024?
Una vez que has tomado en cuenta las fechas de la gira, recomendamos hacer un itinerario de las películas que te gustaría ver, aunque sabemos que al principio no es tan fácil. Cuando nos enfrentamos a la programación de un festival de cine es difícil no abrumarse con los listados de proyecciones, sedes y horarios. Sobre todo cuando se trata de nuestra primera vez y la mayoría de los títulos y nombres nos son en su mayoría desconocidos (pues no cuentan con los mismos niveles de notoriedad o marketing que las grandes producciones que nos llegan de Hollywood).
Afortunadamente, existen estrategias sencillas que nos ayudan a orientarnos. Una de ellas es revisar los caminos que el mismo festival propone a sus espectadores.
Históricamente, Ambulante ha dividido su selección de películas en nueve secciones: Pulsos, que son documentales mexicanos; Intersecciones, que agrupa documentales internacionales; Resistencias, que presenta documentales enfocados en la justicia y la defensa de los derechos humanos; Retrovisor, películas que le dan vida al archivo cinematográfico; Sonidero, películas que homenajean lo sonoro y unen música y cine; Ambulantito, una sección dirigida a las infancias; Invocaciones, que cada año presenta retrospectivas de creadores; Injerto, que presenta cine de vanguardia, y Coordenadas, una sección formada por películas realizadas en cada región que visita el festival (veracruzanas para Veracruz, michoacanas para Michoacán, etc).
Las secciones, además de categorizar, nos proponen rutas cinematográficas, de modo que si lo que te interesa son los documentales mexicanos puedes seguir las proyecciones y los horarios de la sección Pulsos, o si estás más interesado en aquellos trabajos sobre protagonistas que resisten al statu quo, puedes seguir la sección Resistencias. Y así con cada una.
Otra forma eficaz de orientarte es poner atención a las recomendaciones de tu crítico, medio o analista de cine favorito. A continuación te presentamos una ruta curada, que puedes seguir o tomar como referencia.
Ruta Cine PREMIERE- Ciudad de México
Ambulante ya cuenta en su página con un programa de mano completo para sus actividades y proyecciones en Ciudad de México. La siguiente propuesta de ruta retoma las actividades ahí mencionadas y toma en cuenta horarios y distancias entre cada sede para que puedas sacarle el mayor provecho a la programación de cada día, mientras cumples con tus jornadas laborales y demás compromisos diarios.
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Miércoles 10 de abril- función inaugural
Tres promesas (Dir. Yousef Srouji)
¿Por qué verlo? Una madre palestina filma en videos caseros la vida cotidiana de su familia, mientras el ejército israelí emprende una ofensiva contra la Segunda Intifada a principios del año 2000. Años después, su hijo retoma el pietaje para construir un documental que ofrece un vistazo distinto al conflicto israelí-palestino, y que nos ayuda a entender las dinámicas de ocupación de la región.
A qué hora y dónde- 19:30 hrs, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Para tomar en cuenta: La entrada es gratuita, por lo que te recomendamos llegar con tiempo de anticipación. La taquilla abrirá desde las 4:00 pm.
Jueves 11 de abril- Elige entre una película o una masterclass
Función: Soundtrack para un golpe de estado (Dir. Johan Grimonprez)
¿Por qué verlo? Es un documental innovador, que yuxtapone la música jazz con la historia del asesinato del líder africano Patrice Lumumba y la forma en que un golpe de estado acabó con un sueño y permitió que los poderes colonialistas siguieran explotando la región. Es una lección de historia, pero de esas que no te dejan despegar los ojos de la pantalla.
Habrá una sesión de preguntas y respuestas después de la función.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Le Cinema IFAL
Masterclass: Cine y poesía con Lynne Sachs
A partir de fragmentos de sus propias películas, la realizadora experimental Lynne Sachs compartirá reflexiones sobre cómo trenzar cine y poesía: la visualización de textos poéticos, el ensayo cinematográfico, y cómo usar la imagen para expandir la realidad a partir de lo poético.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cineteca Nacional
Viernes 12 de abril- disfruta de una función doble
1. El Eco (Dir.ª Tatiana Huezo )
¿Por qué verlo? Documental ganador en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, en él la realizadora mexicana Tatiana Huezo explora la fragilidad del campo y de la niñez a partir de la vida cotidiana del pueblo El Eco, en donde el viento transporta murmullos y las infancias aprenden a coexistir con el mudo natural.
Habrá sesión de preguntas y respuestas.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinépolis Universidad
2. Favoriten (Dir.ª Ruth Beckermann)
¿Por qué verlo? Este documental sigue las aventuras, los triunfos y las fascinantes personalidades de un grupo de niños, hijos de migrantes, que asisten a una escuela primaria de alto riesgo en un barrio marginal de Viena. El salón de clase es una comunidad, un retrato de la sociedad europea actual a pequeña escala, que nos enternece, nos divierte, y nos sorprende con la lucidez y magnetismo de sus pequeños protagonistas.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinépolis Universidad
Sábado 13 de abril- Choose your own adventure
Opción 1- Para los cinéfilos y amantes de las imágenes:
Y el rey dijo: Qué máquina tan fantástica (Dirs. Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck)
¿Por qué verlo? Este documental nos sumerge en la historia de las imágenes y reflexiona sobre la relación que las personas hemos construido con la cámara a lo largo de la historia: ¿para qué la hemos usado? ¿cómo nos hemos retratado a nosotros mismos? ¿y cómo ha cambiado nuestra relación con las imágenes y la cámara a lo largo del tiempo y de cara a los avances tecnológicos?
Habrá un conversatorio al finalizar la función, con los creadores de contenido: Sofía Poiré, Kristian Gabriel, Rodrigo Vázquez Venegas y Marbella Figueroa.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Le Cinema IFAL
Opción 2- Para quienes disfrutan de trabajos que unen cine y gastronomía:
El menú de los placeres: La familia Troisgros (Dir. Frederick Wiseman)
¿Por qué verlo? Esta película nos da la oportunidad de asistir a una experiencia inmersiva, en donde un grupo de talentosos artistas culinarios hacen magia: después de todo, preparar platillos de gran calidad es un asunto de disciplina, creatividad e imaginación.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cine Tonalá
Domingo 14 de abril- otra función doble
1. Queendom (Dir.ª Agniia Galdanova)
¿Por qué verlo? Este es el retrato de Gena Marvin, una activista queer temeraria, que protesta contra el gobierno ruso de formas que retan y absorben nuestros sentidos. Sus performances son extensiones de su mundo interno: resistencias contra la guerra en Ucrania que visten zapatos de plataforma y pintura en el cuerpo. Nos recuerda que la valentía puede adoptar muchas apariencias.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinepolis Universidad
2. Malqueridas (Dir.ª Tana Gilbert)
¿Por qué verlo? Este trabajo de la directora chilena Tana Gilbert muestra la vida de madres que cumplen sentencias en las cárceles, a través de las grabaciones de sus propios teléfonos móviles. Es un vistazo a la maternidad desde el encierro, que despierta reflexiones sobre las condiciones a las que se enfrentan estas mujeres.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinepolis Universidad
Jueves 18 de abril
El guardián de las monarcas (Dir. Emiliano Ruprah de Fina)
¿Por qué verlo? Este documental investiga la muerte y desaparición del activista ambientalista Homero Gómez González, mientras expone los intereses criminales que amenazan el Santuario de la Mariposa Monarca en Michoacán.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Centro Cultural José Martí
*Conforme se den a conocer las programaciones de los otros tres estados de la República, publicaremos las rutas para cada uno.
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En el universo de Star Wars, el color del sable de luz es definido por el cristal Kyber, el cual refleja la personalidad y habilidades del portador. Recordemos que, como parte del entrenamiento, un Jedi debe fabricar su propio sable de luz y seleccionar el cristal que le dará vida. Estos cristales son sensibles a la Fuerza, por lo que su verdadero color es revelado al entrar en conexión con un Jedi o un Sith.
¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars? Al inicio de la saga era más sencillo: rojo para los malos y verde o azul para los buenos. Sin embargo, con el paso del tiempo y la expansión del universo, conocimos nuevos colores y a cada uno se les dio un significado diferente.
El canon actual no cuenta con significados especiales para estas armas, por lo cual nos basaremos en el significado de Legends y en algunos conceptos que nos ha dado el canon.
Azul
Este color es usado por los guardianes Jedi: se enfocan en el uso de la Fuerza de manera táctica y física. Por esa razón es que es el color más común.
Los portadores más conocidos: Anakin Skywalker, Obi-Wan y Leia Organa.
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Verde
Son utilizados por los Consul Jedi: pensadores que se dedican a estudiar los misterios de la Fuerza. Representan la sabiduría, la armonía y son utilizados por los Jedi más sabios y de mayor rango.
Los portadores más conocidos: Yoda, Qui-Gon Jinn y Luke Skywalker.
Rojo
Este color representa la ira, la maldad y el tormento. Después de ser corrompido por el lado oscuro, un Sith no establece conexión con el cristal Kyber, sino que lo doblega hasta hacerlo “sangrar”, de ahí el color rojo.
Los portadores más conocidos: Darth Vader, Darth Sidious, El gran inquisidor, Darth Maul y todo aquel usuario del lado oscuro.
Amarillo
En el universo Legends, son usados por los Centinela Jedi: miembros de la orden que se enfocan en los estudios de combate, medicina y tecnología. En la serie animada de Clone Wars los vemos empuñados por los guardianes del templo Jedi en Coruscant.
Naranja
Este color no ha sido utilizado por algún Jedi del canon actual. No obstante, en Legends es utilizado por los Jedi de gran fuerza física y de carácter oscuro.
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Este color podía ser seleccionado por un jugador del videojuego Star Wars Jedi: Fallen Order si se reservaba en preventa.
Morado
Es un color usado por los Jedi que pueden balancearse entre el lado oscuro y de la luz sin llegar a ser corrompidos. El morado representa la ambigüedad moral del portador y es un color muy raro entre los miembros de la orden.
La historia original nace a partir de la petición de Samuel L. Jackson a George Lucas de que su personaje portara un sable de color morado, ya que es el color favorito de Samuel.
El portador más conocido: Mace Windu.
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Dorado
Es portado por todo aquel Jedi entregado en su totalidad al lado luminoso, representa la compasión y la sabiduría.
Después del final del Episodio IX, quedó la duda de qué significado tendría este color de sable de luz dentro del canon, pues al final de la cinta Rey crea su propio sable dorado. Muchos fanáticos han llegado a la conclusión de que significa el balance entre el lado oscuro y de la luz, ya que Rey nace con la sangre de Palpatine, pero su entrenamiento corrió a cargo de un Skywalker.
Blanco
Ahsoka Tano es la única portadora de este color en toda la franquicia. Sus sables de luz fueron creados a partir de su pelea con el sexto hermano inquisidor: Ahsoka tomó sus cristales y utilizó la fuerza para purificarlos.
Negro
Es el color de un sable único creado por Tarre Vizsla, el primer Jedi mandaloriano. Después de la muerte de Tarre Vizla, el sable fue ocultado en el templo Jedi y robado por el Clan Vizsla. Su primer aparición fue en la serie de Clone Wars.
Su color representa el poder absoluto, supremacía y orgullo. Por lo tanto, se convirtió en un símbolo de liderazgo para los mandalorianos. Según sus costumbres, todo aquel que empuñe el sable negro obtendrá el titulo de Mand’alor, gobernante de Mandalore. La única forma de obtenerlo es derrotando al portador anterior en un combate a muerte.
El sable ha sido portado por Tarre Vizsla, Pre Vizsla, Bo-Katan entre otros. Din Djarin es el actual poseedor del sable negro.
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Robert De Niro, leyenda viva del cine, se ha consolidado como uno de los actores más influyentes y respetados de su generación. Nacido el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, De Niro ha dedicado su vida al arte de la actuación, convirtiéndose en un verdadero camaleón de la pantalla grande. Su capacidad para interpretar a los personajes, desde el más despiadado mafioso hasta el padre más comprensivo, ha dejado una gran huella en la historia del cine.
Una trayectoria de éxitos y personajes memorables
La carrera de Robert De Niro es un conjunto de actuaciones que han definido géneros y eras. Desde sus primeros días bajo la dirección de Martin Scorsese en Taxi Driver hasta su papel icónico como Vito Corleone en El Padrino II, De Niro ha demostrado una versatilidad asombrosa. Su colaboración con Scorsese, en particular, ha dado lugar a algunas de las películas más recordadas del cine, incluyendo Toro Salvaje y Goodfellas. Sin embargo, su capacidad para adaptarse no se limita a los dramas intensos; también ha brillado en comedias como Los padres de ella.
Además, otra de sus actuaciones más destacadas la encontramos en el papel que hizo en Casino, una película que introduce al espectador en el mundo de las apuestas, el poder y la codicia en Las Vegas. En este drama épico, De Niro interpreta a Sam «Ace» Rothstein, un profesional de las tragamonedas y juegos de azar que es llamado para dirigir uno de los casinos más importantes de la ciudad.
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Alto Knights, la nueva aventura de De Niro
Robert De Niro regresa al género que lo vio nacer como estrella con Alto Knights, una película que se espera que esté entre las destacadas de la larga lista de éxitos del actor en el cine de mafia. Dirigida por Barry Levinson, Alto Knights se sumerge en la historia de dos de los jefes de la mafia más notorios de Nueva York, Frank Costello y Vito Genovese, interpretados por De Niro, quien asume el reto de dar vida a ambos personajes.
La película, que inicialmente llevaba el título The Wise Guys, ha sido rebautizada como Alto Knights y está programada para estrenarse el 15 de noviembre de 2024. Este cambio de nombre y la postergación de la fecha de lanzamiento se debe a que los creadores quieren que salga todo perfecto con este proyecto. Aunque aún no se ha lanzado un tráiler, la anticipación crece día a día.
Por otro lado, el elenco de Alto Knights se complementa con talentos como Debra Messing y Kathrine Narducci, quienes, junto a De Niro, prometen llevar al público a un viaje inolvidable a través de las complejidades del poder y la traición en el mundo del crimen organizado. La dirección de Levinson, combinada con el guión de Nicholas Pileggi y la producción de Irwin Winkler y Jason Sosnoff, asegura que esta producción será una pieza imprescindible para los aficionados al género de la mafia y para aquellos que aprecian el cine de alta calidad.
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